Gâteau de bonheur à Bozar :

« La beauté sauvera le monde, et si cette beauté, c’était la musique ? » Amélie Nothomb, prolongeant la célèbre formule de Dostoïevski, nous invite à regarder la musique comme un langage qui dépasse les mots, rassemble les êtres et offre un refuge, voire une élévation, face à la rudesse du monde. Et c’est bien l’essence de ce que nous avons ressenti lors de ce gala de l’Association Femmes d’Europe à Bozar. Et les voix… restent essentielles !

Ainsi, le 27 octobre dernier, la Salle Henry Le Bœuf de Bozar accueillait A Voice From Ireland, un gala organisé par l’Association Femmes d’Europe. Une soirée placée sous le signe de l’Irlande, de la fraternité et de la solidarité, dans le cadre de la présidence irlandaise du Conseil de l’Union européenne, avec le soutien de l’ambassade d’Irlande en Belgique.

Dans une époque où les fractures s’élargissent, où les discours de puissance semblent parfois prendre le pas sur les valeurs humaines, quelle heureuse idée que de faire entendre une autre voix ! Celle de la Culture, de la mémoire, de l’espérance et du partage. Celle du cœur.

Mais de qui parlez-vous ? Accompagné du Brussels Philharmonic Orchestra et du Brussels Philharmonic Chorus, sous la direction de David Navarro-Turres, c’est bien le ténor irlandais Emmet Cahill qui porte cette voix. À leurs côtés, Mark Redmond et ses uilleann pipes, ces cornemuses irlandaises au timbre si singulier, apportent une couleur toute particulière à cette traversée musicale. Et, pour l’universalisme, les percussions colorées et envoûtantes de Serkô Kanîwar. Au piano, Seamus Brett, caché derrière son instrument, et un intrépide violon : Alan Arif. En deuxième partie, Philippe Navarre, au piano dans le morceau norvégien.

Le lumineux ténor Emmet Cahill anime la soirée en fougueux master of ceremonies. Il lâche des anecdotes et captive le public, le subjugue par l’émotion, le fait rire, instaure une véritable complicité. Guinness is good for you! Voilà une   forme opératique malicieuse. Made in Europe. Il nous entraîne, avec sa générosité communicative, dans son univers musical et dans les pérégrinations de tout un peuple irlandais.  Sa présence intense, une voix ample, puissante et juste, capable de faire monter les larmes aux yeux au détour d’une belle et longue tenue de note, d’une expression dramatique du visage ou d’un silence éloquent, réjouit.

Tout y passe. L’Irlande, ses paysages, ses légendes, ses départs, ses exils, ses blessures et son indéfectible espérance. De Down by the Sally Gardens, une chanson traditionnelle irlandaise adaptée par William Butler Yeats, à Mo Ghile Mear, et à la tendresse de Danny Boy les mélodies traditionnelles réveillent tout un imaginaire collectif. Isle of Hope, Isle of Tears évoque les migrations et les séparations, tandis que You Raise Me Up …to more than I can be, illustre une prière poignante de gratitude à son père. Un morceau de fibre filiale brûlante d’amour offert à ses parents présents dans la salle.

Les cornemuses de Mark Redmond apportent leur souffle ancestral à cette évocation d’une île qui n’a jamais cessé de chanter, même dans les heures les plus sombres de son histoire, lorsque la famine et l’exil ont jeté tant de ses enfants sur les routes du monde. Ils sont partis avec pour seul bagage leur langue maternelle, et ils ont construit lumière et espoir.

Il y a cette phrase terrible : « Only Our Rivers Run Free », allusion à ce peuple qui, lui, ne l’est pas…

Mais le voyage ne s’arrête pas aux rivages irlandais. Il franchit les frontières, traverse les siècles et les genres. Karl Jenkins nous invite à la paix avec The Peacemakers, Healing Light et A Celtic Prayer.

Un détour par The Impossible Dream, et toute la noblesse de cœur de Don Quichotte. Brel tressaille dans sa tombe.

Et puis Amazing Grace, écrite par John Newton. Une histoire de rédemption qui donne au chant une résonance particulière. Ancien capitaine négrier, Newton connaît un bouleversement spirituel après avoir survécu à une terrible tempête en mer, en 1748. Il lui faudra encore plusieurs années pour rompre avec la traite des esclaves et devenir pasteur, puis défenseur de l’abolition. How sweet the sound… Une grâce qui n’efface pas le passé, mais qui raconte aussi le long chemin d’une conscience.

La création contemporaine Across Mountains We Dance, du compositeur belgo-irakien Qoutayba Neaimi, inscrit à son tour la rencontre des cultures dans le présent. Un favori du BPO.

Puis viennent de grandes pages du répertoire lyrique et même de la comédie musicale. Le chœur des esclaves de Nabucco de Verdi. Une effusion de l’Esprit divin, ou la divinité de l’esprit… dans Luminous Night of the Soul d’Ola Gjeilo, œuvre pour chœur, piano et quatuor à cordes. Ce piano solo, cristallin, l’archet qui dialogue avec la voix, le chœur : une vague de bonheur complice… et la finale en forme de soleil ardent. C’est l’émerveillement …

Et soudain, le bouleversant Bring Him Home des Misérables. How sweet the sound quand on a eu la chance de chanter ce morceau dans une chorale internationale !

Et surtout You’ll Never Walk Alone du musical Carousel. Une chanson devenue après-guerre une source de soutien et de réconfort pour tant de personnes confrontées à l’épreuve et au chagrin. Son message demeure intemporel : personne ne devrait avoir à affronter seul les chemins difficiles de l’existence.

Autant de chants qui parlent de liberté, de dignité, de résistance et de fraternité. Des œuvres différentes, et une même et solide aspiration à ne jamais renoncer à l’espérance. « La folle espérance » de Guy Béart (1971) …

Profitons-en pour saluer aussi la construction symbolique du programme. L’hymne national irlandais a ouvert la soirée. La salle est debout. Mon voisin rêve de sports de ballon. L’Ode à la joie de Beethoven, hymne européen, la refermera. Cet hymne de mon enfance : au lycée, nous le chantions à tue-tête, en soixante-huit, sur la Grand-Place de Bruxelles. Un 8 mai.

Entre ces deux hymnes s’est déployé tout un empire de lumières musicales et d’émotions. Une maison allumée. Signée Magritte.

Cette Europe demeure une réalité vivante. Elle ne se réduit pas à ses institutions, à ses traités ou à ses frontières, mais se reconnaît dans un patrimoine vivant et dans des valeurs que les peuples peuvent partager.

Car derrière ce gala, il y a une autre belle histoire. Celle de l’Association Femmes d’Europe.

Fondée à Bruxelles en 1976, cette organisation philanthropique, apolitique, indépendante et multiculturelle rassemble quelque 700 membres bénévoles. Leur mission ? Récolter les fonds nécessaires au financement de projets humanitaires de petite échelle, en Europe et ailleurs dans le monde. Des projets proposés et marrainés par les membres, puis portés sur le terrain par des associations locales, au bénéfice principalement des femmes et des enfants.

Depuis sa création, plus de douze millions d’euros ont ainsi été attribués à des initiatives concrètes. Et 97 % des fonds récoltés sont directement reversés aux actions humanitaires. Derrière ces chiffres, il y a des écoles, des soins, des formations, des possibilités nouvelles, des vies qui peuvent prendre un autre chemin.

Une solidarité de proximité, attentive aux besoins réels, qui préfère les actes aux grands discours.

Voilà donc une soirée où la musique n’est pas seule à nous émouvoir. Le projet est bien plus vaste : faire de la générosité une action, de la diversité une richesse et de la Culture notre langage commun.

Voice of America n’est plus. Le rêve américain a un sérieux coup dans l’aile, les certitudes européennes se voient bousculées, les divisions se creusent, les extrêmes osent lever la tête, le monde se durcit. Pire, la novlangue a gagné du terrain, les richesses matérielles s’accumulent au-dessus des États, tandis que l’économie et la guerre semblent désormais se livrer un inquiétant bras de fer…

Mais l’Europe possède encore de formidables raisons de faire entendre sa voix. Ses artistes, ses créateurs, ses musiciens, ses associations, ses citoyens engagés. Son engagement multiculturel.

La musique nous montre-t-elle le chemin de la solidarité ? Nous rappelle-t-elle que la course à la puissance ne saurait remplacer un indispensable surcroît d’humanité ?

Ce soir, à Bozar, l’Europe a une voix vraiment bouleversante. Elle hausse le ton de l’humanité. Elle est irlandaise, généreuse, plurielle et profondément musicale.

Alors, allez-vous reconnaître cette petite variation sur Beethoven ?

« Peuples de l’Europe entière,

Âmes franches des cités,

Par-dessus tant de frontières,

Proclamons notre amitié. »

Immense gratitude à Voice of Ireland pour cet indispensable rappel.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

ROBIN ? C’est le nom d’un rouge-gorge en anglais. Il symbolise le renouveau. On le retrouve sur les cartes made in Britain envoyées au Nouvel An. Il pétille d’intelligence, il s’oppose au paon vaniteux qui se prélasse dans les palais. Il vit dans les bois et les forêts avec son alter ego : le malicieux Robin Hood et ses comparses, des gueux mourant de faim dans la forêt de Sherwood à l’époque de Richard Cœur de Lion. Sous le règne de l’usurpateur, le roi Jean, on a tout pris aux villageois écrasés par les taxes.

Another one bites the dust! Rejoice ! Les puissants et les nantis vont déchanter. Leur cupidité et leur soif du pouvoir vont tomber en miettes. Car les valeureux réfugiés des forêts, des voleurs-chevaliers, vont devenir les défenseurs autoproclamés de la justice sociale. Est-ce l’effet magique de la paix des arbres et de la forêt, notre berceau et notre nature profonde ? Sherwood est un royaume, sans couronne.

Le rideau s’ouvre sur une étrange galerie de personnages. Des fantômes du passé en costumes vivants, silencieux. Ils semblent attendre leur heure. Rutilance, fantaisie, extravagance baroque des matières, des couleurs et des styles. Premier émerveillement devant le travail des créateurs. L’œil est déjà à la fête.

Où sont passés les décors ?

Surprise, nouvel enchantement visuel. De grandes arches blanches, marbrées, monumentales apparaissent. Le fondement du pouvoir, comme les palais romains et leur front audacieux ? Leur entrelacement évoque plutôt une idée stylisée de la forêt séculaire, composée de milliers de branches vivantes d’arbres, où circule la sève de la vie. Viktor Budo, à la création lumière, fait basculer ce même espace d’un univers à l’autre. Soufflant.

Cet ensemble évoque peut-être encore une nef renversée, un drakkar échoué dans un songe, une arche protectrice emportant l’humanité vers des temps nouveaux. Vous aurez votre idée. Un décor à plusieurs lectures, dont les portes, les murs et les herses ne cessent de se déplacer. Faire bouger les lignes ? Toute l’ambition du théâtre, non ? Les jeux de lumières lancent des gammes de couleurs où le bleu gagnant est roi, en fin de spectacle. Tel ce bleu de Chagall, ou celui des vitraux de la cathédrale de Rouen. Prayers answered?

Parmi les gueux, on rencontre notre ardent Guy Pion qui joue, en mode Guy Gilbert, cet auguste vieillard, un aumônier échappé des corruptions du palais, ami généreux des loubards de la forêt. Immense et infatigable comédien qui vaut son pesant d’or !

Mais bientôt, l’histoire prend forme, les corps prennent le relais. Les combats fusent, les épées dessinent des arabesques, un banc vole, les arcs souples jouent les boucliers ou les pieux d’attaque, les trajectoires se croisent avec la précision des corps à corps martiaux d’Extrême-Orient. La chorégraphe en chef mène le jeu avec un sérieux absolu. Chorégraphies géométriques, verticalité, haute voltige, prouesses physiques. Au centre : l’illustre Othmane Moumen. La parole aurait-elle trouvé plus fort qu’elle ? Détrompez-vous, texte et action se partagent équitablement les honneurs. Certes, le spectacle est cousu de combats à chaque changement de scène. Mais ces charnières vivantes dans le récit sont ahurissantes de beauté et de précision spatiale. On se sent aspiré dans un monde fantastique. C’est à couper le souffle, le leur et le nôtre !

Mon voisin, jeune spectateur entre dix-sept et dix-neuf ans, est aux anges. Il se roule de plaisir, rit à gorge déployée devant les feintes verbales, tandis que ses lunettes semblent sauter de bonheur à chaque exploit d’Othmane Moumen et de ses compagnons de lice. Quel meilleur baromètre pour mesurer la réussite d’une soirée ? Le rire d’une jeunesse conquise !

Et quelle vivacité dans l’écriture ! Car derrière la légende médiévale, les auteurs se sont offert un terrain de jeu formidable pour jeter en pâture leurs quolibets ultra-modernes ! Le roi Jean devient un ogre de pouvoir, obtus, vorace, insatiable, malhonnête, dont les mimiques, le vocabulaire et les postures rappellent furieusement un certain locataire de la Maison-Blanche. « Fight, fight, fight ! » « Quoi, ils mangent des. Chats et des chiens ?» « Qu’on les mette à mort en place publique ! Ce sera un beau spectacle. » Jouée par Laurie Degand, la reine Isabelle, elle, cultive ses airs de prédatrice voluptueuse et couve ses manipulations sordides. Un nom qui commence par M ? Et voici que surgissent les agents de l’ICE, dans ce joyeux télescopage entre l’Amérique contemporaine et le passé épique de l’Angleterre. Notre excellent Thierry Janssen, un habitué de la raillerie, a du coffre, il tient le rôle grotesque et cruel du roi Jean, comme il en tint un autre, où déjà, il excellait, dans « Le Dragon ».

L’écriture plurielle, impertinente, à six mains par Bénédicte Philippon, Livête Capuche et A.R. Chère, fait souffler un vent de contestation sur la légende. L’humour y côtoie la satire politique, le panache l’indignation, et la solidarité devient une arme. On est loin du temps de la voix tendre et poétique de Marlène Jobert… qui contait l’histoire de Robin des Bois aux enfants.

On est dans un registre brûlant, une actualité urgente faite d’immenses traîtrises. Les signaux sont au rouge : on veut bien se réveiller ? No pasarán !

Les cascades de dérision font flèche de tout bois. C’est efficace. Le public, galvanisé, a sauté dans la galère ! Fluctuat nec mergitur! Allez les rameurs !

Et puis, comble de bonheur, II y a de ces coïncidences… Serendipity? Ce soir de première avait lieu le lendemain de la défaite électorale américaine, historique, on l’espère. Alors que les chutes du Niagara, la tour Eiffel et le Colisée se paraient de bleu, les astres seraient-ils donc alignés avec Robin ? Another one bites the dust.

Au milieu de cette joyeuse bataille, il y a Marianne, à la voix fraîche et lumineuse, dont la diction exquise donne des frissons de bonheur. Mathilde Daffe. Elle quitte les délices de la vie luxueuse pour se joindre aux révoltés. Son visage s’est décomposé lorsqu’elle a vu, sous ses yeux, l’homme qu’elle aime, poignardé sans pitié dans le dos. Plus aucune hésitation, nous voilà emportés, avec elle, au cœur de la révolte.

Question de souffler un peu. Dans la seconde partie, les chassés-croisés avec un faux barbu, un druide grand savant et maître de sa troupe, injectent de francs éclats de rire, comme à la Comédie. L’avez-vous reconnu ? Les serviteurs fidèles du roi sont merveilleusement parodiques. Le shérif de Nottingham : Jean-François Rossion et Mestre de Girard : Ariel Bwabo.

Au fond, que reste-t-il de cette prodigieuse équipée ? Des images, des voix, des combats, une jeunesse qui rit, un pouvoir déboussolé enfin déboulonné et une vieille forêt pleine de sagesse antique. Dix-huit interprètes portent cette aventure collective, où la musique épique de Laurent Beumier et le rap viennent encore attiser le feu de la révolte.

C’est Cécile Vannieuwerburgh qui a signé la scénographie, tandis que Catherine Couchard et Émilie Guillaume assurent ensemble la mise en scène. À Émilie Guillaume revient bien sûr la chorégraphie des combats, sa marque de fabrique inégalée, élaborée avec her partner in crime: Felipe Salas

Les costumes de Béa Pendesini, les maquillages et coiffures, imaginés par Emma Toussaint et Chiara Orru, parachèvent ces personnages sans les enfermer dans une reconstitution médiévale. Ainsi le spectacle cultive un heureux flou temporel. Et la formidable machine théâtrale roule de bonheur et célèbre l’intelligence collective.

Crédit photo : Aude Vanlathem

On offre une flèche d’or à Cécile pour son décor aux mille visages, à Émilie et Felipe pour leurs combats époustouflants, à toute l’équipe pour cette brillante équipée. Et des étoiles pour les fabuleux jeux de lumière. Bleue !

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Robin des Bois, de Bénédicte Philippon, Livête Capuche et A.R. Chère.

Mise en scène : Catherine Couchard et Émilie Guillaume.

Scénographie : Cécile Vannieuwerburgh.

Chorégraphie des combats : Émilie Guillaume, en collaboration avec Felipe Salas.

Lumières : Viktor Budo.

Création musicale : Laurent Beumier.

Costumes : Béa Pendesini.

Coaching vocal : Daphné D’Heur.

Maquillages et coiffures : Emma Toussaint, en collaboration avec Chiara Orru.

Assistanat à la mise en scène : Manon Perrouelle.

Avec Félix BAREL, Romane BERLANGER, Julien BESURE, Ariel BWABO, Vladimir BURRION, Mathilde DAFFE, Laurie DEGAND, Émilie GUILLAUME, Elliott GUYOT, Thierry JANSSEN, Lucien LARIVIÈRE, Othmane MOUMEN, Guy PION, Gustave RENDERS, Jean-François ROSSION, Jérôme VILAIN, Jules WEISS

Au Théâtre Royal du Parc, du 5 novembre au 31 décembre 2026. Durée : 2 h 10, entracte compris.

Tout public dès 8 ans.

Allez-y! Partagez ! 

Deux dames des années ‘68 s’en vont un soir au théâtre. Leurs maris ont rejoint les étoiles. L’une se complaît à écrire, page après page, des hommages aux artistes qui peuplent nos scènes. Une mission sacrée après celle d’enseigner par monts et par vaux. A lifelong commitment. Heureux qui communique !

Et coup de tonnerre ! Leurs poumons se sont remplis d’un immense souffle d’empathie… à en faire craquer leurs côtes fragiles ! Une empathie brute qu’elles ressentent encore ! Du jamais-vécu à ce point lors d’un spectacle ! Et pourtant, elles en ont vu, des spectacles, de toutes les couleurs ! Ah, ce vocable moderne, dites-le-moi encore ! Totalement bluffées, les coureuses de culture. Au superlatif !

D’ailleurs, les frissons couraient encore sur leurs joues, une demi-heure après, lors de la rencontre avec les deux artistes qui avaient tout donné dans une performance absolument haletante.

L’histoire contée par Duncan Macmillan, c’est le duo charnel du cœur et de l’âme d’un homme et d’une femme. Une histoire d’amour, de vie, de choix et de questionnements, qui se déploie au fil des années. Les deux interprètes, que nous n’avions jamais rencontrés, nous en ont livré une lecture d’une profondeur absolument extraordinaire.

Dès les premiers instants, le couple dégage une vitalité charnelle dans cette salle du Théâtre Blocry, qui permet, de surcroît, une proximité intense avec les comédiens. Pas de distance protectrice. Nous sommes presque comme l’herbe du décor, foulée en direct par leurs affects. Témoins privilégiés de leurs confidences, de leurs affrontements, de leurs sublimes fragilités.

Au départ, une question presque banale, posée dans une file d’attente chez IKEA : peut-on raisonnablement faire un enfant dans le monde qui est le nôtre ? Faut-il en avoir envie ? A-t-on le droit ? Et surtout, pour quelles raisons ?

Le couple est jeune, beau, lumineux, instruit, conscient des bouleversements de la planète. Des gens « bien ». L’urgence climatique, la surpopulation, les guerres, l’avenir incertain viennent s’inviter dans leur conversation. Elle pousse le raisonnement jusqu’à la comptabilité carbone : mettre un enfant au monde représenterait une empreinte écologique considérable. Dix mille tonnes de CO₂, l’équivalent du poids de la tour Eiffel ! Voilà un bébé qui pèse déjà bien lourd avant même d’avoir poussé son premier cri !

L’humour surgit là où on ne l’attend pas. Les raisonnements s’emballent, les arguments se bousculent, les contradictions s’entrechoquent. Vouloir être un citoyen responsable, est-ce renoncer à transmettre la vie ? Peut-on attendre que le monde soit devenu raisonnable pour fonder une famille ? Et si l’on réfléchissait tellement qu’on finissait par ne plus vivre, ou qu’il faille un permis pour procréer ? À croire que le discours eugéniste refait soudain surface, comme une odeur puante !

Macmillan, en nous mettant sous le nez un débat écologique, ouvre aussi la boîte de Pandore de nos interrogations existentielles. La maternité, la paternité, le corps, le désir, la peur de ne pas être à la hauteur, la responsabilité de faire grandir un être humain. La thèse à finir, le cachet du musicien qui traîne… Ça défile, sans la moindre leçon de morale, sans la moindre réponse toute faite. Le dramaturge joue à Socrate et nous laisse nous débrouiller avec nos propres convictions.

Le temps, lui, imperturbable, avance, à coups de changements de lumière, alors qu’une jeunesse irréductible règne dans les corps qui s’épuisent.

Le vécu des deux personnages déferle avec des prises sur le vif, des pauses, des accélérations, des arrêts sur image… Au fur et à mesure que le temps vital s’écoule imperceptiblement, les conversations s’enchevêtrent, se repoussent, les pensées se précipitent, les mots se chevauchent. Les dialogues superposés s’empilent pour former des murs ou des ponts.

Respirations. Les séparations entre les scènes sont des morceaux de paradis : ce couple invinciblement accolé, lové, fondu l’un dans l’autre. Des images de rêve et d’incommensurable tendresse.

Deux existences, qui sait, trois ? Elles se dessinent sous nos yeux, avec leurs grands bouleversements, leurs élans, leurs doutes, leurs angoisses, leurs contradictions. Leur intimité intense devient le miroir de nos propres interrogations. Comment aimer ? Comment vivre ensemble ? Comment rester soi-même tout en construisant une histoire à deux ou plus ? Et comment continuer à avancer lorsque les événements nous échappent ? L’effet cathartique du théâtre est en place. Plus que l’empathie qui a envahi nos poumons, on ressent une profonde gratitude devant la vie.

Soit dit en passant : Macmillan excelle dans l’exercice périlleux de nous faire osciller entre le rire et les larmes, entre l’agacement et la tendresse. Mais toujours, ces deux comédiens en duo se font totalement confiance. Ils opèrent dans une transparence et une honnêteté vibrantes. De là, sans doute, notre fantastique émerveillement.

D’aucuns, peut-être, voudront désapprouver les personnages, les trouver maladroits, contradictoires, parfois déconcertants, irritants ? Qui sait ? Puis, quelques répliques plus loin, ils se trouveront surpris de les comprendre. Ces personnages ne sont ni des héros ni des modèles. Ils sont humains, et formidablement humains.

C’est là que réside probablement la grande force de cette écriture qui a su saisir les instants minuscules qui deviennent les véritables carrefours de nos existences.

Here and Now. C’est une évidence, tout est éphémère, même les arbres qu’ils contemplent avec envie. Les certitudes s’effritent, les sentiments évoluent, les êtres se transforment. Et pourtant, quelque chose résiste. Un attachement inné, une prédisposition ancrée à l’authentique « love at first sight », une intuition divine de l’amour et de ses racines fichées dans l’absolu.

Remarquable, bien sûr, l’épure théâtrale qui nous est présentée. Les deux personnages évoluent, selon les didascalies, sur une scène totalement dépouillée. Mais celle-ci vibre de vérité. Elle est constituée de marches et d’allées bordées d’herbes et de rameaux épars, avec des encoignures d’appartement peint en blanc, comme pour accueillir de jeunes mariés qui ont l’éternité devant eux. Pas de décor pour polluer les lieux, pas d’accessoires pour accrocher les années, aucun changement de costume, l’éternelle jeunesse malgré le temps qui passe. Tout repose sur la parole, le corps, le rythme, les silences et l’imagination du spectateur. Sacrée gageure pour ces jeunes et fougueux interprètes ! So attractive and so …resourceful !

Elisa Firouzfar et Félix Vannoorenberghe nous offrent en effet une prestation d’une intensité rare. Leur complicité, leur justesse, leur engagement physique et vocal donnent chair à cette partition exigeante. Les accélérations, les ruptures de ton, les moments de grâce et les déflagrations émotionnelles composent un ballet de mots et de sentiments. Avec leurs phrases suspendues, hachées, faites de bulles, d’hésitations, d’allers-retours, d’avortements et de trépignements, ils sont tour à tour drôles, désarmants, exaspérants, tendres, bouleversants et surtout palpitants de vérité !

La mise en scène d’Anne-Pascale Clairembourg fait pleinement confiance à la puissance du texte et à ses interprètes pour embarquer les spectateurs jusqu’au bout de leur âme.

Poumons ?  …Au singulier chez Molière, dans Le Malade imaginaire. Une alerte aux gens qui fument ? Et se détruisent ? Un titre néanmoins qui semble bien bref pour une œuvre aussi ample. Le genre de nourriture que l’on demandait en boucherie pour nourrir les chats ! Ouf, depuis, on leur donne des croquettes… Teasing you, Duncan !

Finalement, le programme est clair : respirer, aimer, hésiter, choisir, avancer. Faire entrer la vie dans un monde qui semble parfois manquer d’air.

De quoi permettre au spectateur de flotter avec allégresse devant la beauté de l’ouvrage, à travers les multiples tempêtes, les questionnements vitaux et les flots d’émotions, certaines, ô joie, presque attendues !

Entre deux alter ego, une conversation devient une vie entière.

Jubilation.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Traductrice : Séverine Magois – Mise en scène : Anne-Pascale Clairembourg – Avec :Elisa Firouzfar et Félix Vannoorenberghe – Scénographie : Noémie Vanheste – Création lumières : Grégoire Tempels – Création sonore : Gilles Masson – Dessin : Taïla Onraedt – Assistanat à la mise en scène et dramaturgie : Elise Di Pierro – Régie générale : Manu Maffei – Régie :  Nicolas Lomba – Construction décor : Dorsan Pieters – Direction technique : Jacques Magrofuoco. Avec l’aide de l’équipe technique Le Vilar.

Crédit photos : Sarah Brunori

Une coproduction Le Vilar (Louvain-la-Neuve), Théâtre de Poche et DC&J Création.

Soir de Première pour Le jour du kiwi, une pièce malicieuse, Esprit es-tu là ?… cocasse et tendre de Laetitia Colombani, dans une superbe mise en scène de David Michels, avec Pierre Pigeolet, le Magnifique, ainsi que Dame Mathilde Bourguet, Jeremy Bruyninckx et l’exquise Christel Pedrinelli, au Théâtre Royal des Galeries jusqu’au 22 novembre 2026.

L’alarme au camp! Toute l’affaire se résume à la disparition d’un yaourt, qui déclenche une vraie tempête dans… un verre de vodka de derrière les fagots ! Pour Barnabé Leroux, soixante ans, veuf et expert-comptable extrêmement tatillon, c’est un mystère autant qu’un drame. Son yaourt au kiwi a disparu. Qui a osé ? Le voilà franchement persécuté. Maladie mentale, non ? L’affaire est grave, docteur ! On ne plaisante pas avec les provisions, les biscuits rangés dans les armoires à l’abri des souris et des rats, et encore moins avec les comptes ! Surtout quand on n’a pas d’amis !

Depuis la mort de sa femme, Barnabé vit seul et ne voit presque jamais son fils, qui essaie de vivre entre deux voyages. Zéro ami, le moins de contacts possible avec le monde extérieur… Effet Covid? Seule exception : sa visite hebdomadaire chez sa psychanalyste. Ravissante, dotée d’un corps de rêve, quand elle pratique le yoga ! Une existence réglée au millimètre, à l’abri des surprises et des autres. Notre homme est avare, procédurier, atrabilaire, misanthrope et misogyne, volontiers détestable.Psychorigide, sûrement. Il compte tout, rédige des centaines de lettres de réclamation tous azimuts et semble avoir fait de l’ordre une addiction mortifère. Jusqu’à cette très étrange disparition de yaourt dans son frigo qui fait subitement dérailler toute sa belle mécanique suisse.

Mais qui est le plus fou, dans cette histoire ? Le comptable paranoïaque, sa psy, la femme fantôme ? Ce yaourt au kiwi est le grain de sable qui le met au point mort, lui qui vit déjà une existence passablement grippée. Le voilà totalement désemparé. Pathétique.

Dans le coin gauche de la scène, le cabinet de la psychanalyste. Le reste est noir. La lumière change, le cabinet disparaît : nous voici chez Barnabé. Cuisine aux accents des années 1960, frigo américain, table et chaises en Formica ; à droite, le salon, ses deux fauteuils club, sa table basse et son âtre éteint. Au fond, à droite, la porte d’entrée qui donne sur la rue. Deux espaces, deux univers, et des tableaux qui se succèdent à un rythme serré : gauche, droite, gauche, droite ! Une mise en scène au cordeau. Et des musiques de nostalgie ou de thriller entre les coups ! Bravo, la bande musicale.

Comptables et compteurs… Peut-être détestez-vous aussi les chiffres et adorez-vous les contes. Tâchons donc de transformer cette histoire peu banale… en conte. Moral de préférence !

Pierre Pigeolet s’amuse visiblement à camper ce personnage complètement à l’ouest : il a tous ses tours dans son sac ! L’enquête du siècle est lancée, on appelle même les journalistes. La folie gagne du terrain, quitte à devenir contagieuse. Qui sera la prochaine victime ? Vous craignez les coucous mécaniques, vous ?

Et, permettez-moi une question : le problème, est-ce vraiment le yaourt ? Ou le veuvage, la solitude, l’incapacité de Barnabé à nouer des liens avec les autres ? Il n’a pas besoin qu’on l’enferme : il s’en est chargé tout seul. Son appartement est devenu une forteresse, ses habitudes, des barreaux, ses comptes, un véritable livre de greffier.

Mais… le fils inquiet est réapparu peu à peu dans le jeu. Il se met à regarder son père autrement, comme on se soucie des aînés, entre respect et esprit protecteur. Amour, peut-être. C’est le fils qui devient père ? Oui, au propre comme au figuré, figurez-vous !  Et c’est cette naissance qui rallume le feu ! Une complicité est née, après ouverture craquante du paquet de biscuits ?

En passant, Laetitia Colombani, autrice de La Tresse, se plaît à faire basculer les moindres routines dans l’absurde. En fait, la pièce puise son inspiration dans un fait divers japonais : une femme s’était installée à l’insu d’un homme dans son placard. Une histoire venue de l’Extrême-Orient, où l’on dort parfois dans des tiroirs ! De quoi planter une histoire drôle de présence invisible — ou non —, de solitude et de fenêtres à ouvrir enfin.

Et, sous-jacente sans doute, l’abominable vieillesse. Celle que l’on redoute, celle qui fait de nous des êtres à surveiller, à gérer, à protéger, parfois sans nous demander notre avis. Parfois, le regard des autres peut nous condamner à vieillir plus vite que nous ne le faisons réellement…

Alors, mieux vaut accepter de vieillir… pour ne faire ensuite que… rajeunir en aiguisant son esprit. Essayez donc ma formule !

Avec son rythme enlevé, ses situations loufoques et ses personnages qui finissent par nous toucher sous leurs carapaces, Le jour du kiwi offre bien davantage qu’une enquête sur un pot de yaourt. C’est une comédie sur la solitude, les liens familiaux et notre drôle de manière de nous protéger du monde, jusqu’à nous en couper.

Un kiwi peut-il donc sauver une vie ? La suite, sur scène !

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Pour vous en dire plus: https://www.rtbf.be/article/le-jour-du-kiwi-solitude-isolement-et-quiproquos-une-comedie-aux-multiples-niveaux-de-lecture-a-decouvrir-au-theatre-royal-des-galeries-

Avec: Mathilde Bourguet

Jeremy Bruyninckx

Christel Pedrinelli

Pierre Pigeolet

Mise en scène : David Michels

Assistante: Catherine Laury

Scénographie : Renata Gorka

Costumes : Sophie Malacord

Musique : Laurent Beumier

Lumières : Laurent Comiant

https://www.trg.be/le-jour-du-kiwi

Ils étaient au Centre Culturel d’Auderghem, le 22 octobre dernier. Qui ? Des Parisiens de Paris-Théâtre ? Daniel Hanssens et ses joyeux complices de la Comédie de Bruxelles ? Notre divine France Gall, incarnée avec ferveur et réalisme par Julie Compagnon et ses pétillants musiciens ? Les Pilgrims de Queen en vadrouille avec leur craquant Freddie Mercury ?  Non, ça, c’était… le lendemain !

Allez, un indice de taille : dans cette belle salle fraîchement rénovée, on a enlevé les planches du proscenium pour y installer tout un orchestre. Et, à l’heure dite, le rideau s’est lentement ouvert sur un paysage entre mystérieuse Écosse et Italie éternelle.

Encore un indice ? Une fontaine ! De blancs vestiges de murailles, un chemin de ronde, des pierres chargées de mystère, baignées de bleu Adriatique…

Ça y est ? Vous avez trouvé l’objet ? Le titre ? Le nom de la femme ? L’auteur ? Le compositeur ? La troupe belge géniale ?

Encore un petit effort ! En Suède, la fête de Lucia, le Luciatåg, marque traditionnellement le début des célébrations de Noël. Des processions de femmes et d’enfants vêtus de blanc, portant des bougies ou des couronnes de lumière, y célèbrent la sainte à la blonde chevelure.

La Lucia du jour fera le chemin inverse des illuminations. De la lumière vers les ténèbres…

C’est Lucia di Lammermoor, de Gaetano Donizetti !

Le Centre Culturel d’Auderghem accueillait ce soir-là un opéra. En bonne et due forme ! Une production de la Belgian Opera and Operetta Organisation, alias BOOO. Rien à voir, of course, avec l’onomatopée britannique que lancent les spectateurs déçus. Ici, au terme de la représentation, il n’y aura que des vivats !

Et pari gagné pour cette jeune compagnie belgo-belge ! Deux années de préparation, et Hadrien Baudot et Senne Martens, entourés de Damien Vliegen et d’Eline Vranken, proposent leur première grande production lyrique intégrale. Avec la noble ambition de donner aux jeunes chanteurs formés dans nos conservatoires la possibilité de faire leurs preuves, de rapprocher l’opéra des publics qui ne foulent pas nécessairement les marches dorées de nos grandes maisons lyriques.

Nullement une version miniature ! La compagnie revendique l’œuvre intégrale, ses solistes, son chœur et son orchestre d’une quarantaine de musiciens. Le tout, en tournée dans les centres culturels, pour aller à la rencontre de nouveaux publics et réjouir les anciens. En effet, quel meilleur moteur que la volonté de transmission ?

Dans cet esprit, on retrouve le merveilleux Damien Vliegen, que l’on applaudit d’ailleurs actuellement dans les brillantes Noces de Figaro au Whall. Vous avez vos tickets ?

Tout démarre avec un roman. Le plus gothique, le plus sombre, peut-être, de l’œuvre de Sir Walter Scott : La Fiancée de Lammermoor. Il paraît en 1819, la même année qu’Ivanhoé, pilier du roman historique.

Le romancier écossais y fait s’affronter deux familles, les Ashton et les Ravenswood, sur fond de rivalités politiques, de haine ancestrale et d’amour impossible. Le seul amour possible : celui, démesuré et mortifère, de l’argent et du pouvoir. Château en ruine, malédictions, sombres présages, charge shakespearienne des plus noires… Le dénouement, typiquement gothique, culmine dans la folie meurtrière de la jeune Lucy, la nuit de ses noces forcées, et s’achève dans le sang et la détresse.

En 1835, Gaetano Donizetti s’empare de cette matière tragique. Salvadore Cammarano en tire le livret d’un opéra qui entrera dans la grande histoire du bel canto. La création a lieu au Teatro di San Carlo de Naples, en septembre de la même année.

Aujourd’hui, près de deux siècles plus tard, la partition n’a rien perdu de son pouvoir de fascination. Et si l’on connaît surtout la fameuse scène de la folie, encore faut-il regarder le personnage de Lucia sous d’autres angles que celui d’une soprano promise à un feu d’artifice vocal. Il y a des profondeurs inattendues dans cette œuvre.

C’est précisément le parti pris de Senne Martens, metteur en scène et dramaturge. Plutôt que de réduire l’œuvre aux morceaux de bravoure vocale, il entend en exposer les sombres motivations, en explorer les nuances et ausculter la tragédie qui s’installe, lentement, inexorablement. Le grand Edgar Allan Poe serait ravi!

On vous rappelle le pitch. Lucia aime Edgardo. Edgardo aime Lucia. Tout irait bien dans le meilleur des mondes lyriques. Sauf que les deux amants appartiennent à des familles ennemies et que le frère de Lucia, Enrico Ashton, a d’autres projets pour sa sœur. Il lui faut sauver l’honneur et la fortune familiale : un mariage de convenance fera l’affaire. Ô l’odieux personnage ! Les sentiments de Lucia ? Accessoires. Sa liberté ? Une simple variable d’ajustement.

La jeune femme est déjà hors sol et trouve refuge dans un lieu chargé de souvenirs tragiques : une fontaine au milieu de la cour. The Mermaids Fountain, un nom prémonitoire ? Avant de partir combattre dans la lointaine Écosse, Edgardo échange avec elle des promesses nuptiales enflammées. Las ! La sombre manipulation du frère vénitien aura gain de cause. Lettres interceptées, correspondance falsifiée, mensonges savamment orchestrés : de quoi détruire tout le frais bonheur rêvé des amants. Il suffit de faire croire à sa sœur qu’Edgardo lui est infidèle. Lorsque le mari désigné, Arturo, entre en scène, le contrat de mariage est rondement signé. Bien sûr, Edgardo, effaré, surgit trop tard. Le célèbre sextuor de Donizetti cristallise alors le désastre : six voix, six consciences, des émotions contradictoires qui se heurtent dans une même architecture musicale infernale. Le théâtre atteint ici l’une de ses expressions les plus saisissantes. À chacun sa vérité ! Hello, Pirandello !

Puis vient la nuit de noces. Dans un accès de folie, Lucia va occire Arturo. Elle apparaît devant les invités, égarée dans un monde qui n’existe plus que pour elle, chantant son amour pour Edgardo comme si l’union promise avait enfin eu lieu. Sa raison vacille, son corps s’épuise, sa voix devient le dernier espace où elle puisse encore exister. Elle se meurt. Eduardo, désespéré, se jette dans la maléfique fontaine en se poignardant.

Rideau ? Oui, mais pas avant que Donizetti nous ait fait traverser toute la gamme des passions humaines.

La folie de Lucia est certes l’effondrement d’une conscience, mais aussi une tentative désespérée de libération. C’est ce que Senne Martens veut nous donner à voir.

À part la longue robe blanche intemporelle de Lucia, les costumes contemporains portés par les solistes sont ceux de la bien-pensance et du pouvoir. Les choristes, eux, se présentent de façon plus décontractée. Comme vous et moi ? Le costume d’Enrico, bleu roi… non, bleu US today, rehaussé d’un plastron blanc éclatant, est particulièrement parlant. La longue table rectangulaire où se discutent les intérêts familiaux vient régulièrement disloquer la fontaine. Du bois brut nappé d’un voile noir ? Dès le début, on y voit un catafalque !

Ainsi, le décor général raconte l’enfermement. Lucia est cernée par les siens, prisonnière d’un ordre social qui décide pour elle. Là où elle ne voit que ruines, Enrico rêve de grandeur perdue. Comment pourraient-ils se rencontrer ? Deux visions du monde qui s’affrontent, comme celles d’Antigone et de Créon chez Sophocle.

Éloge de la folie… Le rapprochement avec Ophélie, l’héroïne de Hamlet, s’impose. Toutes deux aiment, toutes deux subissent les injonctions de leur entourage, toutes deux perdent leurs repères lorsque les hommes qui gouvernent leur existence les abandonnent ou les écrasent. Et toutes deux trouvent dans la folie une manière paradoxale de reprendre possession de leur être et de leur voix.

Dans notre imaginaire surgit alors le merveilleux visage d’Ophélie, dans ce très célèbre tableau peint par John Everett Millais. Et pour cause : depuis le début de l’opéra, les fleurs parlent ! On les lance comme au cimetière, elles jonchent le sol, volent autour de la fontaine, se retrouvent sur l’autel de la chapelle, éclairée de magnifiques vitraux aux motifs floraux stylisés. Quels beaux éclairages !

Chez Shakespeare comme chez Donizetti, la nature épouse nos sentiments. Pur romantisme. Elle devient un espace de retrait, de vérité, face à une société qui laisse si peu de place aux sentiments et aux femmes.

Alors, la folie : langue de sagesse ultime et de résistance ? Protestation contre un monde sourd à la parole des femmes ? Lucia a bien tenté, à plusieurs reprises, de défendre son amour et de faire entendre ses choix. Mais les rapports de force ont ruiné ses efforts. De là à penser à Camille Claudel, il n’y a qu’un pas.

L’italo-écossais Dario Salvi, à la direction musicale, rappelle combien cette œuvre dépasse la simple succession d’airs célèbres. Il faut entendre ce que l’orchestre raconte avant même que Lucia ait prononcé un mot : une inquiétude sourde, une atmosphère de prémonition, l’annonce d’un désastre qui semble déjà inscrit dans la partition. L’orchestre modèle l’espace émotionnel, colore les sentiments, souligne les fissures sous les apparences. Une inflexion harmonique, un changement de tempo, une phrase qui s’étire ou se précipite, et une scène entière bascule.

Revenons sur ce fameux sextuor, prodige d’écriture et d’interprétation, où les personnages surchauffés chantent simultanément leurs émotions opposées, sans que la cohérence musicale ne se rompe. C’est fabuleux !

Et la scène de la folie, avec son fameux « Il dolce suono », est magistrale. Donizetti avait même prévu un harmonica de verre, dont les sonorités éthérées devaient illustrer l’univers mental de Lucia. Ici, c’est la flûte qui donne le vertige. C’est le moment où le bel canto révèle toute sa puissance dramatique. Si la ligne vocale épouse l’effroi, le chant est énergie vitale.

Ainsi, Emma Posman se montre redoutablement efficace dans ce rôle qui exige une maîtrise vocale exceptionnelle, des aigus vertigineux et une palette expressive capable de passer de la tendresse à l’égarement. Sa partition ne pardonne aucune approximation. À plusieurs reprises, le public ponctue sa belle performance de vivantes salves d’applaudissements.

Hadrien Baudot, en Edgardo, l’amant écartelé entre l’amour, la fidélité à sa parole et la fureur d’avoir été trahi, déploie une belle variété de registres. Jean-Denis Piette, dans le rôle d’Enrico, le frère dominateur dont les calculs précipitent la catastrophe, retrouve un peu d’humanité lorsqu’il prend enfin la mesure de son orgueil ravageur. Le voilà à l’église, muet, se tordant les mains. Trop tard, hélas ! Mais quel personnage impressionnant, tout de même!

Marcel Vanaud campe Raimondo, l’aumônier, personnage sensible partagé entre son désir de protéger Lucia et sa soumission aux conventions. Damien Vliegen, royal, débarque en époux imposé. Inez Carsauw donne vie à Alisa, l’impuissante confidente, tandis que Bertrand Lhote complète la distribution dans le rôle de Normanno, rouage essentiel des manipulations.

Bref, avec ces solistes de haut vol, un chœur, un orchestre et une équipe artistique soudée, l’aventure, on l’espère, ne fait que commencer !

La mise en scène dynamique de Senne Martens, la scénographie intelligente d’Emeline Manière, le Belgian Opera Choir préparé par Luc Laurent, ainsi que les décors et costumes de Trivial Muffins inscrivent cette aventure dans un projet créatif et novateur.

Avec BOOO, l’art lyrique part en campagne:  de chasse gardée, il devient expérience vivante et partage.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Nostalgie, nostalgie ! Aujourd’hui les hommages aux légendes de la musique fleurissent, le vent est bon et le public en redemande. Il faut dire que les concerts épiques de Candlelight savent y faire : un lieu de prestige, une pénombre dorée, des milliers de petites flammes et des airs que l’on croyait connaître par cœur. Voici Queen sous un tout autre éclairage !

Le rendez-vous est donné au Concert Noble, haut lieu des fêtes bruxelloises inauguré en 1873, sous le règne de Léopold II. L’architecte Henri Beyaert y a imaginé une succession de salons de plus en plus vastes et lumineux, jusqu’à l’apothéose de l’immense salle de bal. Un décor de grand siècle, d’inspiration Louis XVI, où les fastes de la vie mondaine semblent encore flotter dans l’air.

Sous les regards des gloires disparues, figées dans leurs cadres dorés, les bougies LED distillent une lumière douce, presque irréelle. Il ne manque que l’odeur…

Sur scène apparaît un quatuor à cordes : premier et second violon, alto et violoncelle. Quatre instruments pour faire revivre une légende de feu. …I Want to Ride My Bike… Dommage, c’est minuté : soixante minutes chrono, comme une leçon …d’aquabike ! Les grand-messes durent plus longtemps !

Freddie Mercury revient en mémoire. On pense à ce film flamboyant qui a retracé son parcours de manière bouleversante. Avec ses complices, il a fait vibrer des générations. À nous, leurs vocalises et leurs chœurs somptueux ! Ces chansons qui ont traversé les décennies, les frontières et les modes, sont devenues aujourd’hui les hymnes attachants d’une Belle Époque bis !

Privés de guitares électriques, de batterie et d’amplificateurs, les quatre musiciens donnent pourtant toute leur âme à ces chansons aux arrangements sacrément sophistiqués et complexes. Les archets du quatuor révèlent une sensibilité à fleur de musique. L’exercice est périlleux : retrouver l’énergie, les contrastes, les audaces, sans singer l’original. En saisir juste la substantifique moelle. Celle qui touche et fait vibrer nos propres cordes sensibles.

Au programme, quelques incontournables : Bohemian Rhapsody, Don’t Stop Me Now, We Will Rock You, We Are the Champions, Another One Bites the Dust, Somebody to Love, Under Pressure… et d’autres surprises qui ravivent la mémoire des fans et étonnent les autres. Les bourgeois, ça les étonne… les étonne…

Des bouquets de sonorités raffinées : C’est tantôt jazzy, tantôt franchement rock, parfois même baroque. Dans Killer Queen (Leur premier grand succès international, 1974), les cordes semblent s’amuser à brouiller les pistes : des accents qui évoquent une cinquième saison de Vivaldi, une élégance presque aristocratique, une vivacité qui pétille et pourtant, en filigrane, ce danger de la tueuse qui menace !

Puis, on ne sait comment, mais, subrepticement, la musique se fait andante et nous entraîne …au milieu de vignes, au soleil ? Keep on the Sunny Side? Bon conseil : on respire. On rêve. On oublie presque que l’on est venu écouter du Queen. Léger clin d’œil à Philippe Delerm et à son Trottoir au soleil…

Et soudain, l’adolescent qui sommeille en chacun de nous se réveille : I Want to Break Free ! L’envie de s’évader, de secouer les conventions, de briser les barreaux invisibles… Le quatuor fait monter la tension avant de se jeter dans un long point d’orgue. Silence. L’évasion ? Elle est musicale, bien sûr, mais aussi intérieure. Portes ouvertes, en quelques archets !

Depuis le début, les spectateurs, eux, se taisent. Ils semblent médusés, retenus par l’élégance et la complexité de cette profonde relecture instrumentale. Oui, une admiration presque recueillie flotte dans cette salle. On écoute, on frémit, on retient son souffle tandis que veillent les bougies.

Mais, foin de contemplation ! Voici que We Will Rock You vrombit, moteurs et phares allumés ! Avant même que l’on ait compris ce qui se passe, invitées par le maître de cérémonies, les mains se joignent à l’irrésistible pulsation.  Ce rythme est reconnaissable entre mille, et on brûle de chanter à tue-tête. Mais personne n’ose, dans ce cadre auguste ! Le quatuor tient son public sous le charme. Même les tubes de stade se sont mis en tenue de gala !

Déjà les rappels. Qui font encore monter le plaisir d’un cran. Radio Ga Ga joue avec ses échos, ses répétitions obsédantes, ses motifs ensorcelants. Une mécanique presque hypnotique colonise les oreilles et ne demande qu’à y rester.

Et puis, bien sûr, The Show Must Go On. Comment ne pas entendre, dans ce titre devenu testamentaire, un écho doux-amer à notre époque déboussolée ? Opiniâtre, une marche de type militaire s’impose, tandis que les violons se chargent de trémolos et de fragilité. Derrière la force, la vulnérabilité. Sweet and sour! La musique sait décidément conjuguer les contraires. Cela a du bon. Et le spectacle, lui, s’achève… Un goût de trop peu. End of the story.

Dans cette aventure, une mention particulière à Chiara Bryant, discrète deuxième violon d’origine italienne, dont la présence participe à l’équilibre de l’ensemble. Mais comment ne pas saluer également le merveilleux illusionniste de la soirée, son animateur et violoncelliste, François-Jean Yzambart ? Breton de naissance, musicien jusqu’au bout de l’archet, il conduit un instrument à son image : puissant, tendre, volontiers moqueur. Il sait le faire chanter, lui donner de l’esprit, du relief, de la chair. Car la musique est dans son sang ! … Parole de Normande !

La gentille organisatrice ayant annoncé que les applaudissements seraient à la mesure des bougies allumées, on n’a pas lésiné : le bonheur, ça se partage en force !

En effet, l’âme de Queen était bien là ! Les stades ont cédé la place à un palais, les décibels aux archets et le vacarme à la magie vécue intensément.

Puis, rendez-vous au bar. Un verre de Champ serait le bienvenu. C’est comme ça pour les journalistes invités aux grandes premières ! On ne crachera pas sur ce petit privilège de quelques bulles lumineuses…

C’est alors qu’on a causé avec l’âme du quatuor, le fameux François-Jean, un gars de mon pays, de l’ouest de notre France. Il avait chaussé ses lunettes roses. En anglais: Let’s see life through rose-coloured glasses, shall we?

Et le nom du quatuor? Krôma

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

L’I N S o U N D : et si les oiseaux nous apprenaient à vivre ?

Le Listening Orchestra lance une immersion sonore entre murmuration, partitions, poésie et chansons métamorphosées. Un parlement des oiseaux sur un tissu de cordes. À L’Execo, Genval.

Entrez dans le cercle ! Let bygones be bygones ! Les anciennes Papeteries de Genval, puis les magasins Caméléon dont certains gardent une nostalgie attendrie, ont changé de peau. Les voici devenues temple du sport. Mais ce jeudi 15 octobre, dans cette vaste bâtisse au nom sportif Execo, -live healthy, live more- le Listening Orchestra nous convie à une autre forme d’exercice : celui de l’écoute. Une gymnastique de l’âme, sans doute, et surtout une expérience musicale qui se vit dans une intensité toute nouvelle, celle de l’intériorisation.

Dix-neuf instrumentistes à cordes, deux chanteuses, une accordéoniste et un récitant. Aux commandes artistiques, Maritsa Ney, qui imagine depuis 2022 ces concerts immersifs baptisés L’I N S o U N D. Le principe ? Exit la frontière bien sage entre la scène et la salle ! On s’installe au cœur du cercle, sur une chaise ou un coussin, éventuellement emmitouflé de son plaid préféré. À défaut d’étoiles dans le ciel, par terre, courent des guirlandes de Noël. Faites gaffe quand vous marchez ! Les musiciens sont là, tout près, ici et là. Le son circule, enveloppe, respire. Le contact frontal s’est dilué. Le public est pris dans une toile de cordes musicales, et se trouve intimement mêlé à l’expérience commune. On a refusé du monde… plus une seule place de libre.

De place en place, les instruments s’accordent longuement. Les sons s’éveillent, s’évanouissent, se cherchent et s’échappent. Puis les violoncelles déploient leurs belles pulsations, et voici que s’élève Palladio, de Karl Jenkins, le compositeur du bouleversant The Armed Man. Une berceuse de l’âme ? Bien davantage : toute une architecture sonore vous prend par la main. Mais surtout, par les oreilles, c’est tout le charme. Dans cet espace inattendu, la musique semble venir vous frôler l’épiderme, vous chatouiller … le cou, l’épaule, et flotter à votre hauteur, en chaise ou coussins.

Le Listening Orchestra, en nous offrant ce concert de sublimes miettes de bonheur, défend toute une philosophie. Fondé en 2014, ce collectif revendique l’écoute consciente, l’intuition, la responsabilité partagée et l’intelligence collective. Elle qui relie. À l’image des nuées d’étourneaux, ses artistes avancent ensemble, sans renoncer à leur identité propre. Chacun veille sur le mouvement commun, chacun participe à l’équilibre de l’ensemble. Une utopie ? Non, une pratique artistique, patiemment construite, qui nous rappelle que l’harmonie trouve sa source dans le partage de l’énergie gourmande et chaleureuse de chacun.

Un texte parlé fuse et accompagne les premières envolées. Parfois, hélas, les mots se perdent : lorsque la musique se retire, les micros ont pris le relais avec un zèle sonore peu poétique. Il faut tendre l’oreille, attraper au vol quelques phrases. Qu’importe, il y a toujours, en basse-continue, la musique de la langue. Une formidable image s’impose : celle de ces étourneaux qui tournoient dans le ciel, de leurs figures mouvantes, de ce désordre apparent qui devient une chorégraphie. La murmuration est née. Hasard ? Organisation? Intelligence au sens propre du mot ? Le spectacle des oiseaux nous donne le vertige et nous invite à un abandon confiant au monde vivant.

La jeune chanteuse est entrée dans la danse. Elle raconte les gens heureux qui chantent, tandis que les mains battent sa poitrine en rythme, rythme qui rejoint nos cœurs. La musique écoutée et entendue se transmet de corps en corps, comme une pulsation vitale. Elle devient respiration commune très palpable. Le bonheur est dans … l’étable ? Heureuse promiscuité.

Avec On the Nature of Daylight, de Max Richter, le vol du temps se fixe. Le texte du rêveur vient enlacer la musique. Du fond de son canapé, il regarde les oiseaux et découvre dans leurs ondulations célestes, une leçon de vie. Il suffirait donc de regarder, de sortir, de bouger, de se laisser instruire par le vivant ? C’est le refrain incessant que chante cette soirée étrange. La chanteuse insiste : « Et je danse. » Danser, chacun à sa manière, pour rejoindre le monde, bouger au diapason de ce qui nous entoure. Il y a là une poésie, certes, appuyée, mais une intention limpide : nous réconcilier avec notre place dans le grand mouvement du monde.

Changement de décor avec Introducción al ángel, d’Astor Piazzolla. L’accordéon de Pauline Oreins prend des airs de bandonéon, l’instrument devenu presque être vivant tant elle le caresse. Le rythme s’accélère, les violoncelles creusent leurs profondeurs, les cordes vibrent jusqu’aux hauteurs de cette étrange gare, de cet atelier désaffecté où nous avons pris place. Le lieu lui-même est entré dans la partition, le transformant en immense caisse de résonance.

Puis Danzón No. 2 de Arturo Márquez, entre le Rouge et le Noir, les rythmes latino-américains bien chaloupés, les dialogues des violons et les accents de la feria. Ce qui compte, c’est cette énergie qui circule et se transforme, cette manière de faire converser les timbres dans la joie ondulante.

Et soudain, La Corrida ! Francis Cabrel, notre troubadour des émotions, se glisse dans le cercle. Les cordes reprennent les syncopes, dessinent des appels, jouent même le Parlement des oiseaux. Un très vieux concept. La chanson familière s’est éloignée de son lit d’origine, métamorphosée, en murmure. Reconnaît-on encore la mélodie ? Oui, mais autrement. Et c’est bien là tout le plaisir : entendre ce que l’on croyait connaître sous un jour neuf. …Alors qu’une certaine nuit semble vouloir obscurcir le monde.

Un détour par une adaptation d’Henry Purcell, avec le poignant When I Am Laid in Earth, extrait de Didon et Énée. L’accordéon semble respirer avec la voix. Les yeux fermés, la chanteuse se laisse emporter dans une sorte de transe. Les pizzicati graves et puissants des violoncelles s’entrelacent en un duo impressionnant ; les violons les rejoignent, la tension monte, une marée d’harmonie gagne peu à peu le cercle. Plus qu’une valse hésitante, c’est une marche vers l’apothéose. On songe à ce titre de roman anglais, Where Angels Fear to Tread : là où les anges craignent de s’aventurer. No Fear !

Avec Shore, de Fredrik Sjölin, associé à l’univers du Danish String Quartet, le texte reprend son vol, s’enroule autour de la musique comme un ruban. Il nous conjure de sortir, de bouger, d’animer le monde. Le poète belge Pierre Coran vient à la rescousse : « Je me croyais désert et j’étais habité. » Quelle jolie façon de dire que la solitude fait partie de la création. Une autre formule élargit encore l’horizon : « Je croyais être la branche, je suis la canopée. » Du singulier au pluriel, de l’individu au vivant, tout concourt à célébrer le rassemblement. Ne serait-ce pas là, la pulsion de paix qui parle ?

Les oiseaux, justement, ces êtres libres, n’ont-ils pas inventé la musique ? Avant nos partitions savantes, il y eut le vent, l’eau, les chants de la nature. Et voici que les humains, à leur tour, qui tentent de retrouver cette merveilleuse source commune.

Place à Shine You No More. Les rythmes s’emballent, une énergie presque irlandaise traverse les cordes. On croit reconnaître une chanson pop, un air de fête, quelque chose qui donne envie de battre la mesure. La chanteuse s’empare des mots anglais, la mélopée se déploie, et peu à peu la mémoire reconnaît Freed from Desire, le tube de Gala ! Mais rien n’est fixé. La chanson populaire s’est glissée dans le grand bain des cordes, dépouillée, réinventée, prête à rejoindre le vivant melting-pot sonore.

Artistes et spectateurs, nous voici réunis dans ce même cercle. Tel celui des anciens, autour d’un feu sacré. Pas question de consommer passivement la musique, comme un produit posé devant nous. Il s’agit de la partager, de nous accorder les uns aux autres, de sentir que l’écoute est une forme de présence. La proposition est généreuse, singulière, et il y a cette expérience rare qui fait éprouver en chair et en os ce que signifie être ensemble.

Vient enfin le moment de présenter les musiciens, un à un. Les applaudissements fleurissent. Chacun reçoit sa part de lumière, après avoir contribué à cette si belle aventure totalement inédite. Reconnaissance.

Un premier bis nous entraîne sur des terres jazzy, dans une pièce dont le titre s’est envolé. Toujours les oiseaux…Bien sûr, pas ceux d’Hitchcock ! Damn it !

Puis arrive le second : La Marelle, de Julius Caesar Perua Conde. Et soudain, nous revoilà enfants. Une petite fille a lancé une pierre, a visé une case, n’a pas perdu pied. « Tu es là pour t’amuser. » Bien sûr ! Pourquoi faudrait-il toujours compliquer les choses ? Et pile, Le Paradis.

En quittant le cercle, on emporte une envie de regarder le ciel, de prêter l’oreille aux autres, de sortir de ce canapé, de renouer avec le vivant. Vrai de vrai, le Listening Orchestra nous aura offert une drôle de gymnastique qui muscle non seulement les oreilles, mais fait surtout vibrer nos cordes les plus sensibles.

Merci à la Balade Musicale de Rixensart pour cette programmation si inventive. Elle nous a ouvert une boîte à musiques plurielles d’un genre très particulier. Et si, pour une fois, nous jetions au fond d’un puits, toutes les boîtes de Pandore et laissions voler la Colombe ?

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

PLus d’infos:

https://www.listeningcollectif.com/about-1

https://www.youtube.com/@listeningorchestra

Chronique. Lors du Festival Musical de Lasne, Marc Grauwels célébrait, le 11 octobre dernier, ses cinquante ans de carrière, entouré de complices de cœur et de musique. Une soirée où la virtuosité s’est faite sourire, où les notes brodent de précieux liens et où l’on oublie, le temps d’un concert, tous les fracas du siècle.

Quelle belle église que celle de Plancenoit ! Sous ses voûtes, en ce dimanche 11 octobre, le Festival Musical de Lasne nous conviait à une fête de l’amitié. Noir sur blanc, l’affiche en disait long : À deux voix, une vie. Les doubles concertos de l’Amitié.

Pour son grand anniversaire artistique et pédagogique, Marc Grauwels, notre flûtiste belge, vêtu de blanc, des pieds à la tête, va partager avec nous son inépuisable appétit musical.

Pour cette célébration, l’artiste a réuni deux complices de longue date : Ronald Van Spaendonck, clarinettiste au souffle aussi virtuose qu’inspiré, et Jean-Frédéric Molard, violoniste et directeur musical de l’Orchestre Royal de Chambre de Wallonie. Douze archets, trois personnalités, des années de connivence : il n’en faut pas davantage pour que la musique prenne ses quartiers dans nos cœurs.

Dès la Symphonie en si mineur n° 10 de Felix Mendelssohn, l’humour et la connivence sont au rendez-vous. Des accents qui semblent se négocier à coups de sourcils, des regards qui pétillent : les musiciens ont décidément le sens de la conversation ! Mais derrière la malice, quels élans, quelle joie ! Une figure presque divine semble ressurgir en filigrane à travers la mémoire des siècles. Picasso, es-tu là? Difficile de ne pas songer au dieu Pan, ce faune des bois et des prés dont la flûte enchantait les nymphes et les dieux.

Les millénaires de l’histoire de la musique frémissent, l’orchestre prend de l’allure, les cordes se répondent et l’orchestre déploie dans la nef une ampleur qui ferait honneur à une grande salle philharmonique. On embarque : pour Cythère ou pour la Musique ! Pour les deux, sans doute.

Vient un mouvement plus grave, hors du temps. Le mariage des cordes et des flûtes distille une sérénité soudaine. La flûte chante, s’élève, presque irréelle, tandis que l’orchestre l’enveloppe de sa matière sonore. Marc Grauwels, lui, n’a rien perdu de son esprit frappant et malicieux. Un regard, une inflexion, un sourcil qui s’anime : quelle que soit la nature du rêve, les fronts se détendent, les sourires montent aux lèvres. La musique coule comme un élixir. L’artiste a la main sur le cœur. Le lieu, le regard de la Vierge sur le bas-côté, les musiciens et les sons nous arrachent aux temps présents.

Avec la Symphonie concertante en sol majeur de Domenico Cimarosa, pour flûte, violon et cordes, nous voici transportés dans un jardin d’été. Rêve d’après-midi, désir de valse ou délicieuse tentation de sieste au soleil : l’esprit musarde, léger, libre. La flûte et le violon se cherchent, se répondent, se frôlent, tandis que les cordes entretiennent cette conversation galante. La musique ne réclame rien, sinon le plaisir de s’y abandonner.

Les Deux Interludes de Jacques Ibert nous invitent ensuite à d’autres rêveries. Reflets aquatiques, nymphéas imaginaires aux racines profondes, déployés dans le ciel : on se laisse glisser dans cette eau musicale où les couleurs se mêlent et où les impressions affleurent. Une musique qui vous tire de toute velléité de routine et vous laisse, au dernier accord, le goût d’un fruit mûr.

Voici l’entracte. Mais la fête, elle, ne fait que commencer.

Car Marc Grauwels a manifestement trouvé son alter ego en Ronald Van Spaendonck. Avec ces deux-là, la complicité est ancienne, même si elle ne se raconte pas. Elle s’entend, elle se voit, elle pétille. Dans l’Andante e Variazioni annoncé au programme, flûte et clarinette entament un jeu de séduction auquel les cordes prêtent leurs légers pas de velours. Marc répond à Ronald avec feu. La musique s’éveille dans l’herbe tendre. L’occasion… d’imaginer les deux compères y gambader pieds nus, tant leur liberté de jeu respire la joie.

L’amitié coule en notes rutilantes. À chacun, son tour de virtuosité ! La clarinette n’est certes pas en reste, et Marc Grauwels semble piétiner d’impatience avant de reprendre la parole. Les deux solistes se rejoignent, se défient, se relancent. La Boétie aurait peut-être reconnu ici quelque chose de son amitié élective : celle qui unit les êtres sans autre raison que le bonheur d’être ensemble. Quelle écoute, quelle entente ! La virtuosité ne cherche pas à surpasser l’autre. Non, elle lui tend la main.

Et voici que la Fantaisie sur l’opéra Rigoletto de Franz et Karl Doppler ouvre les vannes de la fantaisie. Nous avons oublié la morosité de notre siècle, ses bruits, ses fureurs. Les deux complices sont transfigurés par le bonheur de jouer ensemble, prêts à s’emparer des variations autour du célébrissime La donna è mobile pour mieux nous entraîner dans leurs heureuses facéties.

Le public écoute avec une concentration presque solennelle. Pourtant, ces variations semblent conçues pour nous faire éclater de rire ! La virtuosité est au rendez-vous, bien sûr, mais elle se double d’un art consommé de la comédie. Et soudain, l’air tant attendu s’élève, libre comme un oiseau. La chanson du merle moqueur ? Dites-moi, Carmen, de qui se moque-t-on ? Quels comédiens ! Et le public savoure.

Le sérieux de Verdi reprend ensuite ses droits, mais pas pour longtemps. L’ironie papillonne tous azimuts, les notes s’envolent, les instruments se lancent des clins d’œil. On dirait deux coqs complices, fiers de leur plumage, faisant bruisser leurs ailes dans une basse-cour de luxe. Derrière la démonstration technique, une jubilation contagieuse. La musique s’amuse, et nous jouons pleinement le jeu.

D’ailleurs, le public, épris, en redemande. Premier bis : une valse de « Chosta » (kovitch!) , revisitée dans un esprit Belle Époque, ludique, légère, farceuse. Les robes semblent prêtes à froufrouter, les pas à tournoyer, les sourires à s’élargir. Une valse coquine, un rien canaille, qui prolonge la fête avec un charme irrésistible.

Second bis : changement de climat. Dans cet arrangement mozartien, la flûte semble emprunter aux enchantements de la Reine de la Nuit. Point de vocalises vertigineuses, mais un chant instrumental, lent, lumineux, d’une douceur immense. La virtuosité a perdu son attrait et laisse place, tantôt à la passion, tantôt à la retenue, à des émotions sans éclat, mais qui vont droit au cœur.

Cette ultime salutation fait merveille. Elle s’achève sur un silence palpable que le public pourra emporter comme un précieux secret. Une fraction de seconde d’hésitation, puis les applaudissements éclatent. Comment remercier autrement ceux qui viennent de nous offrir tant de bonheur ?

Cinquante ans de carrière, et toujours cette même générosité. Pour Marc Grauwels et ses amis, un concert n’est pas une simple succession d’œuvres, de prouesses et de beaux accords. C’est d’abord une rencontre, des vibrations, une écoute. Le partage. Et ici, lorsque l’amitié se met à jouer, apparaît une petite éternité, volée à la violence du monde.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Au Théâtre des Galeries, cinq paumés magnifiques cherchent la clé du bonheur. Une comédie qui pique, qui griffe, en blessant parfois.

La foule sentimentale attend. Le cœur battant. En cause, le titre : C’est pas facile d’être heureux quand on va mal. Le Molière de la meilleure comédie est amplement mérité pour cette petite bombe piquante-amère, voire carrément acide. Piquante comme les hérissons : on les aime pourtant, pour leur frimousse gourmande, pour la biodiversité et pour leur utilité dans nos jardins.

L’histoire parisienne imaginée par Rudy Milstein se voit transposée à Bruxelles. La preuve ? Le guichet de Bozar, le métro, une librairie, des apparts sans meubles, un cabaret plutôt glauque, un cabinet de psy version Sigmund… Le décor est planté, ou plutôt démultiplié ! Car cette mosaïque de lieux où s’égarent les cinq personnages désenchantés donne le tournis. À peine a-t-on pris ses marques que l’on change d’adresse, de duo, de préoccupation, de catastrophe intime. Du rythme, de la mécanique… infernale ! Les scènes s’enchaînent à toute allure, dans un ballet de rencontres, de ruptures et de répliques qui ne laissent guère le temps de reprendre son souffle.

Le spectateur s’installe à peine que les personnages s’activent déjà, invitant le public à participer à un karaoké. Maxime mène le jeu. Sommes-nous dans un rêve ou dans le sas d’entrée d’une descente aux enfers ? La salle a gardé ses lumières et chante. Une mère photographie sa fille de quinze ans, micro en main, sur scène. On se croirait presque dans l’un de ces spectacles immersifs où paillettes lumineuses et musique viennent combler un public en mal de poésie.

Cette mise en bouche est une friandise. Un véritable produit d’appel avant les jets de vitriol qui vont suivre. Car sous les miroitements, la sauce contemporaine va vous brûler le gosier !

Nous voici chez Nora et Jonathan, son mari psy. Le couple est au bord de la rupture, malgré les rendez-vous hebdomadaires du mercredi, divan-lit conjugal au programme. Et soudain, Nora hurle une dizaine de fois : « J’te kiffe ! » Mais non, nous avons bien entendu : « J’te quitte ! » Toute la nuance est là. Dans cette crise qui n’a plus rien de feutré, elle choisit le départ, séance tenante. Des années de vie commune passent à la trappe, sans préavis ni service après-vente.

Juste avant, une citation de la pièce itinérante de l’été belge, Un monde idéal, a fait irruption : « Si tu pouvais changer le monde, le ferais-tu ? » On parle d’Hitler. On a omis Pasteur et son vaccin ! Habile façon de planter le décor philosophique… et de choisir ses figures historiques.

Derrière les invectives épicées, les dérapages et les petites lâchetés, une question se profile : que faisons-nous de nos vies ? Et de notre désir de bonheur ? Le texte du peuple élu ne répond pas.

Pas de portes qui claquent ici. Nos cinq personnages ressemblent à de grands brûlés de l’existence, chacun traînant sa marmite cabossée, son manque, son rêve évanoui. Les scènes sautent d’un lieu à l’autre, dans un rythme de sauve-qui-peut. Tout le monde court après quelque chose : l’amour, la reconnaissance, la réussite, un peu de paix, une raison de se lever le matin. Le mal dont on tait le nom, sauf sur scène, rend mal à l’aise.

Puis, arrêt sur porte. Le clou du spectacle ! Une porte, une clé oubliée, et l’audace de renouer avec le paradis perdu. Les mots magiques libéreront-ils de la souricière infernale ? Faut-il chercher la sortie chez Alice au pays des merveilles ? Vous en jugerez. Tout est peut-être une question de clé. Celle de l’autre, ou celle que nous avons égarée en chemin ?

Et comme ils s’agitent, ces cinq formidables paumés ! Ils en bavent, frénétiquement, et la salle est secouée de rire. La révolte tient parfois dans un verre d’eau. Les grands discours se dégonflent, les certitudes prennent l’eau, les egos s’entrechoquent. On rit, mais on serre aussi les dents. On se dit qu’à force de tourner en rond, ils finiront bien par respirer. Et l’on suit, le cœur serré, ces comédiens iconoclastes qui font de nos misères épinglées un feu d’artifice théâtral.

Rudy Milstein possède un permis de rire presque universel. L’autodérision est son carburant, l’humour noir son terrain de jeu, la férocité son instrument de précision. Rien ou presque n’échappe à sa chirurgie : la médiocrité et la routine de la vie à deux, la tentation séparatiste, l’annonce de la maladie grave, les galipettes sentimentales des amours gays, le parfait pervers narcissique en action, les rêves professionnels qui se dégonflent, le psy incompétent… le syndrome des mères. Pire, les collabos de 1940 et la Shoah. Le spectateur rit, souvent avec ce petit temps de retard qui trahit la gêne avant le rire.

Peut-on rire de tout ? La pièce s’y risque, sans demander la permission. Le rire n’efface ni la gravité ni la cruauté du monde. Mais qui déshabille qui ? L’humour met-il les travers à nu, ou déshabille-t-il aussi nos peurs, nos indignations, nos certitudes ?

Heureusement, la musique résiste ! Elle fend le champ de bataille et nous restitue les couleurs de la vie. Elle rassemble ce que les mots séparent, ouvre une fenêtre là où les personnages s’enferment. Dans cette course effrénée au bonheur, elle rassure. Quelque velours dans le vacarme. Merci, Laurent Beumier.

La mise en scène de Sandra Raco épouse cette agitation permanente. La scénographie, pensée comme un mouvement continu, permet aux lieux de se succéder sans casser l’élan. Les lumières de Sébastien Mercial accompagnent les changements d’atmosphère de cette partition trépidante où les existences éparpillées dansent leur ballet de névroses. Les personnages ne sont jamais tout à fait des caricatures, même quand ils frôlent le ridicule.

Spectaculaire, donc, ce spectacle qui dérange, qui pique, qui bouscule ! Une comédie qui nous renvoie à nos propres contradictions, à nos petites lâchetés, à nos attentes démesurées. Foin de la métaphysique des corps et des esprits ! Et si nous commencions par faire une pause, reprendre notre souffle, poser sur nous-mêmes et sur les autres un regard moins sévère ? Prouve que tu existes…

La distribution joue haut et sans filet : Jean-François Breuer, Séverine De Witte, Laure Godisiabois, Quentin Minon et Stéphane Pirard. Cinq interprètes éblouissants, au diapason de ce texte baroque qui exige vitesse, précision, abandon et une sacrée dose de culot. Résolument, ils font feu de tout bois !

Parfois, il suffit de rire ensemble en cherchant la sortie.

Heu-reux. En deux syllabes.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

https://www.trg.be/c-est-pas-facile-d-etre-heureux-quand-on-va-mal

Le Journal d’une femme de chambre

Certains « pestacles » sont là pour nous divertir, d’autres pour nous édifier ou nous instruire. D’autres encore, pour nous raconter des aventures ou nous ravir l’oreille avec cette langue fleurie qui nous est si chère. Quand, sans prévenir, nous saisit un coup de tonnerre qui va nous laisser avec une question aveuglante que l’on aurait préféré ne jamais se poser.

Mais dans le filigrane de cette œuvre d’Octave Mirbeau, telle que transmise par Danielle Fire, apparaît, à plusieurs reprises, une question dérangeante : pourquoi le criminel peut-il fasciner ? On n’imaginait même pas que criminel il y aurait !

Cette question va poursuivre le spectateur depuis que Stéphanie Moriau, seule en scène à la Comédie Claude Volter, a fait entrer Célestine dans nos consciences.

Car ce Journal d’une femme de chambre, finement transposé pour la scène par Danielle Fire, est le récit très réaliste d’une domestique confrontée aux turpitudes de ses maîtres. Mais c’est aussi une plongée vertigineuse dans les zones les plus fétides de l’humain : la domination, l’asservissement, l’humiliation et cette attirance trouble qui peut parfois se nouer autour même de celui qui fait peur.

Octave Mirbeau publie son roman en 1900. La Belle Époque. Un siècle et quelque plus tard, il nous revient avec une violence qui n’a rien perdu de sa férocité.

De Paris à la Normandie profonde, Célestine entre dans les maisons bourgeoises comme on entre dans les coulisses d’un théâtre : elle voit tout ce que les maîtres cachent entre eux et au monde. Derrière les bonnes manières, les dentelles et les façades respectables grouillent les appétits, les frustrations, les perversions, les petits arrangements avec la morale et les grandes lâchetés. L’avarice crasse et le pouvoir sordide de l’argent. La faune bourgeoise se repaît de ses vices. Les petits, les moins que rien, dont on efface même les noms, trinquent. On retrouve la veine de Zola. On attend l’écho accusateur de la-une-mythique de L’Aurore !

Pendant ce temps, Célestine sert. Et elle observe. Et elle encaisse. Plume en main, pour occuper son esprit, et fine mouche luttant contre l’asservissement, elle confie ses pensées intimes à son journal. La mise en scène est d’une légèreté virevoltante. La salle est comblée.

Mais, au fur et à mesure, émerge une drôle de vérité, comme une drôle de guerre. Quelque chose de très dérangeant apparaît. Ce rapport étrange entre le maître et l’esclave ne se réduit pas à une simple opposition entre dominant et victime. La domination finit par contaminer jusqu’au regard de celle qui la subit. Le pouvoir devient fascination. Le dégoût côtoie le désir. La peur n’exclut plus l’attirance.

Et c’est là que Mirbeau nous prend à la gorge.

On croyait que les choses seraient lisses et simples. Les possédants d’un côté, les serviteurs de l’autre. Mais Célestine identifie un monstre et se trouve… prise dans son orbite. Victime, certes. Mais victime fascinée par celui qui exerce sur elle son pouvoir. Et c’est précisément cette ambiguïté qui nous bouleverse.

Impossible alors de ne pas penser à certaines fascinations criminelles qui ont profondément marqué notre époque. À ces figures dont le visage, la voix, parfois même un détail physique, finissent par s’imprimer dans la mémoire collective. Et, parallèlement, à cette étrange fascination médiatique qui transforme parfois le criminel en personnage, presque en vedette.

Qu’est-ce qui peut bien aimanter le regard vers le criminel, y compris celui de ceux qui savent ce qu’il est ?

D’où vient à nous cette question insidieuse qui  nous préoccupe à plusieurs reprises lors de la représentation ? Est-ce le jeu impeccable de Stéphanie Moriau qui a lâché les monstres ? Comment est-elle parvenue à faire exister cette zone obscure ? Mais quelle comédienne !

On la connaît en soubrette intelligente et tellement démonstrative. Ici, miracle : elle est entrée dans une vérité humaine effrayante. Comme si un serpent habitait un panier de fleurs innocentes.

Elle ne force pas et laisse les mots déployer leur vérité dans son carnet intime. Ils naissent de l’urgence d’une confession. Les silences s’installent, les personnages surgissent, donnent le change, font rire et disparaissent. Les effets s’accumulent mais n’oblitèrent jamais la profonde intériorité de la jeune servante.

Elle est Célestine, bien sûr. Mais elle est tout autant maîtresse d’un jeu éblouissant qui met en scène tous ceux qu’elle rencontre, égratigne et observe et dont elle rapporte finement les gestes et les paroles. Une seule comédienne pour une galerie humaine entière. À nous d’apprécier cette formidable Comédie humaine en action.

C’est brillant côté face, et tellement troublant côté pile.

La création théâtrale de Danielle Fire, impeccable, consacre la langue et sa verdeur, sa cruauté, son insolence. Octave Mirbeau n’est pas confiné dans une bibliothèque. Il en est sorti, toutes griffes dehors. Il provoque le rire, surfe sur l’ironie acide et déstabilise à coup sûr. Sous la satire sociale se glisse la noire notion que la respectabilité fait souvent le lit de la barbarie.

Célestine est bien placée pour regarder le monde des maîtres. Mais là où elle est, elle siège en maîtresse du regard.

Or, qui appartient réellement à qui ?

Le maître possède le corps, le salaire, la maison, le pouvoir. Et pourtant la servante possède quelque chose de plus dangereux encore : le regard. Acéré. D’une lucidité impitoyable.

Mais nous, spectateurs, devenons à notre tour des voyeurs. Nous entrons dans les chambres, nous écoutons derrière les portes, nous voulons savoir. Le théâtre devient alors une étrange machine à regarder l’humain lorsqu’il croit ne pas être regardé.

Voilà où se situe le vertige de ce Journal d’une femme de chambre. Tous ces coups de miroirs !

La vraie question n’est sans doute pas : quels sont les monstres ? Mais aussi : qu’est-ce qui nous attire vers eux ? Quelles alouettes nous faisons !

Le jeu primesautier de Stéphanie Moriau, parfois d’une sobriété glaçante, fait plus de ravages que tous les effets théâtraux des comédies de boulevard. Et nous laisse une empreinte marquante de cette œuvre d’Octave Mirbeau.

Magistral, ce spectacle, où Célestine nous fait rencontrer une femme à la fois forte et faible, avec derrière elle un monstre inouï que nous aurions préféré ne jamais côtoyer.

Et ce titre fameux de journal, soudain, envahit l’espace.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Mise en scène : Danielle Fire
Avec : Stéphanie Moriau
Création lumière : Bruno Smit

Du 30 septembre au 18 octobre 2026

Spectacles du mardi au samedi à 20h15 – les dimanches à 16h00 

Le Journal d’une femme de chambre D’Octave Mirbeau

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Par le BNO à Bozar : Et si la musique balayait le vacarme ?

Le 24 septembre dernier, le Belgian National Orchestra investissait la Salle Henry Le Bœuf de Bozar pour un format « Symphonic Date ». Si la tentative de médiation moderne a pu impatienter certains spectateurs, la performance musicale, elle, a atteint les sommets de l’absolu.

En programmant sa formule « Symphonic Date », le Belgian National Orchestra affiche certes une louable ambition : désacraliser le grand répertoire en une heure chrono, pour attirer un nouveau public. Voire le fidéliser. Le choix de l’horaire, 19 h, a d’ailleurs un petit effet tentateur.

Malheureusement, ce soir-là, le préambule se transforme en épreuve agaçante. Microphonée dans une acoustique taillée pour les instruments plutôt que pour les micros, la longue introduction se déploie, au point de faire surgir une question presque incongrue : y aura-t-il seulement un concert ? Qu’attendent les concertistes ?

Tout cela, uniquement en anglais, ce qui n’est en principe pas le choix traditionnel de Bozar. Cherchant le bon mot, la connivence à tout prix et multipliant les images chocs, ce talk-show improvisé s’avère aussi tapageur que fatigant. Trop long, peu audible, il paralyse l’attention, osons le dire ! Dans la salle, une seule injonction silencieuse semble monter des travées : Let the music play !»

Heureusement, le protocole intempestif s’efface enfin pour laisser place à l’immense orchestre que l’on brûle d’écouter.

À la baguette, le jeune chef coréen Hankyeol Yoon déploie une agilité peu commune. Sa gestique impressionnante insuffle une énergie démultipliée qui contamine tous les pupitres. Une trainée de poudre magique. Une « infection » salvatrice, au sens le plus noble de la langue de Shakespeare. Elle balaie d’un coup de vent frais les scories de l’introduction forcée et installe un véritable festival de couleurs.

De souvenirs, aussi. J’étais sur l’île enchantée de Guernsey, en 1966. J’avais seize ans. Prononcez mon âge à la française et vous comprendrez mon émotion.

Dès les premières mesures de Shéhérazade, le ton est donné. La violoniste solo et Concertmeister Misako Akama s’empare de la partition avec des interventions d’une beauté plastique renversante. Véritable bras droit du chef sur scène, elle traduit l’électricité du maestro en impulsions physiques pour l’ensemble des cordes. Sous son archet, le violon solo devient la voix même de Shéhérazade : une voix de nacre et de soie, hypnotique, qui dialogue immédiatement avec le basson déchirant de mélancolie de Gordon Fantini.

Puis ce sont les trémolos poétiques de la flûte qui s’élèvent, délicatement portés par un tapis de pulsations mystérieuses tissé par les cordes. La précision des instrumentistes est absolue : cuivres rutilants, vents lumineux, percussions fantastiques… Chaque pupitre devient une touche de peinture sur une immense toile d’Orient.

Quand la harpe de la vertigineuse Annie Lavoisier épouse le violon, l’auditeur est submergé par un déluge de bonheur et de tendresse, prolongé par un dialogue d’une intense délicatesse entre Misako Akama et Gordon Fantini.

Le deuxième mouvement s’ouvre comme un écrin de secrets : rêverie et envolées célestes. Les violons y déploient une élégance rare, une douceur qui s’apparente à une confidence venue du plus profond de l’âme. Soudain, la gamme de la flûte fuse : une envolée d’oiseaux libres s’échappant de la cage dorée du sultan. Le hautbois répond par son thème dansant, un motif rythmique qui sautille avec malice.

Mais c’est le thème de la princesse qui vous emmène à tire-d’aile vers l’infini. Plus léger encore, profondément aérien, il semble flotter, perdu dans l’absolu. Rimsky-Korsakov dessine ici un monde dépouillé de toute haine, de toute prédation et de toute malédiction ; un horizon de lumière et de pureté.

L’envol des gammes fuse à nouveau dans l’espace de Bozar, avant que la plainte du basson ne vienne mourir, apaisée, au cœur de l’harmonie générale.

Le troisième mouvement bascule dans un relief cinématographique, passionnel et parfois mutin. Véritable volcan de puissance et d’énergie, Hankyeol Yoon se démène sur son podium, agissant en démiurge des déferlantes orchestrales. L’ensemble se gonfle, composant une apothéose de feu qui finit par se figer dans un sublime ralenti.

À cet instant, l’émotion est si dense que les larmes coulent dans un océan de bonheur partagé.

Le calme revient sous le geste apaisé du chef. C’est l’avènement de la paix.

La violoniste et la harpe reviennent alors au début du début, dans un climat encore plus féerique, dépouillé et suspendu. Magnifique offrande finale : par deux fois, le basson, la harpe et la violoniste unissent leurs voix pour signer un accord parfait, ultime respiration d’une soirée mémorable.

Au moment des saluts, le maestro coréen remercie chaleureusement ses solistes principaux, réservant une mention et des félicitations particulièrement appuyées et vibrantes au pupitre des violoncelles, mené par le soliste Dmitry Silvian, saluant la profondeur et le lyrisme exceptionnels de leurs attaques tout au long de la soirée.

Chaque pupitre est à son tour ovationné par un public aux anges.

La musique a gagné.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

https://www.nationalorchestra.be/en/orchestra/our-musicians-and-conductors/musicians-bno


https://www.bozar.be/fr/programme/belgian-national-orchestra-yoon

Festival Mozart 12-19 septembre 2026

À Argenteuil, en guise de clôture du Festival Mozart, les organisateurs nous ont servi un pot-pourri de musiques enivrantes.

Mozart, first and for all !

Le Trio K. 564, tout dernier trio avec piano de Mozart, ouvre la soirée dans une lumière intime, élégante et d’une fraîcheur presque juvénile. Nicolas Dupont au violon, Justus Grimm au violoncelle et Bertrand Giraud au piano font entendre des dialogues subtils, partagent les sourires, les respirations. Mozart y semble à la fois proche et insaisissable : la musique coule, légère et sérieuse, jamais anodine.

Puis Haydn prend le relais avec le Trio Hob. XV:17. Changement de parfums, changement de textures : la flûte de Vincent Lucas et le basson de Mavroudes Troullos se mêlent au clavier du pétillant Muhiddin Dürrüoğlu dans une palette sonore particulièrement chaleureuse. Les timbres se répondent, se colorent, se taquinent presque. La musique de chambre porte décidément bien son nom : on y entre comme dans une pièce où plusieurs amis auraient déjà commencé à converser.

Et voici Donizetti, puis Ibert. Encore d’autres parfums à humer et à apprécier !

Alissa Margulis au violon et Delphine Benhamou à la harpe se distinguent dans le Larghetto et Allegro de Donizetti, avant de nous offrir l’Entracte d’Ibert. Un sérieux clin d’œil ! Le violon chante, la harpe scintille, et voilà que le programme change encore de lumière. Deux œuvres, deux univers, deux belles découvertes.

Car c’est cela, le charme de ce festival capiteux : faire circuler les émotions d’une œuvre à l’autre, sans jamais enfermer la musique dans une seule époque ni une seule couleur. Coucou ! Y es-tu ? On voyage. On savoure.

Merci donc au Festival Mozart et à son âme créatrice, Daniel Rubenstein — triple artiste, violoniste, altiste et pianiste — qui célèbre cette année les trente ans d’existence de cette aventure débutée en 1996.

Pour cette édition anniversaire majeure, Daniel Rubenstein a réuni pas moins de 26 musiciens en résidence autour de neuf concerts d’envergure, partagés entre Waterloo et Bruxelles. Une programmation où la création contemporaine joue à cache-cache avec les immenses chefs-d’œuvre du répertoire classique. Le passé, sorti de sa vitrine, dialogue avec le présent.

Preuve en est avec La Toccata éolienne de Jean-Pierre Deleuze, pièce contemporaine pour alto et piano, interprétée par Roland Glassl à l’alto et soutenue avec brio par le chaleureux Muhiddin Dürrüoğlu au piano.

De découvertes en découvertes, on éprouve ce petit bonheur particulier : celui de se laisser surprendre par une musique dont on ne savait pas encore qu’on allait l’aimer.

Et puis… And then, comes The Grand Finale.

Un piano, un quatuor à cordes, et Robert Schumann. Le Quintette avec piano en mi bémol majeur, op. 44 : une œuvre flamboyante, généreuse, débordante d’élan, où les cinq instruments semblent se poursuivre, se répondre, s’exalter jusqu’à l’ivresse.

Avec un tel final, le titre de l’affiche ne pouvait être plus juste : A-po-thé-ose ! annonçaient-ils !

Une soirée comme un feu d’artifice musical. Tous dans le même pot ! De Mozart à Schumann, en passant par Haydn, Donizetti, Ibert et Jean-Pierre Deleuze, les parfums changent, les époques se croisent, les timbres se répondent. Et le bonheur vibre dans l’assemblée.

La musique : souveraine.

Merci, le Festival Mozart. Nous reviendrons pour la prochaine récolte de merveilles !

Au suivant…

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

…Et tous les autres! https://www.festivalmozart.org/

Rixensart : le miracle d’un trio de Missa Brevis

Par l’Etesiane Orchestra, sous la direction de Gabriel Hollander, le miracle d’un trio de Missa Brevis en ouverture de saison des Balades Musicales de Rixensart.

Pour l’ouverture de sa 14e saison, les Balades Musicales de Rixensart ont osé un pari audacieux, presque mystique : réunir trois Missa Brevis en un seul soir. Ne dit-on pas d’ailleurs que répéter les prières par trois fois appelle la Grâce ?

Ce concert s’est révélé être une véritable action de paix et de lumière, portée par l’Etesiane Orchestra sous la direction habitée de son chef, Gabriel Hollander, et transcendée par ses interprètes, musiciens et solistes vocaux. À eux seuls, les quatre chanteurs ont réussi la prouesse de déployer la puissance et l’amplitude de tout un chœur de… quarante personnes ? International Choir Brussels, m’entendez-vous ?

La soirée s’est ouverte sous les auspices de la clarté avec la Missa brevis Sancti Joannis de Deo de Joseph Haydn. Dès les premières mesures, l’ensemble des cordes, emmené par des musiciens d’exception tels que Romane Cabaret, Solène Beaudet, Maritsa Ney, Patrick Valls, Cédric Hustinx et Denis Guerdon, a su diffuser une allégresse des plus communicatives.

Est-ce dû à la vélocité du rythme, à la brillance des solistes et des instruments ? L’œuvre elle-même semble déborder de peps et de bonne humeur. On pense à la délicatesse et à la légèreté de voiles de dentelle, blanche bien sûr, entre communion et mariage… évoquant le souvenir de jours heureux.

Mais surtout, le public a été instantanément saisi par une impression d’illumination grâce à la soprano Clara Inglese. Son visage épanoui et lumineux, ses adorables postures de méditation et son timbre d’une pureté surnaturelle ont bouleversé les spectateurs. Dans ses yeux brillaient les sourires de l’âme. Transfigurée par le miracle de sa voix.

Le chef d’orchestre Gabriel Hollander, lui aussi sous le charme, est apparu comme suspendu à cette divine interprétation. C’est d’ailleurs cette même énergie souriante qui a guidé ses mains et ses gestes pour nourrir l’architecture musicale de l’orchestre. L’Hosanna in excelsis a résonné avec une telle force que l’illusion d’une quarantaine de choristes était bien présente.

Enfin, l’Agnus Dei, vêtu de bleu azur, s’est déployé comme un acte d’espoir sublime. « Ask and it will be given. » De quoi y croire vraiment : on n’invoque pas en vain une paix tant désirée.

Et en avant pour la deuxième Missa brevis, signée Wolfgang Amadeus Mozart : la KV 65 en ré mineur. Le contraste dramatique s’installe immédiatement avec un Gloria crépitant d’énergie. Chez Mozart, la tension est plus grandiose et théâtrale : la douleur du trépas de Dieu fait homme traverse la partition, mais sera éteinte et balayée par le rythme effréné du final glorieux du Credo.

Au cœur de cette œuvre, le Sanctus s’égrène avec une force particulière. Le texte latin séculaire joue pleinement de sa présence et de sa solide puissance rassembleuse, unissant artistes et spectateurs dans une même dévotion. Le Benedictus est un cadeau du ciel : dans une pureté de timbre parfaite, l’accord des deux chanteuses, la soprano Clara Inglese et la mezzo-soprano Julie Bailly, a littéralement inondé la salle de bonheur.

Puis vint Fabian Fiorini, un grand inconnu pour la plupart des auditeurs. La découverte de sa messe nous est présentée ici en deuxième création mondiale. Le changement de paradigme est total : nous voici plongés dans un déploiement épique et une urgence à couper le souffle.

Fiorini utilise une structure moderne faite de fondus enchaînés, comme… au cinéma. Urgence épique et cinéma de l’âme vont culminer.

Dès le Christe Eleison, les accents se font intensément dramatiques. Pour le Credo, les archets ouvrent la marche de manière saisissante, tandis que le baryton Samuel Namotte, chantant les mains jointes en namaste, livre son texte avec une conviction saisissante. Des mélanges de récitatifs parlés ou psalmodiés surgissent. Les interventions du ténor Timothé Cuvillier sont magistrales, soutenues par les pizzicati puissants des violoncelles.

Les textures orchestrales sont d’une chaleur incandescente : les cordes vibrent comme un champ de blé sous la canicule, transpercées par un violon solo qui s’élève comme un cri dans l’azur. Une alouette ? Ode to a Skylark?

Voilà le Sanctus qui frissonne de triolets. Le chœur de solistes est maintenant habité par un profond respect, dont témoignent les arpèges de la contrebasse et des deux violoncelles.

L’apothéose survient avec le Benedictus. Fiorini y installe un rythme lancinant sur trois notes, semblable à une sirène d’alarme, qui contraste violemment avec la puissante ferveur du chœur. Les In nomine Domini du Benedictus se multiplient dans une tension extrême, jusqu’à la fin qui marque l’urgence absolue :

Qui venit.

Stop.

C’est venir à Dieu qui EST l’urgence.

Un point d’orgue impressionnant. Le silence est total. Après l’Agnus Dei, des tonnerres d’applaudissements pour les artistes et le compositeur fuseront de toutes parts.

Cette ouverture de saison magistrale résonnera longtemps dans les voûtes accueillantes de l’église Saint-Sixte de Genval.

⭐️⭐️⭐️⭐️

On peut d’ailleurs prolonger le plaisir. L’aventure des messes brèves sous le prestigieux Label Cypres (référence CYP1688) est une initiative audacieuse qui fait dialoguer des œuvres rarement associées.

Dans le même album, Missa Brevis, (l’Etesiane Orchestra, Gabriel Hollander), on retrouve la Missa brevis en ré mineur de Mozart, la Orgelmesse de Haydn et la Missa brevis de Fabian Fiorini, œuvre commandée spécialement pour ce projet, dont le but affirmé est de sortir des sentiers battus et de faire entendre un répertoire exigeant et profondément vivant.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

lien: https://www.balademusicale-rixensart.be/

...Elle libère une artiste par le théâtre

Perline Lombart dans « Marthe Donas » ressuscite une pionnière avec éclat. Le texte de Fabrice Gardin, une friandise artistique …que l’on sera ravi de se procurer à la fin du spectacle.

Sur la scène du Théâtre de la Valette, Perline Lombart donne à Marthe Donas une énergie résolument contemporaine. Dans cette création, sous la direction de Fabrice Gardin, elle fait revivre cette artiste rebelle et visionnaire du début du 20e siècle, dont le nom a quelque peu disparu des mémoires. Sauf à Ittre, où un musée lui est entièrement consacré.

Première femme peintre belge à s’être consacrée à l’art abstrait, Marthe Donas trouve ici une interprète à la hauteur de son audace.

Et pour Perline Lombart, jeune comédienne de vingt ans, c’est un véritable baptême artistique : c’est sa toute première prestation devant un public. Une entrée en scène particulièrement remarquée.

Arnaud Van Parys et Perline Lombart ©vivien ghiron

Elle impressionne par sa vivacité, sa précision et la fluidité élégante de sa parole, multiplie les points de vue de la narration.  En quelques secondes, elle épouse les états d’âme de Marthe et traverse avec passion les innombrables tribulations de son parcours.

Elle incarne avec force les doutes d’une femme bridée par son époque, mais aussi son besoin viscéral intense de créer. Dès qu’il est question de peinture, son corps s’anime, son regard s’éclaire : la vocation devient palpable. Connivence d’artistes ?

Du haut de ses vingt ans, elle met toute la vivacité du XXIe siècle au service d’une rebelle du passé. Son jeu abolit la distance historique. Les voyages, les errances, les toits de Paris qui la bouleversent et les rencontres artistiques prennent vie dans une interprétation physique, libre et électrique. Fascinante.

Même les épisodes les plus douloureux :  la révolte contre le milieu bourgeois d’Anvers, les 20 ans d’abstinence imposés dans le fief familial d’Ittre, le recours au pseudonyme androgyne Tour Donas, trouvent une résonance immédiate. Ce n’est plus seulement l’histoire d’une peintre d’avant-garde : c’est aussi le combat d’une femme pour devenir elle-même. Une femme en recherche perpétuelle. S’élever au-dessus de la matière, quitter le monde matériel, inventer un autre monde, qui ne part pas de la réalité mais qui recherche le degré le plus élevé de la simplicité et de la pureté…

Francine, la fille de Marthe apporte à son tour une touche d’humour et de tendresse bienvenue. Perline Lombart change alors de registre avec malice, offrant au public une image vraiment intime de l’artiste. Ah, ce lien mère-fille greffé sur la recherche mystique !

Face à elles, Arnaud Van Parys cabriole avec bonheur d’un rôle à l’autre. Romain, la terrible figure paternelle, l’artiste Alexander Archipenko, né à Kiev, particulièrement pittoresque, et Harry le philosophe…le neveu de son ancienne prof de dessin, Mme Coveliers-van Meir, qu’elle épouse et dont elle a une fille à 45 ans ! Les deux comédiens donnent au texte de Fabrice Gardin une urgence, un rythme pétillant et… couleurs et formes, comme dans un vitrail.  

Saluons au passage, leur magnifique synergie. Perline Lombart, Arnaud Van Parys et Fabrice Gardin, une trinité qui ne dit pas son nom…

Tous trois réussissent un moment de théâtre percutant et mémorable, qui ouvre sur un profond sentiment de reconnaissance pour nos racines culturelles, indispensables à notre survie. Car ici, l’énergie et l’émotion ont opéré de merveilleux chassés-croisés dans le cœur de chacun.

Un cadeau.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

http://www.marthedonas.be/

https://museemarthedonas.be/fr/le-musee/le-musee-marthe-donas

Lors de ce grand rendez-vous de rentrée à la Salle Henry Le Bœuf, le 11 septembre dernier, c’est une programmation fort éclectique qui nous attendait, question de nous offrir des émotions nouvelles, des textures et des saveurs contrastées.

Un menu étonnant, servi par le Belgian National Orchestra (BNO) pour souffler ses 90 bougies. Dirigé de main de maître par Matthew Halls, le concert nous fait rapidement passer de la mélancolie à un irrésistible esprit de fête.

La mise en bouche ? Une curiosité volcanique…

Le concert s’ouvre sur Aeriality, de la compositrice islandaise Anna Thorvaldsdóttir. Une matière sonore en fusion, presque tellurique, qui explore la physicalité du son. Ici, l’orchestre ne semble même plus constitué d’instruments distincts : il devient une immense parole sonore multiple, faite de nappes, de grondements, de frémissements et de fulgurances. La musique enfle, se contracte, accumule les tensions… jusqu’à l’explosion.

Les big bangs pluriels font finalement penser, sans bien sûr que la compositrice en ait eu conscience, à une sonorisation de la Genèse… Jour après jour. Expérience acoustique vraiment impressionnante, à la frontière de la musique symphonique et la bande sonore. Idéale pour nettoyer le palais auditif avant le grand lyrisme romantique d’Anna Vinnitskaya et de son piano à la fois poétique et solaire.

Et la lumière… fut. Fine lettrée du clavier et virtuose absolue, la pianiste transcende le célébrissime Concerto pour piano de Robert Schumann. Elle est aussi… Celle qu’on attendait.

Sous ses doigts, pas un gramme de démonstration technique ou de force : juste le souffle poétique et son cortège de sentiments. Chez Schumann, le piano ne livre pas bataille à l’orchestre : il converse avec lui. Les bois lui répondent, le prolongent, l’enveloppent. La rayonnante Anna Vinnitskaya, en robe fleurie, insuffle une clarté et un charme vivant à cette œuvre intime. Le dialogue qu’elle tisse avec les bois de l’orchestre est un délice de complicité, transformant chaque phrase musicale en une confidence amoureuse. Et le public de Bozar, de se sentir transporté.

Et après l’entracte, voici le grand plat de résistance, avec Mahler.

La monumentale Symphonie n° 1 de Gustav Mahler, dite « Titan », est une œuvre prodigieuse, débordante de force vitale. Mahler y déploie un orchestre XXL pour nous raconter le monde dans ce qu’il a de plus contradictoire : la nature, l’enfance, la danse, la marche, l’ironie, le drame et la fête.

Le joyau absolu de cette interprétation réside sans conteste dans le troisième mouvement.

Avec de l’humour à couper au couteau !

Mahler a transformé Frère Jacques en marche lente! La comptine, passée du majeur au mineur, surgit d’abord à la contrebasse, comme si notre enfance revenait de très loin… mais avec quelques fantômes dans ses bagages. Quelle que soit notre langue, nous reconnaissons cette mélodie que nous chantions en canons, habillée en ré mineur !

Comme une marche insistante, insolite et un peu bancale, ce thème revient hanter l’orchestre à plusieurs reprises. À peine s’est-on habitué à cette étrange procession que la musique bascule, sans crier gare, dans des élans résolument populaires. Les bois et les cuivres s’encanaillent, les rythmes s’affolent, les cymbales claquent : le cortège funèbre se métamorphose en fanfare klezmer, vibrante de gouaille et de nostalgie festive.

Et Mahler superpose encore à cette étrange marche une mélodie tirée de ses Lieder eines fahrenden Gesellen. L’enfant, le mort, le voyageur : tout le petit théâtre mahlérien se met à danser ensemble.

Ce va-et-vient permanent entre gravité ironique et fête populaire est un pur régal pour l’esprit et les oreilles. On se surprend à… vraiment sourire devant cette malicieuse composition ! Mu par les cors et les trompettes, l’orchestre s’emballe  dans  un élan vital, rutilant de couleurs spectaculaires. La langueur et les thèmes flûtés bucoliques du début réapparaissent : tout un cycle de vie.  

Le final, un sommet d’énergie d’une puissance héroïque, achève de soulever la salle.

Certes, le BNO ne pouvait rêver plus beau sésame pour ouvrir cette saison anniversaire : un concert généreux, espiègle et définitivement inoubliable.

Et le dessert ? Des tonnes d’applaudissements.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

lien utile:

https://www.bozar.be/fr/calendrier/belgian-national-orchestra-halls-vinnitskaya

Choose life. Fermez les yeux : c’est Daniel Balavoine qu’on entend. Ouvrez-les : c’est un jeune Français, amoureux de la musique du chanteur héroïque… depuis ses neuf ans.

Trente ans plus tard, on le rencontre sur scène, flanqué de ses cinq musiciens. Le début d’un mythe ? Il est fier d’œuvrer avec des jeunes d’aujourd’hui, engagés dans des interprétations stellaires. Commémorer les 40 ans de la disparition de son idole, il se l’était juré.

Sa voix est saisissante. Par la force de nos destinées, le répertoire est évidemment bien trop court. Mais le voici à nouveau, sous forme cristallisée, pour devenir une nouvelle légende.

Cette voix mystérieuse fait renaître toute l’émotion que l’on portait au jeune disparu. Les spectateurs retrouvent leur énergie d’il y a quarante ans tout juste, et les plus jeunes se joignent avec délices à l’aventure. Oui, Daniel Balavoine renaît dans le souvenir… et sur scène.

L’auguste Jean d’O avait raison : « Il y a quelque chose de plus fort que la mort, c’est la présence des absents dans la mémoire des vivants. » Et les vibrations musicales font le reste. Celles de huit albums aux textes visionnaires.

Le Chanteur a débarqué sur le plateau du Centre culturel d’Uccle le 10 septembre 2026, quarante ans après la mort tragique du musicien-poète.

Celui qui incarne avec tant de force le répertoire de Daniel Balavoine sur scène s’appelle Charles.

Tu parles? Charles?

Et tu chantes avec des accents de vérité, avec des harmonies qui donnent le frisson. Tu transmets. Tu partages d’ailleurs la scène avec un autre musicien portant le même prénom, puisque le bassiste du groupe s’appelle également Charles.

Toute l’équipe : Léo et Maxime, jumeaux de 21 ans aux guitares, Liou à la batterie, Bastien au synthé… travaille en formidable symbiose pour porter cet émouvant projet vocal et musical avec une belle exigence et une tendre connivence artistique.

Un hommage élégant, respectueux de la mémoire de l’artiste.

Mais… pas que, glisserons-nous, en empruntant le jargon simplifié de notre époque.

Les chansons alternent avec une sorte d’interview avec l’au-delà. Une autre voix, une autre présence qui se raconte et évoque ses multiples engagements. Ses intentions qui sont aussi les nôtres. Le jeune Daniel, 33 ans, saisi par la Faucheuse à la fleur de l’âge alors qu’il survolait les pistes du désert, est parmi nous.

Quoi de plus émouvant ? Un biopic « close to life », en quelque sorte, que certains écouteront avec recueillement, tandis que d’autres auront simplement envie de chanter.

Et ils chanteront, et danseront, places assises ou non. De l’harmonie qui fait du bruit.

D’autres rendez-vous avec ce groupe enthousiaste suivront pour égrener un chapelet de chansons qui font battre le cœur.

Celle qui couronne le concert ? Le Chanteur, bien sûr.

Je ne suis pas un héros

Tous les cris, les SOS…

Mon fils, ma bataille

L’Aziza

AIMER EST PLUS FORT QUE D’ÊTRE AIMÉ

Mais par-dessus tout ? S a u v e r  l’ a m o u r

Ceci n’était qu’un début. Il y aura dans un proche avenir : l’Aula Magna, La Sucrerie, Paris… Et avant Bruxelles, il y a eu Calais ! Un triomphe !

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Comédie ou drame ? La fin le dira.

Présentée actuellement en création mondiale francophone, dans le cadre du Festival Bruxellons! à la Grange du Château du Karreveld, John & Jen est la célèbre comédie musicale d’Andrew Lippa et Tom Greenwald. Mise en scène par le Français Guillaume Nozach, elle nous entraîne dans une histoire de famille qui n’a rien d’une promenade de santé.

Deux formidables artistes français, passionnés, Marion Preite et Loaï Rahman, débordent d’énergie et sont tour à tour interprètes, révélateurs, narrateurs, acteurs, danseurs, chanteurs… et visiteurs de nos pensées.

Le tout en musique incandescente ! Trois musiciens live les accompagnent — piano, violoncelle et percussions — emmenés par Arnaud Tibère. Une véritable bande-son vivante, qui épouse la sensibilité et les mouvements de cette saga familiale comme une seconde peau.

Car John & Jen traverse près de quatre décennies aux États-Unis, des années 50 aux années 90, dans une Amérique mythique. Celle rêvée en chansons par Joe Dassin… mais qui peut aussi abriter de sombres toxicités.

En effet, la comédie musicale intimiste ose s’attaquer aux traumatismes familiaux transgénérationnels et à leurs répercussions. Sujet fort délicat. Pour le meilleur ? Pour le pire ?

Au premier acte, John & Jen raconte les relations intenses d’un frère et d’une sœur.

Pour Jen, la grande sœur, John est l’amour de sa vie.

Lorsque la jeune Jen accueille son petit frère, la chanson qui lui vient spontanément aux lèvres le met déjà en garde contre les dangers qui pourraient le guetter. Elle lui promet de ne jamais lui lâcher la main.

Mais, en quelques allusions discrètes, le spectateur comprend vite que le milieu familial est violent et toxique.

Jen assume. Elle se sent responsable de ce petit garçon qu’elle adore. C’est elle qui explique avec une infinie délicatesse pourquoi le Père Noël ne pourra pas passer cette année-là. C’est elle qui le défend, bec et ongles.

Pourtant, malgré sa ferme intention de ne jamais le quitter, Jen, au seuil de ses études supérieures, saisit l’occasion de partir à New York pour se sentir enfin libre.

John a douze ans. Il supplie sa sœur de l’emmener avec elle.

Mais le désir d’évasion de la jeune fille l’emporte. Et le jeune garçon reporte alors toute son attention sur son père, à qui il rêve de faire plaisir. Ce besoin d’être accepté !

Et, au bout du compte, la guerre du Vietnam provoquera la rupture irrémédiable.

Le jeu des deux comédiens tient alors du vertige. Ils excellent à convoquer une multitude de personnages, à faire surgir des âges en perpétuelle métamorphose, à traverser des situations extrêmes d’amour-haine, sans oublier… l’amour du baseball !

Le public est vite bouleversé. L’élixir de cette histoire pénètre doucement, profondément, là où chacun porte des secrets.

Les non-dits, les frustrations, les désirs refoulés nés dans l’intimité familiale peuvent soudain se réveiller.

Des « would have, could have, should have » poignants fusent dans l’esprit du spectateur.

Il y a tous ces petits mots ludiques ou légers, et ces silences mordants, qui disent tant par devers la formule. Entre temps, Jen a récolté une vie entière de culpabilité liée à l’abandon de son frangin. Familles, je vous hais ! Disait André Gide.

Et pourtant… un hymne lumineux, chanté ensemble à tue-tête, vient périodiquement nous rassurer sur l’espoir d’un monde sans frontières, là où chacun pourrait enfin être pleinement lui-même. Golden words from self-made kids ! … Des Gavroches de barricades. Mai 68, quand même !

Le décor lui-même semble avoir été pris dans le tourbillon de cette mémoire américaine : un amoncellement d’armoires, de livres de bibliothèque, de portraits, de boîtes à surprises… autant de clins d’œil qui font surgir les grands moments et les chaos de l’Histoire.

Puis vient le deuxième acte. Une autre histoire, beaucoup plus troublante : celle d’une mère et de son fils.

Et le thème de la toute-puissance, de la possessivité, s’impose dès les premiers instants.

C’est tout de même glaçant ! Qui peut encore oser dire, à notre époque, que l’Autre vous appartient ? Même dans un couple…

J&J, c’est finalement plutôt l’histoire de Jen et John !

Lorsque Jen est devenue mère à son tour, le miroir se retourne.

Les affects se mélangent, les blessures anciennes remontent à la surface. Sans même toujours s’en rendre compte, Jen fait germer chez son propre fils les souffrances et les blessures mutuelles qui l’ont façonnée.

Ce nouvel enfant s’appelle, lui aussi, John. Erreur, malheur, compensation ?

Comment s’en sortira-t-il pour accéder à son tour à l’indépendance ?

C’est donc cela que raconte John & Jen : le long apprentissage du lâcher-prise.

Aimer, plus important qu’être aimé, comme le chante Daniel Balavoine.

Apprendre à aimer sans posséder.

À protéger sans enfermer.

À transmettre sans reproduire.

À laisser partir ceux que l’on aime pour qu’ils puissent devenir eux-mêmes.

Savoir aimer.

Florent Pagny.

De sorte qu’après tout ce parcours d’embûches, ces blessures croisées, tous ces « would have, could have, should have », la vie finit par souffler la plus belle des réponses possibles :

Choose life!

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

Du 28 août au 21 septembre 2026

Av Jean de la Hoese, 3, Molenbeek-Saint-Jean, Belgium, 1080

Infos et réservations sur www.bruxellons.be

À Rixensart : Le violon de Chagall est par-dessus les toits

Concert de clôture prestigieux avec notre fougueux violoniste belge Lorenzo Gatto — qui fêtera bientôt ses quarante ans — et son alter ego, le pianiste arménien Ashot Khatchatourian, formé notamment à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth. Artiste international, Ashot Khatchatourian se produit régulièrement en Europe et dirige le Concours International de Musique Ysaÿe qu’il a fondé.

Et qui aurait cru devoir ajouter des chaises dans la cour du château pour accueillir tous ceux qui voulaient écouter leur concert, lors de cette troisième et dernière soirée musicale de Rixensart ?

Ce que nous avons reçu des deux artistes fut une véritable infusion musicale de bonheur. Lorenzo et Ashot : deux tempéraments, deux instruments, mais une seule respiration. Une connivence musicale si profonde que l’on finit par oublier où s’arrête le violon et où commence le piano.

Il faut ajouter que ce magnifique récital était dédié à la mémoire du violoniste Alexei Moshkov, Konzertmeister du Belgian National Orchestra, qui avait vécu à Rixensart et nous a quittés brutalement l’an dernier. Une soirée de musique et aussi de mémoire.

Place aux artistes. Deux nocturnes de Chopin, joués de mémoire, ouvrent la soirée. Soudain fuse le précieux Andante. Un nuage léger et transparent vient se poser entre deux fils de lampions, comme pour savourer lui aussi cette musique pleine de souvenirs. Sachez que l’on vous regarde et que l’on vous écoute depuis le ciel bleu.

Et puis surgit l’archet bondissant de Lorenzo dans la Sonate pour violon et piano n° 8 de Beethoven en sol majeur, op. 30 n° 3. Le jeu du violoniste est très marqué. Il y a des rugissements, des pas de côté, des élans pour mieux se relier au pianiste qui œuvre derrière lui. Ashot Khatchatourian, à l’ombre des arcades, semble pouvoir, à lui seul, constituer un orchestre entier.

Au deuxième mouvement, le duo devient chantant. Un oiseau, perché sur le toit, s’en mêle. Rires. Et la musique continue, à tire-d’aile. Quand l’archet étire les sonorités, le piano répond en accords délicats. C’est une sérénade à deux. Puis le piano prend l’initiative et les trilles jaillissent du violon, les yeux fermés.

Le menuet s’achève en notes d’arpège et deux accords feutrés. Dans le dernier mouvement, la passion se transmet de la tête aux pieds du violoniste. C’est une force vitale, une sève brûlante de printemps.

Chopin, pour calmer le jeu ? Que non ! Voici aussitôt le Scherzo n° 2 en si bémol mineur op. 31, qui déferle sur l’assistance. Une boucle ensorcelante. Le nuage est revenu.

Le piano vibre comme le tonnerre. Place à une subtile méditation avant que le feu originel ne réapparaisse. On voudrait chanter la partition tant elle est belle. Les pédales alternent la poésie et la joie de vivre. Voilà un véritable coup de foudre et des vibrations à couper le souffle. Le final est fait d’énergie pure. La cour entière encense le pianiste.

Brahms, l’amour et la liberté : soudain, le vent s’est levé et a fait tourner les pages de la Sonate pour violon et piano n° 2 en la majeur op. 100 de Brahms.

Une œuvre née alors que Brahms était amoureux de la jeune chanteuse Hermine Spies. Il parsème sa partition de citations de plusieurs chansons d’amour qu’il composait à la même époque. Un foisonnement lyrique, donc. Des échos bucoliques et champêtres, des moments de profonde intériorité, interrompus par des chants d’oiseaux. Eux encore : l’amour et la liberté.

Des gazouillis vivaces, entre merle enchanteur des jardins et rossignol du conte chinois. Mais on pense surtout à Jacques Prévert et aux barreaux de la cage, effacés un à un avec la plume de l’oiseau.

Ce souffle de liberté est par-dessus les toits, dans la cime de l’arbre, dans la beauté mélodique de Brahms et dans les cordes du violoniste et de son compère.

Leur bis, Liebesleid de Kreisler, est couronné par des applaudissements étourdissants.

Mi, fa, mi, ré, hop ? C’est fini. Trois soirs, trois voyages.

Trois soirs pour voyager de Don Quichotte et ses rêves impossibles à Nina Torunski, douze ans, ouvrant déjà les portes de l’infini ; de Saint-Saëns et ses tourments à la lumière souveraine de Mozart ; puis, pour finir, Beethoven, Chopin et Brahms, portés par deux artistes vibrants d’amitié.

Trois soirs pour retrouver ceux qui ont aimé la musique avant nous. Merci à la magie musicale qui sait si bien faire revenir les absents et transformer les souvenirs en lumière.

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

https://www.soireesmusicales-rixensart.com

P.S.

Nous avons aussi pu visiter en compagnie de Charles-Louis de Mérode les très belles salles du château, une très longue histoire. https://chateauderixensart.be/histoire-du-chateau/

Elle s’appelle Nina Torunski.

Une jeune fille fluette en longue robe couleur champagne, un violon entre les mains… et nous voilà entrés de plain-pied dans la magie de la musique avec l’Introduction et Tarentelle op. 43 de Pablo de Sarasate.

Ses brillants coups d’archet et ses envols vers l’infini sont saisissants, tandis que le tapis des violons murmure.

Ses bras fins disent qu’elle n’a que douze ans. Son jeu, lui, semble déjà connaître tous les secrets du violon. Impossible de la quitter des yeux tant son interprétation est brillante, précise, vivante.

Et tout de suite, les applaudissements de crépiter sous les voûtes de l’église Sainte-Croix du domaine de Mérode.

La salle est prête à accueillir le Concerto pour violoncelle n° 1 en la mineur op. 33 de Camille Saint-Saëns.

Axel de Jenlis fait preuve d’une passion rutilante, voire d’une combativité brûlante dans son interprétation. Il y a cette profondeur du son que l’on espère avec cet instrument, roi des cordes.

Tout s’enchaîne dans une fluidité remarquable.

À la tête de l’Orchestre de la Fondation Arthur Grumiaux, Luc Dewez s’active tel un peintre passionné, enivré de mouvement et de couleurs. Van Gogh à l’œuvre, devant son chevalet ? La baguette en guise de pinceau?

Une escapade de légèreté avec le menuet central, puis à nouveau l’infini de la douleur ou de la félicité. Mais plutôt des émotions qui torturent le violoncelliste, corps et archet. Cœur et âme, il se livre avec sincérité. Et puis l’aboutissement heureux de la coda en la mineur. On respire!

En bis : Le Cygne, dans un arrangement sublime avec la harpiste. Et cette dernière gamme descendante… pure merveille! Quelle soirée palpitante !

Et maintenant, la grâce, la joie, la lumière bienfaisante de Mozart avec le sublime Concerto pour flûte et harpe en ut majeur K. 299. Une harpe séraphique toujours sous les doigts d’Héloïse de Jenlis, en duo avec la flûte divine de Marie Lagaditis. Leur énergie régénère.

Les deux solistes creusent tour à tour des sentiers d’amour, des cascades de beauté, pendant que les notes trottinent parmi les violons. Elles combinent avec justesse intensité et délicatesse. Le rythme devient posé, comme un bonheur qui a trouvé sa source.

Cette musique qui a traversé les siècles s’écouterait presque les yeux fermés, si ce n’est que l’on reste fasciné par la douceur naturelle des musiciennes et leur élégance duelle.

L’Allegro final est fait de rythmes primesautiers. L’énergie devient intarissable. Leur connivence magistrale sera saluée avec éclat. Entre elles coule une véritable et profonde écoute, une compréhension de l’autre, presque instinctive.

Et pour finir, La danse lente — pas si lente — de Joseph Jongen. A thing of beauty is a joy for ever.

Ainsi se termine cette enivrante deuxième soirée estivale du Château de Rixensart.

Après le chevalier rêveur du premier soir, voici qu’une enfant de douze ans nous a ouvert les portes de l’infini. Puis le violoncelle nous a fait traverser les tumultes de Saint-Saëns avant que Mozart ne nous offre sa lumière.

La magie de la musique nous a fait voyager sans bouger, franchir les siècles, rapprocher des êtres sous le charme: on ne peut s’empêcher de communier, dans une gratitude profonde qui s’est installée sans le moindre bruit.

Et maintenant, rendez-vous avec le violon de Lorenzo Gatto, pour la troisième et dernière soirée, le 22 août à 18h30. 

Dominique-Hélène Lemaire, Deashelle pour le réseau Arts et lettres

https://www.soireesmusicales-rixensart.com