Adrian Jurado studied painting, sculpture and art history at the Academy Saint Carlos in Mexico. In 1992 and 1993 he was the founder and director of a gallery for contemporary art in Mexico. He also worked for a cultural television channel of the European Union and worked on graphic design and book illustration. In 1994 Adrian Jurado was invited by the Mexican and Belgian governments to take part in an art festival of the Latin America Institute, the "EUROPALIA" in Brussels. There he painted a mural on a wall of 162m2 in size, which thematized three important periods of the history of Latin American people: the pre-Spanish period, the period of conquest and the period of modernism. One part of the work raised the theme of the destruction of old cultures, which is a contemporary issue in the continent of Latin America today. This, and other themes such as economic dependence, dictatorship and intolerance, are the subjects of Jurado's art. His painting follows his instinct, not to remain inactive in the light of nationalism, intolerance and racism, with which we are confronted today. He understands his aesthetic of horror as a means of engendering fear in the observer and thereby encouraging him or her to consider the origins and causes of present injustices in the world.
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Adrian Jurado studied painting, sculpture and art history at the Academy Saint Carlos in Mexico. In 1992 and 1993 he was the founder and director of a gallery for contemporary art in Mexico. He also worked for a cultural television channel of the European Union and worked on graphic design and book illustration. In 1994 Adrian Jurado was invited by the Mexican and Belgian governments to take part in an art festival of the Latin America Institute, the "EUROPALIA" in Brussels. There he painted a mural on a wall of 162m2 in size, which thematized three important periods of the history of Latin American people: the pre-Spanish period, the period of conquest and the period of modernism. One part of the work raised the theme of the destruction of old cultures, which is a contemporary issue in the continent of Latin America today. This, and other themes such as economic dependence, dictatorship and intolerance, are the subjects of Jurado's art. His painting follows his instinct, not to remain inactive in the light of nationalism, intolerance and racism, with which we are confronted today. He understands his aesthetic of horror as a means of engendering fear in the observer and thereby encouraging him or her to consider the origins and causes of present injustices in the world.
(a proposito de la pintura de Adrian Jurado)
por Nathalie Sedou *Premicias…
Adrian Jurado deseó espontaneamente pintar “grande”…. Estudiando en la academia San Carlos UNAM (Universidad Nacional Autonoma de Mexico), y en La Esmeralda INBA (Instituto Nacional de Bellas artes) y admitiendo una evidente influencia del muralismo, se plantea muy pronto del lado de los que ven la pintura como la expresión de una relación con el mundo, como un medio de protesta. Escoje deliberadamente acercarse a la pintura monumental y muy joven participa a la realización de murales a consecuencia de encargos públicos. Invitado en 1994 por el comité belga de Europalia México a realisar un mural el cual solo se termino parcialmente (debido quizas a la censura oficial) decide investigar sobre la enseñanza artistica Europea y en Bruselas y acude al curso de pintura monumental en la academia de bellas artes.(donde se percata que la calidad de la educacion artistica es solo un mito)
Sus primeras pinturas en una búsqueda aferrada de la materia, muestran cuerpos situados en un espacio poco definido. Se inscriben en un discurso principalmente alegórico y simbólico, haciendo referencia a los males generados por la intolerancia, la guerra, el peso de la historia. Los personajes angulosos y padecidos se tuercen hasta desmembrarse: incluso las curvas se vuelven duras en estos cuerpos heridos. El pintor otorga a los gestos de la mano una importancia mayor: crispadas, descuartizadas, o bien amenazadoras, son signo de autoridad sino gesto de dolor, de rechazo, protección. La encarnación visceral de los cuerpos que nos sorprende a primera vista en la pintura de Adrían se refiere indirectamente a destrucciones y padecimientos reales, esos mismos de la explosión de gaz de San Juanico y del terremoto de 85.
Spectrum…
En 1996 es invitado a Rostock para participar al taller internacional “seinsichten aus welten” donde trabajan juntos artistas de diversos horizontes. Ahi es donde se formaliza la serie “Spectrum” que constituye una etapa preponderante en su trabajo: Spectrum es un conjunto de telas de medio formato, pintadas con acrílico. Destacan en ellas un fuerte sentido de la situación, una nueva representación de las figuras (evicción de la carne) asi como se impone la opción de agregar elementos ajenos por el medio del collage.En el cuadro, cuando el entorno y la composición se han establecido, empieza a descubrir siluetas, y provoca la situación. Adjunta objetos y signos en la ulima fase de la obra y es cuando entonces adquiere sentido al mismo tiempo que la obra se vuelve irónica, casi enigmática....
Por sus virtudes narrativas y su recurso al elipsis, da la sensación al espectador observando sus cuadros que algo esta por pasar o acaba justo de pasar. El espectador ha llegado muy pronto o muy tarde, todos los elementos no le han sido comunicados, entonces el mismo supone, completa, imagina. Este universo pictórico se articula principalmente segun dos ejes:
Por una parte, tiende a mostrar situaciones de dominio, impuestas por la fuerza o contrarrestadas, provocando manifestaciones de violencia, tensión o resistencia, donde el tema pintado se vuelve la expresión de una impugnación y un cuestionamiento de la autoridad (la clase del 94, la ultima cena ). Por otra parte, se trata de una mirada sobra la cotidianidad con cierto desengaño, mostrandola desde un punto de vista sordido, sofocante (la ultima y nos vamos, hasta que la muerte nos separe), incluyendo tópicos mediante el collage para denunciar una logica del consumo (hasta agotar existencias, la ultima moda).
Esto recrea una “geografia” muy particular ya que estas dos visiones se interpenetran, y muestran los efectos de dominación en lo cotidiano, con sus implicaciones económicas, sociales, humanas y sexuales.
El tiempo…
El avanze más prodigioso en su trabajo proviene de su modo de enfrentar la posible « representación » del tiempo. Antes, su entusiasmo en reivindicar la noción de arte público y la necesidad de cubrir una amplia superficie habían mantenido Adrían en un registro fuertemente ligado con el muralismo: aquél del tiempo histórico. El artista colocaba sus protagonistas dentro de estrictos acontecimientos, los sometía a los tormentos de la historia refiriendose a épocas precisas: el periodo prehispánico y la conquista, la dominación estadunidense, la guerra del Golfo...
Ahora bien con Spectrum, desarrolla otro registro del tiempo, este como experiencia de la duración. Recrea la sensación del tiempo que se dilata o se condensa, usa sus manifestaciones mentales (reminiscencias, evocación de los muertos) y se interesa en el desgaste, buscando como traducirlo con signos cuyo referente no escapa al espectador: desagregación de la materia, oxidación, lugares desolados, objetos dejados al abandono, telarañas, ruinas. Con el fin de producir esos efectos juega con la materia misma: en sentidos opuestos por ejemplo se refiere a la antigua estructura del políptico con fondo dorado e intenta recrear una apariencia de barniz resquebrajado.
O recurre – de manera mucho menos conciente – a modismos procedentes del lenguaje cinematográfico como la secuencia y la elipsis, el travelling o el gran angular, el « close-up »... De ahi seguramente su gran sentido de la situación donde los detalles no solo vienen informando sobre el drama que va ocurrir sino que de manera muy llamativa agregan sentido, provocan el espectador, le inspiran curiosidad, malestar, o risa.. Tanto hasta que la muerte nos separe como la ultima y nos vamos inducen un efecto basado sobre la construcción de una secuencia y la pertinencia de los detalles. En cambio hasta agotar existencias (cuyo clímax recuerda el cine hollywoodense) presenta una escena muy abierta, como un gran angular que permite captar la situacion entera. Al mismo tiempo esos tres cuadros como el mural de la Rosée, implican al recorrerlos con la vista un « movimiento lateral» el cual requiere cierto sentido de lectura (partimos de un punto para llegar a otro significativo).
El pintor ha logrado traducir en términos plásticos fijos elementos procedentes del cine, es decir temporales y de movimiento. Mucho más que una atención a la materia pictórica, ese logro resulta de la disposición de los espacios y de la importancia otorgada a la narración. A raíz de graves acontecimientos los protagonistas parecen petrificados por el estupor; el espectador – formado inconcientemente por el cine - siente haber llegado en medio del drama, reconoce las elipsis. Reencuentra en esa pintura elementos específicos al tiempo cinematográfico : síntesis por el montaje, un largo paso del tiempo expresado en un instante, el « flash-back » . De hecho, otro detalle significante es el formato de los cuadros, los cuales se acercan mucho de tamaños cinematográficos por excelencia (el antiguo 1,37 o el formato estadunidense 1,85 para hasta agotar existencias). Cual no fue entonces mi sorpresa al enterarme a posteriori que el pintor pasó su infancia en salas de cine donde su abuelo era proyeccionista. El estraño enlace entre sus cuadros e imagenes filmadas no viene de la nada…
*Historiadora del arte por la Universidad de Lille Francia .
Notes on growing up (regarding Adrian Jurado’s paintings)
By Nathalie Sédou
Art Historian, University of Lille, France.
Adrian Jurado spontaneously decided to paint “big”. While studying in the San Carlos Academy,and in La Esmeralda (Mexico), and admitting his great interest in Mexican muralists, he soon decided to locate himself on the side of those who see painting as an expression of their relationship with the world, and as a means to protest against the system. He deliberately chose monumental painting and from a very young age participated in the creation of several murals requested by Mexican public institutions. In 1993, he was invited by the Belgian committee of Europalia Mexico to paint a mural painting and visit this European country, he decided then to took a course on monumental painting in the Fine Arts Academy in Brussels.
His first paintings, in a constant search for substance, show bodies located in a barely defined space. These paintings subscribe to a world of symbols and allegories and describe the ills caused by intolerance, war, and the weight of history. The sickly and emaciated protagonists twist and turn until they fall apart – even the curves on these hurt bodies look rough. The painter communicates through his figures’ hands: mutilated, charred, or even threatening, by turning them into a symbol not of authority but of pain, rejection, and self preservation. The visceral portrayal of the bodies, which surprises us at first glance, refers indirectly to real suffering and destruction – the pain caused by the gas explosion in San Juanico and the earthquake that violently shook Mexico’s capital in 1985.
Spectrum…
In 1996, he receives an invitation to participate in Rostock’s international workshop entitled “Seinsichten aus welten”, where artists of diverse backgrounds have a chance to converge. Here is where he first shows the world his “Spectrum” series, which constitutes a decisive moment in his career. Spectrum is made up of several medium-sized acrylic canvases, and within them he offers a new representation of bodies and figures (no flesh is represented) by introducing elements through the collage technique. Within each image, once the surroundings and the composition have been established, he insinuates silhouettes and prepares the stage for the scene’s action. In his final work phase, the objects and signs he adds give sense to a message that becomes ironic and almost enigmatic...
As a result of his narrative qualities and by constantly evoking the ellipsis as a central element, he is able to express that something is about to happen or that it occurred only a moment ago. The spectator has arrived either too early or too late and, as the situation has not been fully explained, he/she might decide to infer, to imagine or to complete the scenario. This universe of imagery is mainly articulated within the following two axes:
Firstly, Adrian tends to describe scenes involving domination or situations imposed upon by force, all of which cause a tense or violent reaction, and where the author directly questions authority (Class of 94, and The Last Supper).
Secondly, he analyzes everyday situations head on and from a sordid and stifling point of view (The last Drink and then we Leave and Till Death Do Us Part) – including the elements he has added with his collages – to denounce humanity’s dehumanized consumerism (Until merchandise runs out and The Latest Fashion).
Adrian recreates a very particular “geography”, as he combines both of the abovementioned axes and therefore, exposes the effects of domination on everyday life, with its social, human, economic and sexual implications.
Time…
The biggest development in his work comes from the way he handles the “representation” of time. Before this, his enthusiastic efforts towards vindicating the notion of public art and the need to cover a vast space had kept Adrian closely tied to mural painting: time within a historical context. The artist would locate his main characters within specific events, and put them through the torments of history by referring to specific eras: Pre-Hispanic and conquered America, United States’ domination of Mexico, the Gulf War...
With the Spectrum series, he developed a new register of time – as an expression of time’s duration. He recreated the sensation of time – either by stretching or compressing it – used mental resources – reminiscing and evoking the dead – and focused on the feeling of being worn out and exhausted, while searching for different ways to translate this into signs that wouldn’t elude the spectator’s attention: the disaggregation of matter, rusting objects, desolate settings, abandoned objects, cobwebs, and ruins. In order to obtain the desired effect, he played with substance itself: in Opposite Senses, for example, he referred to the ancient polyptic structure with a golden background, and tried to recreate the appearance of worn down varnish.
He also used – in a less conscious manner – elements from cinematic language such as sequence and ellipsis, travelling, wide-angle takes and “close-ups”...This is probably why he presents each situation so clearly, and not only reveals drama but also gives it new meaning, provokes the observer, awakens the viewer’s curiosity and even produces feelings of discomfort or laughter...That is particularly true in Till Death Do Us Part as well as in The Last Drink and then we Leave, as the effect of both these paintings relies on its sequences and details. In the case of Until Merchandise Runs Out (with a climax that reminds us of Hollywood cinema), Adrian presents a very open scene, like a wide-angle look that allows us to capture the entire scope of the situation. These three paintings, as well as the Rosee mural, must be absorbed by means of a “lateral movement”, as we would do when reading a book, being that we need to start in one specific point to reach the next significant location.
Adrian has been able to translate many cinematic elements into painting – mainly components of space and time. He has achieved this by successfully distributing on canvas the story’s elements and narration. The paintings’ main characters seem to be petrified by the sheer weight of the circumstances, while the spectator – unconsciously aware of the presence of cinematic language – feels as though he/she has stumbled upon the painting in the height of drama and therefore, recognizes the existing ellipsis. Several elements of cinematic language are present here: a synthesized structure, a long stretch of time expressed in an instant, and flashbacks. Another significant detail is the format of each painting, very close to cinematic dimensions (such as the formerly employed 1.37 format and the American 1.85 present in Until Merchandise Runs Out). I was not that surprised to learn after the fact that Adrian spent many years as a child sitting in the movie theater where his grandfather worked projecting films. The unique relationship between his paintings and film didn’t simply happen as a coincidence...
Towards public art…
Time has made Adrian reflect again on public art as an attempt to assimilate collective memory within the cities’ common spaces. He has distanced himself from some of the original objectives of mural art and therefore, has proven that he wants to approach this art with a less literal and academic eye. However, he considers his work a social endeavor that aims at producing a positive relationship between cities and inhabitants. Adrian directly appeals to his audience in order for it to identify and react to each artistic proposal. He is well aware of how important the context in which he constructs his work is, as well as the events and the main characters that he places on each canvas.
Stroking memories
Adrian’s artistic process involves perceiving and reconstructing places. That is how he takes ownership of specific walls and buildings – his images won’t just be “applied” to these walls, the images will actually be based on what has gone on in and behind them, thanks to the discovery of shapes, patterns, traits and forms...This requires rigorously analyzing where he will develop his next representation. An abandoned wall or square may actually be a rich source of inspiration without this meaning that a complete “makeover” is necessary or that obsolete objects must be changed by new ones. He examines the city as an urban landscape filled with footprints and history and promotes a process where spectators not only observe but actually recognize themselves in these images. This process needs not to hide the signs of deterioration, what it requires is to give the weathered walls a new meaning (without forgetting the original purpose of each location) by accentuating or corrupting the decay, by renouncing to cover the walls entirely with paint and by opening each space to the effect of time and the elements.
Contemporary archeology
The concept of public art is understood as an alternative to the city’s growing process of uniformity and standardization. Adrian Jurado follows a process that combines the city’s history – common and recent – with ancient history, made up of accumulated eras. The artist’s expression and inspiration comes from the city’s and its inhabitants’ unusual and unique characteristics and from the fact that “public art is by definition an art involving context and collaboration”, where the artist’s job (intrinsically related to each neighborhood) is to defend “its human dimension and to create a window to the city’s collective imagination”. *
Nathalie Sédou
Art Historian, University of Lille, France.
Traduction : Adriana Quiroz
Par Nathalie Sedou *
I première étape : Muralisme
Le désir de peinture chez Adrian Jurado (né à Mexico city à l'aube des 70’s) a été spontanément un désir de peindre “grand”! Formé à l’Académie de San Carlos (UNAM) et au sein de la fameuse école l’Esméralda (INBA) dans un pays marqué par le Muralisme, l’artiste s’est vite situé du côté de ceux qui voient la peinture comme l’expression d’un rapport au monde et un moyen de protestation. Il choisit délibérément d’approcher la peinture monumentale, fruit de l’engagement - nécessaire - de l’artiste. Très jeune il participe à la réalisation de peintures murales à la suite de commandes publiques. En 1993 il est invité par le comité belge d’Europalia Mexique avec le bout de réaliser une peinture murale dans la Maison d’la Amérique latine, et en vu des difficultés trouves au-delà des critères esthétiques il décide de rester à Bruxelles juste a réaliser ce lui ci, et entre temps il va suivre les cours de peinture monumental à l’Académie des Beaux-arts de Bruxelles.
Ses premières peintures, dans une recherche effrénée de la matière, montrent des corps situés dans un espace non défini, et s’inscrivent dans un discours principalement allégorique et symbolique, faisant référence aux maux générés par l’intolérance (expulsés du paradis), la guerre (une fresque par la paix, Mexique 1990), le poids de l’Histoire. Les personnages sont anguleux, souffrants, tordus jusqu’au démembrement Dans ces corps meurtris, même les courbes deviennent dures. Il donne aux gestes de la main une importance accrue: Crispées, écartelées ou menaçantes, elles sont signes d’autorité ou geste de douleur, refus, protection. L’incarnation viscérale des corps qui nous frappe au premier abord dans la peinture d’Adrian Jurado rend compte indirectement des images de destruction et de souffrance réelles du tremblement de terre à Mexico en septembre 85 ou de l’explosion de gaz de San Juanico.
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ll deuxième étape "S P E C T R U M"
En 1996 il est invite à Rostock Allemagne.la biennal international “Seinsichten aus Welten” (Entré des vues du monde) qui a pour objectif de faire travailler ensemble des artistes de divers horizons. C’est là que s’élabore Spectrum, une série de toiles de moyen format peint à l’acrylique qui marque une étape essentielle dans son travail.
Il s’en dégage un fort sens de la situation et une nouvelle représentation des figures (éviction de la chair), de même que s’impose le choix d’incorporer des éléments “étrangers” par le collage. Dans le tableau, une fois que l’environnement se constitue, que la composition est établie, il “découvre” des silhouettes et provoque la situation. L’ajout d’objets et de signes interviennent dans la phase ultime de l’œuvre, et c’est alors vraiment qu’elle fait sens, en même temps qu’elle deviendra ironique, énigmatique...
Par ses vertus narratives et son art de l’ellipse, il donne la sensation au spectateur observant ses tableaux que quelque chose est sur le point de se passer ou s’est passé; le spectateur est arrivé trop tôt ou trop tard; tous les éléments ne lui sont pas communiqués, alors il complète, subodorre, imagine.
Cet univers pictural s’articule essentiellement autour de 2 axes. D’une part, il tend à montrer des situations de domination imposées par la force ou mises à mal, provoquant des manifestations de violence, de tension ou de résistance, où le sujet peint devient l’expression d’une contestation et d’une remise en question de l’autorité ( la lettre avec sang s'apprend, le dernier dîner). D’autre part il pose un regard presque désabusé sur le quotidien en le montrant sous un angle sordide et écrasant ( la dernière et nous partons, jusqu'à ce que la mort nous sépare) et incluant des signes par le collage qui dénonce une logique de consommation ("hasta agotar existencias"-jusqu'à épuiser des stocks- la dernière mode) Cela crée une “géographie” toute particulière puisque ces deux visions s’interpénètrent, nuancent le propos et montrent les effets des rapports de domination au quotidien, dans ses implications économiques, sociales, humaines, sexuelles.
L’avancée la plus prodigieuse dans son travail tient à la façon dont il s’est mesuré avec un possible «représentation » du temps. Auparavant, son ardeur à revendiquer la notion d’art public et la nécessité de se confronter à l’immensité de la surface à peindre avait maintenu Adrian dans un registre fortement lié au Muralisme: celui du temps historique. L’artiste situait ses protagonistes dans un cadre évènementiel, les plongeait dans les tourments de l’Histoire en faisant référence à des époques précises (la période préhispanique et la conquête, la domination américaine, la guerre du Golfe... .) Or, dès Spectrum, il développe un autre registre du temps: celui là comme expérience de la durée. Il joue à recréer une sensation de temps qui s’étire ou se condense, à user de ses manifestations mentales (réminiscences, évocation des morts), et s’intéresse à la notion d’usure, en cherchant à la traduire par des signes dont le référent n’échappe pas au spectateur: désagrégation de la matière, rouille, désolation des lieux, objets cassés et laissés à l’abandon, toiles d’araignées, ruines. Pour cela, il retravaille la matière, reprend des stéréotypes, et emprunte inconsciemment des modes propres au cinéma (séquence, gros plan, ellipse... )
*Nathalie Sedou
(historienne de l'art par l'université de Lille) France
hay lugares (there are places)
en los que (where)
se acumula el (silence)
silencio (accumulates)
donde los cuerpos (where bodies)
y las vidas (and lives)
están ya sólo (are now only)
dibujadas (sketched)
en el polvo (in dust)
ahí los objetos (there the objects)
respiran (breath)
rumoran los recuerdos (the rumors of memories are heard)
se puede ver al pasado (the past can be seen)
con su tersa lengua (with its soft tongue)
tan larga (so long)
que da vuelta (that it turns)
en la mínima (in the smallest)
calle del presente (of today’s streets)
en esas cosas (within those things)
se registra el mundo (the world is recorded)
con un lenguaje ignoto (with an unknown language)
sólo visto e imaginado (only seen and imagined)
sillas con forma (chairs shaped)
de persona (as persons)
atrás de los juguetes (behind toys)
se divierten Las Risas (Laughter is having fun)
el llanto hace (and tears make it)
parecer (seem)
que la pelota (as if the ball)
ocupa más espacio (takes up more space)
en el espejo desfilan (in the mirror there is a parade)
las mujeres (of women)
el mutismo del vacío (the silence of emptiness)
y empiezan a mirarse (is starting to show)
tímidos los hombres (shy are the men)
maniquíes mutilados (mutilated mannequins)
mudos reyes del espacio (silent kings of space)
ropa acostumbrada (clothes that are accustomed)
a cuerpos que se han ido (to bodies that are gone)
en busca de otras modas (searching for new fashion trends)
libros maduros por el tiempo (books that have ripened through time)
a punto de ser comidos (about to be eaten)
por última ocasión (by the last time)
esto y más he visto (I have seen all of this and more)
esta tarde de junio (this afternoon in June)
piezas desordenadas (disordered pieces)
usadas raspadas envejecidas (used scraped aged)
que no aprenden aún a ser olvido (that have not yet learned how to be forgotten)
Aleyda Aguirre Rodríguez
Cinq filles couleur Pêche Titre original :
« Five Women Wearing the Same Dress » (Allen Ball 1993)
L’absente de tout bouquet : on ne voit jamais la mariée dans la pièce, mais on vient observer « les insolentes bridesmaids », toutes habillées façon meringues roses, selon le vœu de la mariée. Quant au marié, on n’en parle même pas ! symptomatique?
Cinq demoiselles « d’honneur » qui lèvent cyniquement le voile sur l’envers du décor. Cinq « demoiselles »…qui n’ont rien de jeunes vierges effarouchées. Elles devraient sortir d’une bonbonnière, et être toutes pareillement coiffées, pomponnées et habillées, ainsi le veut la coutume en Amérique. Mais la livrée est trash et chacune décline à sa façon des traits de costume et de caractère, hors du commun. Le froufrou du tutu de fluo rose criant est piétiné par le vécu des cinq grâces, qui à l’occasion de la mascarade de ce mariage délirant, se lâchent comme elles ne l’ont jamais fait.
Elles boivent, elles fument et elles causent ! Confidences détonantes et hilarité en continu, vocabulaire cru fait pour choquer, langage corporel outrancier, la critique de la société néo-libérale éclate dans toute sa violence. Le ton est corrosif, on nage dans l’acide. On ne peut pas être indifférent.
Margaret, la sœur de la mariée, coiffée punk blond oxygéné, attachante, est vraie sur toute la ligne. Toutes griffes dehors elle pourfend l’institution, l’establishment et les parents débiles, et surtout la mascarade de la cérémonie et de l’après-cérémonie. Sous des dehors de battante, elle est toute fragilité et insécurité!
Georgia the gorgeous, ronde et crépitant d’humour, l’esprit et le corps en pulpe. Pourquoi a-t-elle accepté de devenir demoiselle d’honneur d’une mariée qui lui a raflé in illo tempore son Don Juan, l’incomparable sex-symbol, Tommy Valentine, qui se les est toutes « faites »? De dépit, elle a épousé le roi des « larves ». Elle joue divinement bien !
Frances : La cousine de la mariée. « Je ne fume pas, je ne bois pas, je ne couche pas, je suis chrétienne »….et tous les autres poncifs à la clé. Une caricature exquise de la naïveté et de l’innocence. C’est elle bien sûr qui gagnera le bouquet de la mariée !
Julia, « élue Reine de la mauvaise réputation ». Solitaire en diable malgré le nombre incalculable d’amants qu’elle a collectionnés. Les parents lui reprochent son influence néfaste sur la mariée, elle se réfugie dans le plaisir de la manipulation et de l’observation, jusqu’à la dernière scène où …(chut !!!)
Brenda: la sœur grande et maigre du marié. Malgré les lunettes démesurées son corps ingrat se cogne partout. Ugly Duckling, elle est devenue lesbienne, et peut se gorger d’appetizers à l’infini, sans gagner un gramme. Quelle injustice !
La panoplie des maux de notre siècle est présentée en éventail. Rien ne manque. Le rythme et le décor sont débridés, le ballet presque macabre. On perçoit des références très lisibles au très beau film du même auteur, « American Beauty » avec l’utilisation d’une petite caméra vidéo qui filme les mouvements des « Barbies ». Ils sont projetés sur une dizaine d’écrans ayant remplacé depuis longtemps les livres sur les étagères de l’immense bibliothèque de cette chambre où elles se sont réfugiées pour fuir le mariage. On a même droit à une séquence purement nombrilique, au propre et au figuré, c’est dire si l’altruisme a peu voix au chapitre! La mise-en-scène de leur déshabillage mental est très audacieuse et fait mouche. Toutes happées par les non-valeurs, l’encombrement de la société moderne et la perte de certitudes, elles volètent en tous sens, de façon erratique. Heureusement cette expérience impromptue leur fait découvrir les bienfaits du parler vrai et des liens d’amitié naissante, la seule chose qui surnage dans ce tas d’immondices.
Soif d’idéal couleur pêche? On finit par les aimer toutes …ces pécheresses! Toutes pèchent, à cause du monde moderne qui les broie. Sauf peut-être, Frances, accrochée aux vertus obsolètes de sa foi chrétienne. Et encore, celle-là ne pèche-t-elle pas par extrémisme religieux? Foule sentimentale, s’abstenir.
Sauf que le jeu des cinq actrices est tout simplement génial.
Dernier jour: au théâtre des Martyrs
avec
Julia (Valérie Bauchau)
Margaret (Stéphanie Blanchoud)
Georgia (Laura Vossen)
Frances (Sandy Duret)
Brenda (Karin Clercq)
Et Michelangelo Marchese
http://www.theatredesmartyrs.be/pages%20-%20saison/grande-salle/piece5.html
Bonjour ,
Pour info : il reste quelques places pour le stage qui débute le 25 Avril
en pays Bigouden ( Bretagne France )
Animation : Jean Claude Baumier http://jcbaumier.com
Renseignements : http://closdelandevallee.com
A bientôt..
Jean Claude Baumier
Des briques brunes, de l'autre côté du volet. Pas vraiment de rideaux, derrière les vitres des fenêtres carrées. Sous le soleil (et même sans ...), ça a son charme.
Ah ! Une ballade, en début d'après-midi, avec des amis !
Ah ! Je chante, ce soir, à la "Bwesse a Muxic", à Dampremy !
Et le soleil, qui s'intercale ...
Entretien avec Gilbert Hottois, docteur en philosophie
Un document de l'Académie royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique
Et si je m'étourdis dans le bruit
arrive à ne plus penser.
Si dans le calme de la nuit
je m'empêche de rêver.
Et si durant le jour
je vois ton indifférence,
j'ai mal dans mon amour,
pour toi quelle importance.
Et si je ris, chante et danse
m'entoure dans la joie,
ce n'est pas par offense,
mais pour oublier que tu t'en vas.
Je ressens et j’existe, moi,
Cette créature agissante,
Ne sachant même pas de quoi
Est faite son âme émouvante.
Moi, dépend d’un petit moteur,
Silencieux mais énergique,
Et aussi d’un ordinateur,
Tous deux de matière organique.
Qui anime l’ordinateur
Pour libérer l’intelligence?
Qui choisit ce à quoi je pense,
Suivant un mot inspirateur?
L’âme est d’une essence divine.
Nourrie de l’énergie du corps,
Elle active tous les ressorts.
Dans mon regard, je la devine
7 avril 2011
Depuis sa naissance, soit du 1er septembre 2009 au 7 avril 2011
Statistiques Goggle analytics
Je remercie tous les participants actifs du réseau, et plus particulièrement mes deux admninistratrices de groupes Deashelle et Claudine Boignet qui animent respectivement les groupes "Théâtre" et "Le regard pastel"
Robert Paul
Une anecdote.
Hier, je rentre de tournée.
Rentré au bureau, je rassemble les recommandés et les paquets non présentés.
Il est seize heures moins ... dix minutes. Ca va, je suis encore "relativ'ment" rentré dans les temps. Je vais scanner ces envois, avec la mention "absent".
Ensuite, je retournerai (eh oui), sur les lieux de ma tournée, y avait beaucoup de courrier aujourd'hui, y aurait pas eu moyen de toute façon de livrer tout (le courrier) d'une traite, c'est jeudi, c'est brusquement plein soleil (comme en été), c'est réjouissant (d'accord), mais quand on marche quatre kilomètres (eh oui, pas moins) en tournée par ce temps-là, on risquerait d'avoir le tournis si on presse le pas, j'avais donc décidé dès l'départ de faire le trajet en deux fois ...
Voilà que ...
En rassemblant, au bureau, un peu avant seize heures, les recommandés et les paquets non présentés ...
Je m'aperçois que ...
Il manque un paquet. Et pas des moindres. Un paquet qui était destiné à un client ... absent, un paquet que j'ai avisé, un paquet qui, en plus de la signature sur l'avis, nécessite un coût de dix euros. Je fouille deux, trois fois. Je ne le trouve nulle part.
Miracle : je suis calme, aujourd'hui. Miracle : j'ai bien récupéré, la nuit dernière. Je trouve la force d'aller le signaler aux responsables (de la poste), encore présents. En leur précisant que ... en repartant en tournée, je m'attarderai aux endroits précis où j'aurais pu égarer ce ... paquet déjà légendaire.
Seize heures.
Je repars donc sur les lieux de la tournée, comme prévu.
Je refais le trajet. Rue du Couloir, 20 (lieu où, en tournée, je recharge mon caddy) : le paquet ne s'y trouve pas. Rue des Champs Elysées, 18A (autre lieu où, en tournée, je recharge mon caddy) : le paquet ne se trouve pas au dessus des boîtes aux lettres (où j'aurais pu l'oublier, en rassemblant, y a quelques heures).
Je reprends la route.
Rue du Couvent.
Une dernière intuition me guide.
Rue du Couvent, 7
Entre deux roues de bagnole, je tombe nez-à-nez avec ... le fameux paquet.
Effectiv'ment, tout à l'heure, mon caddy (à trois étages) a basculé, carrément valsé par terre (trottoir irrégulier ?) et je me suis efforcé, sans broncher (quand le scénario "emmerdant" fait partie du voyage, on trouve des stratégies pour ne plus "trop" perdre le nord), de tout remettre en ordre.
Effectiv'ment, le fameux paquet, dans la lancée, s'était égaré plus loin que prévu. Et ... dans mon champ visuel, malgré toute ma bonne volonté, quelque chose m'a échappé.
Ca va, ça va, j'ai récupéré l'engin.
Musica Deuxième (Marguerite Duras)
Du 11 mars au 9 avril 2011, au THEATRE DE LA PLACE DES MARTYRS.
D'après Marguerite Duras. Mise en scène de Philippe Sireuil. Une femme. Un homme. Ils se sont aimés, ont formé un couple, se sont mariés pour faire "comme tout le monde". Le temps, ses affres et ses tentations ont suivi leurs pas, jusqu’à les perdre...
Deux comédiens suisses romands: L’une semble être une variante de Juliette Binoche ou de Fanny Ardant, l’autre de Michel Piccoli. Cela pose déjà les personnages et leurs affects. Après la liquidation de leur mariage cassé, voici leur ultime rencontre dans l'entre-deux d’une scène bi-frontale, sorte de couloir qui sépare deux assemblées d’yeux interrogateurs installés dans la pénombre formant une double toile de fond observatrice.
Eux deux sont enfermés dans une moustiquaire, entre une fenêtre aveugle à droite et une double porte d’hôtel de province vers le Rien, à gauche. Ou l'inverse pour les autres qui regardent aussi. Pas d'issue: ils sont pris au piège.
La lumière d’entre-deux est faiblarde: le twilight anglais. Leur amour dévorant aura été la relation la plus forte et la plus intense dans leur vie car ils sont maintenant exsangues, tous deux vidés de leur énergie vitale. De plus ils se sont tous deux rapprochés très dangereusement de la mort. Plus jamais ils ne renverront la lumière. Un constat pénible. Le public assiste impuissant à « cette rhétorique du désastre amoureux, au ballet des figures imposées de la désespérance ; à vivre, comme par effraction, cette joute ultime où il viendra sans être vu, comme un voyeur de hasard, ou un client de peepshow, pour mieux entendre ce qui se dit, mais aussi ce qui est tu ». Paroles de Philippe Sireuil, le metteur en scène.
Mots simples, texte poignant:
ELLE. - Et de toi, qu'est-ce que tu faisais de toi ?
LUI. - Je ne l'ai jamais su.
Silence. L’histoire des amants d'Évreux devient un fait-divers, une fiction.
ELLE, dit au public. - On avait renvoyé la femme de ménage. On avait honte de
nous, on avait peur qu’elle raconte dans la ville. Tout était sale, il n'y avait
rien à manger. On ne se parlait plus qu'en hurlant.
LUI, dit au public. - Un soir les voisins ont appelé la police. Ils voulaient nous
emmener au commissariat pour vous protéger de moi.
Ralentissement. Un temps.
ELLE, dit au public. - Après on n'a plus appelé les voisins. On ne les a plus
appelés.
LUI. - Après on n'a plus appelé personne. (Un temps.)
Après on est mort. (Un temps.)
On nous a trouvés morts. (Un temps.)
Ensemble. (Un temps.)
Par terre.
ELLE. - Oui.
Silence. Et puis soudain il crie bas. La figure dans les mains.
Sous les mains les yeux sont fermés, le visage reste détruit.
LUI. - Je veux une histoire avec toi.
Je veux ça.
Vivre avec toi.
Une histoire avec toi. Partir avec toi.
Enfermé avec toi dans une maison. Je veux ça.
C'est ça. Je veux ça.
Elle s'éloigne de lui, elle ne peut pas rester près de lui alors qu'il est dans cet
état. Et elle parle, pour parler, sans voix, de ces meubles du garde-meuble,
cette fausse donnée de l'histoire.
ELLE. - Pour … ces choses … du garde-meuble … à vrai dire je n'en ai plus
l'emploi … (Un temps.) Prenez les, vous … pour un jour vos enfants ?
Les corps et les visages sont plantés là, comme des personnages de scène funéraire égyptienne, de profil, avec la mort ou l’éternité rôdant partout. Une urne pour recueillir les cendres inutiles. Le dos-à-dos règne en maître, le regard de la femme se perd dans le vide, le « vous» poli enterre des pointes de «tu» et d’intimité. Las, on est impuissant à sauver les paramécies dans le bocal : car elles sont figées dans l’impuissance face au changement, l’absence d’idéal, la fragilité personnelle, l'incommunicabilité et la solitude, sauf cette ultime fois. Mais tout est inéluctablement consommé, dans l'intimité de leur théâtre. Seule la musique reste. Et l’obscurité.
Distribution : Avec Anne Martinet, Philippe Morand
Invitation au Mont des Arts : Joan Miró, peintre poète
Le saviez-vous ? « La peinture, c’est étudier la trace d’un petit caillou qui tombe sur la surface de l’eau, l’oiseau en vol, le soleil qui s’échappe vers la mer ou parmi les pins et les lauriers de la montagne." » Joan Miró
L’Espace culturel ING et les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, en collaboration avec la Fondation Miró de Barcelone, présentent une exposition de quelque 120 peintures, gravures, sculptures et dessins qui illustrent la prédominance du caractère poétique de la palette du peintre. L’accent est mis sur la production du peintre catalan à partir des dernières œuvres qu’il réalisa juste avant la Seconde Guerre mondiale et la célèbre série des Constellations exécutée durant la guerre.
Prélude
Assassiner la peinture : “J’ai pensé qu’il fallait dépasser la “chose plastique” pour atteindre la poésie… Vivre avec la dignité d’un poète.”
Quelques œuvres des années 20 démontrent l’abandon progressif de la référence à la réalité. Ainsi, la « Danseuse espagnole » de 1924, provenant des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique et « Le cheval de cirque » de 1927 appartenant au Musée d’Ixelles et restauré par ING témoignent de la transformation des figures en suggestions d’émotions et de sensations. Les pulsations visuelles et sonores se confondent. Ondes sonores du phonographe ou froufrous lestes de la robe de la danseuse? La voix est chaude. Une chevelure noire en forme de soleil. Une sorte de « M » en bas du tableau à gauche en contre-pied des trépidations de flamenco ? Olée ! La toile devient un champ poétique accroché au mouvement: les pointillés et l’éventail virevoltent vers l’infini. Et si le monde n’était que spectacle? Il le veut poésie pure.
Miro, que l’on prenait peut-être pour un bouffon farceur de la peinture, est épris de profondeur : il guette l’essentiel dans un grain de poussière. « Et que partout on trouve le soleil, un brin d’herbe, les spirales de la libellule.
Le courage consiste à rester chez soi, près de la nature qui ne tient aucun compte de nos désastres. Chaque grain de poussière possède une âme merveilleuse.
Mais pour la comprendre, il faut retrouver le sens religieux et magique des choses, celui des peuples primitifs… »
Nourri de littérature, fort de l’expérience du mouvement surréaliste, sensible à l’appel conjoint du primitif et de l’enfant, Miró va développer une œuvre faite de figures et de couleurs symboliques par lesquelles le monde se résume au bonheur de la poésie.
C’est son antidote pour conjurer tour à tour la douleur des événements tragiques de la guerre civile espagnole, les affres de la guerre mondiale qui se prépare et la vie de misère qu’il mène en exilé. Il s’efface pour chercher l’essentiel et agir sur le cœur et l’esprit de ses contemporains. La seule dignité est dans la poésie. Il exploite tout un répertoire de motifs récurrents qui devient une véritable écriture picturale. Elle est faite de femme…. d’oiseaux, serpents, escargots, araignées, cornes de taureau, échelles, yeux, soleils, lunes, étoiles, pictogrammes puisés dans l’immuable de la nature. Aucune forme n’est quelque chose d’abstrait ou d’innocent, elle est le signe de quelque chose. Boules, étoiles, lignes brisées, spires font partie d’une essence poétique et d’une quête de sens.
« La même démarche me fait chercher le bruit caché dans le silence, le mouvement dans l’immobilité ; la vie dans l’inanimé, l’infini dans le fini, des formes dans le vide, et moi-même dans l’anonymat»
Les couleurs primaires illustrent fortement la violence, le sang, la spiritualité, l’énergie vitale, la matérialité, la structure. Miro recherche le rayonnement qui existe dans les choses les plus humbles, la force d’âme primitive et fondatrice qui participe au Mythe. Comme on est loin de la bouffonnerie!
Le cheval de cirque 1927. Rien que pour vos yeux: « Ce qui compte, ce n’est pas une œuvre, mais la trajectoire de l’esprit durant la totalité de la vie. »
Comme en poésie
L’utilisation de techniques propres à la poésie, comme par exemple le déclenchement d’une peinture sur base d’un accident, d’une forme ou d’une texture, la libre association de motifs graphiques, en passant par le collage, joue un rôle important dans la genèse d’une série de ses peintures. L’influence de l’écriture automatique de ses amis poètes surréalistes qu’il côtoie à Paris, où il séjourne après avoir fui Barcelone, est très nette dans une série d’œuvres datant de 1933.
Désir d’évasion
À l’éclatement de la Seconde Guerre mondiale en 1939 Miró, installé à Varengeville-sur-Mer, commence à peindre la série de 23 petites gouaches : les « Constellations » qu’il éditera quelques années plus tard, accompagnée de textes d’André Breton.
...Personnages dans la nuit guides par les traces phosphorescentes des escargots …Le 13 l’échelle a frôlé le firmament …Femme à la blonde aisselle coiffant sa chevelure à la lueur des étoiles ...Femmes au bord d’un lac à la surface irisée par le passage d’un cygne …Le chant du rossignol à minuit et la pluie matinale
Cette série, qui prend sa source dans son amour de la musique est constituée comme une suite. Elle est une sorte de réseau de formes enchaînées les unes aux autres faisant le parallèle entre la représentation de la réalité extérieure du cosmos, et l’aspiration à une paix intérieure, sorte de mysticisme de l’infini. Les titres poèmes sont des pistes éloquentes. Ses motifs récurrents, spires, étoiles, soleils, yeux, échelles, araignées, dispersés sur un fond uni, symbole de la matière, traduisent un profond désir d’évasion et d’abandon du « moi » premier. Toucher à l’essentiel, avec un minimum de moyens. Découvrir le sens par l’architecture et la chorégraphie des couleurs et des formes.
Les séries « Archipel sauvage », 1970, et « L’espoir du navigateur », 1973, font également partie, avec d’autres toiles importantes rarement exposées, d’une série d’œuvres consacrée aux voyages, synonyme d’évasion du contingent vers les espaces infinis de l’esprit, ouvrant la voie vers l’espoir. Contraste avec la détresse du monde qui l’entoure. “Un tableau doit être comme des étincelles. Il faut qu’il éblouisse comme la beauté d’une femme ou d’un poème.”
À ce cycle thématique, on peut rattacher la passion de Miró pour la pureté et la force magique de l’art rupestre primitif, mais également l’essentiel et la force chromatique et symbolique des peintures romanes catalanes qu’il admire tant.
Peintre parlant
La passion de Miró pour la poésie le conduira à s’impliquer dans l’édition de livres pour bibliophiles. « Parler seul » de Tristan Tzara et « Á toute épreuve » de Paul Eluard, montrent combien le travail de l’artiste est personnel et complémentaire, à concevoir comme un accompagnement plus qu’une illustration. Miró marque son souci des rythmes, des tons et de la nature des vers. La couleur joue un rôle primordial.
En complément de ces éditions, une série de petites œuvres, également riches en couleurs des années ’70, illustre la couleur des rêves: la poésie par la couleur.
Poésies courtes, essentielles, aux tons simples qui tirent leur force dans les suggestions de la nature et de ses saisons, les haïkus illustrés par Miró développent, avec d’autres œuvres des années ’60-’70, la poésie par la ligne, quelle que soit la matière ou le support. « Cette simple ligne est la marque que j’ai conquis la liberté ! »
Le mythe de la femme
Enfin, cette exposition comporte des séries d’œuvres, entrecroisées chronologiquement, consacrées au mythe de la femme - évasion encore, et refuge, peut-être. C’est la Mère Nature et l’oiseau mythologique, symbole masculin. L’œil, on l’aura compris, représente le symbole féminin. Il s’agit de tableaux caractérisés par des couleurs vives, d’épais coups de pinceau, d’écrasantes traces de noir qui expriment la violence du cycle vital et de la nature. Femme et oiseau symbolisant l’ancrage à la terre et le désir d’évasion vers le ciel. Tout est à sa place ou tout s’écroule. Equilibre parfait : on ne peut ni ajouter ni soustraire une ligne ou un point, c’est le véritable génie de Miro.
Pour petits et grands
Afin d’explorer davantage le processus créatif de Miro, un atelier de découvertes artistiques est intégré dans l’exposition. Plusieurs stations de travail interactives, développées par l’asbl ART BASICS for CHILDREN sont mises en place et incitent les visiteurs, qu’ils soient enfants ou adultes, à se plonger dans la vie de Miró, ses lieux de résidence, ses sources d’inspiration, sa palette de couleurs, ses différents styles… Un livre de "Miróglyphes" reprend les pictogrammes utilisés par l’artiste à titre de métaphores. « L’atelier de rêves de Miró», équipé d’objets trouvés et de matériaux stimulants donnent la possibilité à chaque visiteur, seul ou accompagné d’un guide-animateur, de dessiner sa propre constellation, de peindre, de faire des collages, d’imprimer, de travailler la terre glaise et de réaliser une mosaïque murale… Le visiteur a également la possibilité de créer son propre "livre d’artiste" poétique, le tout visant à développer une sensibilisation qui se situe aux confins de l’art et de la vie.
Cette exposition est réalisée dans le cadre du projet « Un printemps surréaliste au Mont des Arts ». Plusieurs conférences seront organisées par Educateam, le service éducatif des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique,
à l´Espace culturel ING.
24.03.2011 > 19.06.2011 Joan Miró, peintre poète, Place Royale 6, 1000 Bruxelles
Soyez curieux: http://bongo.zoomin.tv/videoplayer/index.cfm?id=411946&mode=normal&quality=2&pid=lalibre
Que la fête de nos droits et de nos libertés continue
et qu’ils et qu’elles prennent la clarté,
à l’occasion de la journée internationale des femmes 2007
OMBR’ ELLE
As-tu demandé le prix du soleil
Au Roi Soleil
Toi que l’Ombr’elle couvre de dentelle
Ton regard sera fuyant
Et ton rire peu franc,
La réserve est de rigueur
Enfouis ton ardeur
As-tu demandé le prix du soleil
Au Roi Soleil
Toi que l’Ombr’elle couvre de dentelle
Coussin de privilège, territoire naturel,
Le monde se joue sous ton regard sans ton regard
Tu as entendu, sans ta voix :
« Ne déçois pas, il y a de la soie, efface-toi… »
As-tu demandé le prix du soleil
Au Roi Soleil
Toi que l’Ombr’elle couvre de dentelle
Piercing au nombril et faux cils,
Clair-obscur du futur,
Sur un fil tu te balades
Dans l’ombre tu parades
Théâtre d’ombres chinoises
Où objet et sujet s’entrecroisent
Sur la trame d’un drame qui nous gagne
Les droits et les lois ondoient…
Objet ou sujet - état latent -
En équilibre infirme s’attache à leurs pas
Bascule et sombre dans la trouée
D’un flou cultivé aux filaments dorés
As-tu demandé le prix du soleil
Au Roi Soleil
Toi que l’Ombr’elle couvre de dentelle
Funambules aux libertés contrefaites
Vos ombres en mouvement défient le temps.
Rester branchées, soirées paillettes,
Nuits cadencées, cages dorées, oubliettes
Cadran solaire, écrin caduc
Corps figés inondent les papiers de luxe.
Pavlov offre à ces pages glacées,
Brutalité cruelle, une vie éternelle
Sous ces coups de projecteurs
Qui mourront aux petites heures
Séducteurs nocturnes, fossoyeurs
Remplissent les fosses communes
Y glissent les Ombr’elles en pluie de dentelles
Tu es l’objet des Rois Soleils
Ose la clarté, quitte le nid
Ne te laisse pas noyer, reste à midi
Au rythme de l’océan, jette l’Ombr’elle
Qu’il l’avale, triomphale, et que du ressac
Éclate tes propres volcans, écume de liberté
Deviens l’empreinte de tes singularités
Ne demande plus le prix du soleil
Au Roi Soleil
Toi que l’Ombr’elle couvrait de dentelle
À cette amitié pleine de vie et de rires,
À toi ,Pascale P.d.R
Tendre Dendre
Miroitement d’un baiser volé
Volute glissée sur tes draps mouillés
Tendre Dendre l’entraîne souveraine
Voyeuse, complice de nos soupirs
Lèche une péniche voyageuse,
Mélodieuse trace à la sève juteuse.
Miroitements de nos lèvres vagabondes
Se fondent en habits de fête
Tendre Dendre abonde, solitaire
Module ses flots en arpèges
Accord parfait de nos pensées
Arborescence d’une vie cachée.
Miroitements de nos regards enjoués
Indiscrétion du voyage, délicat rodage
Tendre Dendre les prend en otages
Écheveaux de soies bleue, brune et verte
Vitraux plombés de nos fêlures – détails
Algues se confondent sur l’eau, lissent nos ombres
Larmes clandestines – perles noires
Sur toi timidement se sont couchées
Miroitement, tendre Dendre t’abandonne, vibrionne…
Rivière en crue hurle, brise le pont d’une péniche désaffectée
Cassure de nos secrets percés, éclats de nos baisers exécutés
Miroitements furtivement se sont retirés.
© Tous droits réservés sans l’accord de l’autrice – dépôt SABAM
Le cerveau n’en fait qu’à sa tête.
En vérité, heureusement,
À nous guider fidèlement,
À nous éclairer, il se prête.
Mais il advient, par accident,
Qu’il ne soit plus à notre écoute,
Une pensée qui le déroute
Peut le mobiliser longtemps.
Elle tourne ne rond et s’impose.
On se trouve à s’interroger,
Essayant de la déloger.
Pas moyen de prendre une pause.
Si un besoin l’a envahi,
Le cerveau veut le satisfaire,
Cherche le moyen de le faire,
Le comment devient un défi.
On comprend, se sentant otage,
La nécessité de savoir
Utiliser certains pouvoirs.
Ô l’avantage d’être sage!
6 avril 2011
