UNE DECOUVERTE D'ETIENNE DRIOTON
lien direct vers la page "Découverte de l'existence d'un théâtre à l'époque pharaonique"
http://baladeaumusee.e-monsite.com/…/drioton-et-le-theatre-…
Toutes les publications (93)
Trier par
Qui ne souffle mot sur ces branches ?
Je ne sais si, par la fenêtre,
le regard porté sur ces arbres les fera,
tout comme hier, toucher les étoiles.
Vois-tu, maintenant, le cœur chante sa complainte,
rempli d’illusions et d’espérances.
Nous serons invisibles.
Et l’écharpe d’une bourrasque apportera
les premiers flocons de l’hiver.
L’image est flottante, perchée en l’air
et éblouit bientôt nos yeux.
Sur un chemin, l’herbe et les jonquilles sauvages.
La fraîcheur d’un soir.
Julien Boulier le 28 février 2018
poème déposé Sacem code oeuvre 3435296411
« O douce soirée! Moment enchanteur! Mon âme enivrée renaît au bonheur! » Chaque année, une jeune et riche aristocratique nommée Angèle quitte le couvent pour se rendre à un bal masqué sous le couvert d’un «Domino noir». Horace est tombé amoureux d'elle, l’an dernier au bal de Noël donné par la Reine sa cousine, et il la retrouve aujourd’hui. Angèle porte bien son nom… « Qui je suis? Une fée, un bon ange qui partout suit vos pas, dont l'amitié jamais ne change, que l'on trahit sans qu'il se venge, et qui n'attend pas même, hélas un amour qu'on ne lui doit pas! » Tout l’art sera de faire tomber un à un les masques afin que les deux amants soient capables de s'unir.
Daniel-François-Esprit Auber a écrit de la musique sur un livret de Scribe qui est léger et brillant, Berlioz le décrivant comme "vivant et amusant, une de ses plus belles partitions". Avec Anne-Catherine Gillet et Cyrille Dubois dans les rôles principaux, nous avons été enchantés. Mais le reste de la production n’est pas moins scintillant. Un brillant François Rougier dans le rôle de Juliano, le compagnon d’Horace et Brigitte la suivante d’Angèle forment un duo jubilatoire mi-paon, mi-mimosa comme en témoignent leurs incroyables parures. Antoinette Dennefeld, tellement primesautière dans son air "Au réfectoire, à la prière" à l’acte III.
Beaucoup moins poétique et un peu lourdeau, ce faux accent anglais de Lord Elfort qui, gonflé de jalouse possession a laissé sa femme à l’hôtel et vient faire des ronds de jambe au bal masqué, déguisé en prétentieuse pintade/hérisson, grossissant ses plumes après chaque réplique ou couplet, en vertu de la ponctuation. Mais il faut bien que l’on se moque… Beau masque!
Dans un jeu d’aiguilles fantastiques, le temps s’emmêle et Angèle, ayant perdu son amie et fuyant le bal comme Cendrillon, se retrouve à jouer le rôle de servante Aragonaise auprès de la plantureuse Jacinthe, une ultra généreuse Marie Lenormand, gouvernante de Juliano le vieux garçon… Un morceau de choix, où courtisée par quarante gaillards, et contrefaisant un accent du terroir, elle leur tient la dragée… haute! Horace qui est arrivé, la reconnait… Quelle imposture et quel supplice! Se pourrait-il qu’elle ait la cuisse légère? Pour récupérer les clefs du couvent elle se présente en noir fantôme à Gil Perès (un drolatique Laurent Kubla), l’amoureux de Jacinthe et concierge du couvent, qu’elle terrorise… Encore une métamorphose réjouissante! Pire encore, la voilà devenue Abbesse surmontée d’une tiare en forme de tout Eiffel… à qui le jeune Horace confie ses peines de cœur, cette fois sans la reconnaître! Mais il suffira d’un coup d’ordonnance royale pour réordonner cette ludique et malicieuse Midsummer night’s dream à la française. Coup de chapeau à dame Ursule sous la voix bien timbrée de Sylvia Bergé.
Les décors, les costumes façon Boris Vian, et les mélanges techno / opéra de nos grands-parents ont de quoi faire rire et combler nos attentes d’univers féerique en Absurdie. Ce beau morceau de dépaysement lyrique et visuel est mis en scène par les metteurs en scène Valérie Lesort et Christian Hecq, l’homme de Nivelles qui habite à Paris et dont c’est la première mise en scène lyrique. Il est Sociétaire de la Comédie Française. Ensemble, ils déploient une belle verve dans la construction et un esprit de gaieté éblouissant!
Ainsi le théâtre caracole joyeusement , les comédiens-chanteurs sont engagés, la musique joue gaiement les quadrilles sous la baguette enjouée de Patrick Davin tandis que les portes mystérieuses du Bal et du couvent, s’ouvrent et se referment gracieusement et qu’un chapelet ininterrompu de voix charmeuses et cabotines, de timbres ravissants naviguent avec aisance sur une partition que l’on croyait oubliée. Qui donc pourrait prétendre que l’on n’entend que de la musique italienne à L’Opéra de Liège?
Une presse unanime!
https://www.forumopera.com/le-domino-noir-liege-0-de-matiere-grasse-100-de-plaisir
http://www.crescendo-magazine.be/retour-brillant-dun-chef-doeuvre-parfait/
Mes événements à venir … à vos agendas…
La galerie a le plaisir de vous inviter le
27 février de 18h 30 à 21h 30 pour sa 8e rencontre littéraire,
28 février de 18h 30 à 21h 30 pour son vernissage d’exposition,
17 et 18 mars de 11h 30 à 18h 30 pour son finissage d’exposition,
21 mars de 18h 30 à 21h 30 pour son vernissage d’exposition,
27 mars de 18h 30 à 21h 30 pour sa 9e rencontre littéraire,
21 avril de 11h 30 à 18h 30 pour son finissage d’exposition,
03 mai de 18h 30 à 22h 00 pour son vernissage de la nouvelle galerie,
26 mai de 18h 30 à 22h 00 pour la 6e fête de remise des recueils 2017,
29 mai de 18h 30 à 21h 30 pour sa 10e rencontre littéraire,
02 et 03 juin de 11h 30 à 18h 30 pour son finissage d’exposition,
07 juin de 18h 30 à 21h 30 pour son vernissage d’exposition,
26 juin de 18h 30 à 21h 30 pour sa 11e rencontre littéraires,
30 juin de 11h 30 à 18h 30 pour son finissage d’exposition,
Juillet et août vacances annuelles
Au plaisir de vous voir nombreux
Bien à vous,
Jerry Delfosse
Galeriste
Créateur et propriétaire de l’Espace Art Gallery
& Les Éditions d’Art EAG
GSM: 00.32.497. 577.120
eag.gallery@gmail.com
Il y a un peu plus de cent ans, le 27 septembre 1917, mourait le peintre Edgar Degas Si l’on retient volontiers de lui qu’il était “le peintre des danseuses”, sa carrière a en réalité été bien plus vaste, de la peinture à la sculpture, en passant par le dessin et la photographie.
C'est en visitant la fondation de l’Hermitage à Lausanne que j'ai eu l'idée d'une série de créations en hommage à Degas. En effet s'y tenait une exposition consacré au pastel qui est un médium fascinant à la croisée du dessin et de la peinture. Cette exposition rassemblait 150 chefs-d’œuvre de collections suisses publiques et privées. Offrant une véritable histoire de cette technique originale, la présentation traversait près de cinq siècles de création, des maîtres de la Renaissance aux artistes contemporains. De Degas, on pouvait y admirer entre autres les Danseuses au repos.
Cent ans après sa mort, l’artiste résiste à toutes les tentatives de classification de son œuvre.
Edgar Degas est l’homme des paradoxes; peintre par excellence de la vie contemporaine, des cafés et des salles de spectacle, il est passionné par la culture classique et la peinture ancienne qu’il collectionne avec talent. Lui qui incarne parfaitement la double modernité prônée par Baudelaire, celle du sujet et celle des moyens plastiques, est en même temps celui qui dessine patiemment en atelier des scènes que l’on dirait surprises par un appareil photographique. Mieux encore, l’artiste que le poète Paul Valéry évoquait dans son ouvrage Degas, danse, dessin affirme qu’il faut regarder la tradition pour mieux être moderne! Il fut toutefois l’un de ceux qui renouvelèrent le plus profondément la thématique de la peinture.
Il fréquente les cafés, où il fait la connaissance d’artistes comme Manet, figure emblématique de la modernité, Manet, qui joue un rôle d’initiateur, le pousse à se détourner de la peinture d’histoire aux références mythologiques ou religieuses pour se consacrer aux scènes de la vie contemporaine.
Ces années marquèrent l’explosion de l’impressionnisme. Degas participa à la première exposition du groupe en 1874 bien que fort éloigné de la poétique de ses amis en particulier leur goût pour la nature.
«L’ennui me gagne à contempler la nature. À vous, il faut la vie naturelle, et moi la vie factice», écrit le peintre, qui préfère les lieux clos des spectacles et des plaisirs, soumis aux éclairages artificiels. Ses rares scènes d’extérieur s’intéressent plus au mouvement rapide des chevaux qu'il capte en une lecture nouvelle et en traits rapides comme dans «à l'hippodrome»
Il se consacra exclusivement aux scènes d’intérieur rendues avec des cadrages de plus en plus novateurs (Le Bureau de coton à La Nouvelle-Orléans, 1873); le monde du théâtre, les chanteurs, les musiciens et les ballerines constituent des thèmes récurrents de sa peinture. Les danseuses sont saisies en pleine répétition étudiées comme purs effets de mouvement, devenant plus tard essence de couleur vive. Degas représente également des repasseuses (Deux Repasseuses, 1884), des modistes et tous les types de figures féminines. De ses études réalisées au pastel émane une poésie embuée : les plans colorés y sont de plus en plus saturés jusqu’à la fin de sa vie. Très graphique dans les années 1860, le style de Degas se distingue tout au long de sa carrière par une grande sûreté de mise en page et par des compositions aux espaces coupés ou décentrés de plus en plus originaux qui le situent dans la grande tradition classique.
En dépit de son appartenance au groupe du Café Guerbois, Degas demeura toujours un artiste figuratif. Condamnant néanmoins les sujets académiques, il s’intéressa de façon privilégiée aux loisirs de la haute bourgeoisie, notamment l’opéra et les courses de chevaux. Degas cependant rejoignant en cela l’approche du courant réaliste, était loin de rester indifférent aux problèmes sociaux. Le travail de ses repasseuses, baignant dans une atmosphère embuée et malsaine, est comme l’antithèse des scènes de fêtes de Renoir.
La modernité des peintres impressionnistes est évidente. Stimulés par la comparaison avec la photographie, ils essaient de trouver une solution alternative aux méthodes traditionnelles de représentation de la figure humaine au cours des siècles.
Edgar Degas se passionne pour la photographie, qui l’aide dans ses efforts pour «résumer la vie dans ses gestes essentiels». Le peintre n’hésite pas à désaxer le point de vue central, à fractionner le champ visuel, à laisser d’importants espaces vides, à montrer les sols, à tasser les formes, comme dans sa série de nus de femmes, un ensemble de pastels présentés en 1886 à la dernière exposition impressionniste, dont le plus emblématique –LeTub– montre une femme accroupie dans une bassine. Les figures nues occupent une place importante dans l’œuvre de Degas et reflètent son évolution stylistique, de ses premiers dessins de «nu idéalisé» aux représentations du corps beaucoup plus incarné et sexuel réalisés à la fin de sa vie. Inspiré par les décompositions photographiques du mouvement d’Eadweard Muybridge, le peintre va donner une vie au corps comme jamais cela n’a été fait auparavant. Son observation minutieuse du mouvement à travers la danse le distingue également des impressionnistes. Degas privilégie la vie quotidienne des danseuses, qu’elles soient sur scène, en coulisse lorsqu’elles se déshabillent ou pendant leurs répétitions. Il peint leur fatigue après l’effort, leur souffrance physique, et s’emploie à reproduire fidèlement leurs gestes. Avec L’Orchestre de l’Opéra , il signe une composition audacieuse grâce à une superposition de plans : au premier plan, la fosse des musiciens, au second, la scène avec des danseuses sans tête formant un tourbillon de jambes et de tutus.
Une grande partie des peintres impressionnistes consacre également ses toiles aux scènes de la vie moderne, avec un naturel et un réalisme immédiat. Ils reprennent dans ses œuvres les « scènes de genre », très répandues dans la peinture ancienne, même si on les considérait alors comme des œuvres mineures, presque à la limite entre l’art et l’artisanat, peu appréciées, parce qu’on les estimait d’un niveau culturel très bas et destinées à un public peu cultivé et raffiné. Dans les compositions de Degas, le geste le plus banal prend une particulière douceur poétique et une intimité familière d’une extraordinaire spontanéité. Nous sommes très loin des grandioses évocations historiques qui triomphent sur les murs des Salons.
Habitué assidu à l’Opéra, Degas nous fait respirer l’atmosphère toujours frénétique et chargé d’émotion qui précède la «première». À partir de 1871, les danseuses vont devenir les seuls personnages des tableaux de Degas pendant qu’elles s’entraînent dans la salle de répétition ou derrière les coulisses, tandis qu’elles se préparent pour son entrée en scène. Il nous transmet avec réalisme et naturel les gestes des jeunes filles, même les moins gracieux et les moins féminins, pour nous faire comprendre qu’elles sont comme toutes les autres jeunes filles et que la grâce et l’élégance que le public admire sont le fruit de longs et fastidieux entraînements. Degas est fasciné par le point de rencontre subtil du mouvement et de l’équilibre d’une danseuse sur les pointes. Il accentue leurs gestes et les souligne par des touches rapides. Sa façon de distribuer les couleurs du fond semble aussi créer une sorte de tourbillon autour d’elles, comme si notre perception visuelle était conditionnée par le tournoiement rapide de leurs bras et de leurs jambes, au point d’avoir l’impression que toute la salle se déplace.
Au fil des ans, Degas tend à abandonner les ambiances raffinées et élégantes et porte son attention sur le monde des humbles. Après le voyage à la Nouvelle-Orléans (1873) il commence à s’inspirer de la vie quotidienne et austère des lavandières, femmes de chambre et couturières dans des appartements modestes. L’exposition de 1874 qui se tient dans l’atelier de Nadar, marque l’apogée du mouvement impressionniste mais aussi la fin d’une saison de grande créativité pour certains maîtres. Après cette date, une nouvelle époque s’ouvre pour Degas. Dans le tableaux «L’absinthe», la désolation du café reflète l’absence de perspectives humaines pour la jeune femme désemparée, perdue dans une solitude et un néant qui semblent se répandre autour d’elle. il peint la solitude d’une femme devant un verre d’absinthe, prise dans l’étau de l’alcool. Le réalisme de la scène se trouve renforcé par un cadrage décentré qui donne l’impression au spectateur d’être assis, en face, à une table voisine. Après avoir écrit son roman L’Assommoir, Émile Zola avouera au peintre: «J’ai tout bonnement décrit, en plus d’un endroit dans mes pages, quelques-uns de vos tableaux.»Dans son étude du corps humain, il découvre la gestuelle des repasseuses, des femmes qui se coiffent, qui se lavent dans un tub. La touche de Degas devient rapide, presque sténographique, car sa vue commence à décliner. Enfin, quasiment aveugle, il se consacre définitivement à la sculpture sur argile et en bronze.
Degas est aussi sculpteur, avec plus de cent cinquante œuvres en cire ou en terre. Partagé entre féerie des costumes et situation sociale misérable des danseuses, l’artiste, guidé par sa recherche de l’essentiel, réalise des sculptures parfois incomprises du public. Ainsi, quand il présente au Salon des impressionnistes de 1881 la célèbre Petite danseuse de 14ans, dite aussi Grande danseuse habillée, les critiques s’offusquent devant cette œuvre au réalisme cru.
Quelques années avant sa mort, Degas est atteint, comme Monet, du plus grand malheur des peintres: la cécité. Le 25 septembre 1917, le poète Paul Valéry, apprenant le décès de son ami, déclare: «Le travail, peu à peu, lui devint impossible, et sa raison de vivre s’évanouit avant sa vie.» Edgar Degas laisse plus de deux mille tableaux. Bien qu’il s’en soit toujours défendu, l’artiste est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands créateurs de l’impressionnisme. Ses recherches sur la lumière et le mouvement, son rejet de la peinture d’histoire, ses cadrages novateurs inscrivent son œuvre dans la modernité. S’il n’a pas eu d’élève, Degas a fortement influencé les artistes de l’avant-garde, de Gauguin à Matisse et à Picasso, des Nabis aux expressionnistes allemands.
Je terminerai en citant ces mots qu’il adressait au marchand Ambroise Vollard : "J'ai passé toute ma vie à essayer".
À Jacques, Danièle et Michèle
Aujourd'hui mes pensées vont celle
Que jeune, j'appelais Marçou
Ô combien, il nous serait doux
D'être réunis auprès d'elle!
Nous ne pourrons pas la fêter,
Chanter joyeux anniversaire,
À sa santé, lever nos verres,
Ma grande soeur nous a quittés.
Elle était gaie, infatigable.
Relevait de constants défis.
Se chargeait de nombreux soucis.
Son dévouement fut remarquable.
Or par ses enfants cajolée,
Elle vieillit dans l'allégresse.
Ce jour doit être sans tristesse.
Il me paraît auréolé.
28 février 2018
En attendant
de revoir ce ruisseau,
de passer le gué
par le pas du japonais.
Quelques mots
flottent au vent.
Les idées, à l’improviste,
courent se cacher dans les arbres
puis sortent de leur chrysalide.
Musique et espace.
Gravité et apesanteur.
Les racines vers le sol
Et les branches vers le ciel.
Julien Boulier le 27 février 2018
poème déposé Sacem code oeuvre 3435251811
Sales, obscurs dans le noir, ce sont nos enfants.
Ils dorment à même le trottoir à tout vents,
Sous des cartons, leur maison, imaginons-nous
Devenus ce qu’ils sont, ce qu’ils pensent de nous…
Ces hommes bouffis de froid, même des femmes,
Honte suprême, des femmes dehors sans lit !
Et pour taire l’impatience de ce drame
Une boisson chaude au regard qui sourit !
Ils n’ont pas voulu ceux-là, c’est leur punition,
Pas voulu apprendre, se plier, marcher droit,
Faire comme les autres, aller au cinéma,
Mais défier le monde et soûler leur condition.
Ils n’ont pas voulu et toujours sans le vouloir,
Peu leur importe si, sales, obscurs dans le noir
Seront trouvés leurs cous raidis indifférents,
A l’aube quand poindra la rosée du printemps.
Il a remporté le concours Reine Elisabeth en 2013, il est maintenant en résidence à Flagey et ses liens avec la Belgique sont privilégiés. Il jouera ce soir son fameux 3e concerto pour piano de Prokofiev. Cela se passe à l’occasion des Piano Days à Flagey, un rendez-vous de l’avant printemps qui devient maintenant une tradition de 5 jours de festival où se succèdent grands pianistes de musique classique et de jazz mais également de jeunes virtuoses… Par élection, nous avions épinglé le concert du samedi soir, sachant qu’il y participait, avec au programme :
- Guillaume Connesson — Kadath & Le soleil couchant (2017)
- Igor Stravinsky — L’Oiseau de feu (suite) (version 1919)
- Sergei Prokofiev — Piano Concerto no. 3 in C, op. 26
Nous ne serons nullement déçus par l’exécution brillante, dense et corsée de l’opus de Guillaume Connesson sous la baguette follement imaginative de Stéphane Denève qui embarque les spectateurs dans un univers méphistophélique cuivré où se côtoient des plaintess d’âmes en détresse, un cité d’or perdue dans un désert où pleuvent des cascades de sons en forme de glaçons ou de sable, un éparpillement de voix confuses et des bourdonnements de vie domestique paisible, avalés par la fièvre subite d’assauts guerriers sur un rythme de sacre du Néant. Les mesures finales éblouissent dans de sombres ricanements. Voilà une puissante et fantastique introduction au conte de L’oiseau de feu créé par Stravinsky.
Quelques mots sur l’histoire d’Ivan Tsarévitch qui aperçoit un jour un oiseau fantastique fait d’or et de flammes. Il le poursuit et il réussit à lui arracher une de ses plumes scintillantes. Sa poursuite l’a mené jusque dans les domaines de Kachtcheï l’Immortel, une redoutable puissance qui s’empare de maints preux chevaliers pour les changer en pierre. Les filles de Kachtcheï et les treize princesses captives, intercèdent et s’efforcent de sauver le jeune homme. Par chance, l’Oiseau de feu survient et dissipe les sortilèges. Le château de Kachtcheï disparaît laissant les jeunes filles, les princesses, Ivan Tsarévitch et les chevaliers délivrés …s’emparer des précieuses pommes d’or du jardin. La version 1919 de Stravinsky débute par des murmures fantomatiques, des enlacements tendres et un festin de gloussements et de pépiements d’où émegent et fusent violons et flûte. Un climat de torpeur solaire s’installe avec la langueur des cordes et la harpe rêveuse encadrée par les flûtes. Stéphane Denève, tout comme dans l’exécution précédente, ordonne des frappes fantastiques, une parade de fracassements bercés par le battement élégant des violoncelles. L’expressivité aérienne du chef d’orchestre se transforme en pulsations et en vibrations intenses. Les sons claquent, la terre tremble. Ce qui semble être une apothéose spectaculaire se métamorphose en un filet de sonorités humbles, en courbes souriantes apaisées, illuminées d’or. La forme des plumes magiques? Le tempo est lent et majestueux, indolent presque imperceptible et se fond dans le chatoiement de la harpe. Ainsi se clôt la berceuse avant le final rutilant gorgé de vitalité et de couleurs. Le chef d’orchestre est flamboyant.
Et enfin, rencontre avec le musicien de nos rêves, un façonneur de beauté un architecte virtuose de la musicalité: Boris Giltburg que l’on écoute avec le Brussels Philaharmonic en troisième partie de programme, une apothéose. Boris Giltburg entre dans le jeu du concerto de Prokofiev, bondissant. Il roule des pointillés précis, tresse des notes incandescentes. Evoque des accès de tendresse et de rêve, enlace des torrents de cheveux d’anges puis se pet è construire de façon trépidante. Il a un tempérament de feu il catalyse des coulées de lave brûlante des éclaboussures sismiques des jaillissements de Stromboli en délire. L’orchestre propose un chant séculaire aux accents paisibles. Boris reprend au clavier, façon séraphique. La promenade se transforme en course d’obstacles franchis avec grâce, pour déployer un jeu de douceur et de rêverie lisse et lumineuse. A travers l’errance, des paysages s’évanouissent et la saveur de l’éphémère infuse. Encore une reprise de l’aventure paroxystique et un ralentissement subit et le reste est silence… Les spectateurs sont suspendus au temps.
La souplesse brillante de l’orchestre entoure les gouttes de bonheurs simples au clavier, leur humilité, leur délicatesse et l’écoute de L’Univers. Lorsque le pianiste reprend le thème ou le joue à l’unisson, c’est une véritable amplification poétique qui naît sous les doigts du magicien. Le clavier est devenu une divine monture, nimbée de voiles transparents et lumineux. L’aventure musicale, menée dans un train d’enfer à travers la poussière d’étoiles, est fougueuse, maîtrisée et impeccablement souveraine. Et le jeune virtuose reste, malgré les applaudissements et l’adoration du public, modeste et heureux de donner encore : deux bis où l’orchestre entier écoute et savoure, les yeux fermés deux interprétations à grande intensité émotive : deux Études-Tableaux de Rachmaninov op. 39 - no. 8 en ré mineur et no. 6 en la mineur.
Point ne suis
Monsieur, Madame et la boîte de petits pois,
Point ne suis
Avalanche de jeux cinématographiques
Point ne suis
Les chemins balisés
Point ne suis
Les tristesses amoncelées
Point ne suis
Les errances des âmes dupées
Point ne suis
Le mensonge des hypocrisies
Point ne suis
La princesse au petit pois
Point ne suis
Les jeunes années
Point ne suis
Les douces vallées
Point ne suis
Les hautes futaies
Point ne suis
La mathématique infinie
De lois physiques envahie
Digitale je suis
Boutant la plume enflammée
Aux impostures
Corsant le mot vibrant
De passion et de cœur
Dansant le silence
Pensant les nuages
Rêvant les mirages
Dormant les rêves...
Friande de couleurs,
Mâchant les pigments
A en mourir
Respirant en suivant
Les parfums de la vie,
Soufflant les graines
Légères comme le vent.
DH ELLE
Pantoum
Le ciel, d'un blanc bleuté, s'étend à l'infini.
La lumière suave émeut telle une grâce.
Ce jour sera heureux. Ma rue est un espace
Silencieux, sans faste, empli de poésie.
La lumière suave émeut, telle une grâce.
Maisonnettes et arbres existent en harmonie.
Silencieux, sans faste, empli de poésie,
Ce jour sera heureux. Mon âme s'y prélasse.
Maisonnettes et arbres existent en harmonie.
Des rayons lumineux font scintiller la glace.
Ce jour sera heureux, mon âme s'y prélasse.
L'air apporte l'écho d'une ample symphonie.
Des rayons lumineux font scintiller la glace.
Les arbres et leurs ombres parfois sont désunis.
L'air apporte l'écho d'une ample symphonie.
Mon amour de la vie, ardent, refait surface.
26 février 2018
En toi, le bateau a franchi l’espace. Il s’est ensuite amarré
à son arrivée aux lointains horizons de ton passé.
De jours en jours, en te penchant sur ces images resurgies,
tu as senti que tes yeux revoyaient à travers le temps.
Comme lorsque les mots traversent le livre et font revivre
les voyages de leurs auteurs, imaginaires ou réels.
Les rivières apparaissent, on les touche du bout des doigts.
Le soleil se lève et éclaire le paragraphe qui l’a fait apparaître.
Les films de vies antérieures te sont dévoilés au détour de ces pages.
Au gré des chemins, feuilletant de livres en livres,
films de mots, mots qui glissent sous le crayon.
Des lignes et des phrases. De longs cheveux dansant autour de silhouettes
qui reprennent vie à chaque nouvelle lecture.
Julien Boulier le 26 février 2018
poème déposé Sacem code oeuvre 3435185711
DH ELLE
Malgré la glace, l'eau vive,
Malgré le silence, la musique,
Malgré la graine déséchée, la plantule,
Malgré la rose jalouse, les blés,
Malgré le désert, les merveilleux nuages,
Malgré le cri, la mouette, la rébellion et la liberté.
En dépit de l'espoir, la foi dans le regard,
Les fleurs dans le vase sur la toile,
La présence contre l'absence.
Le mensonge de l'art comme breuvage,
La vérité dans le fruit inondé de lumière,
Et cet oiseau qui jamais ne se laisse prendre
Et ces couleurs si tristes qui se dissipent...
DH Elle
Certes la spécificité du Bodegón espagnol naît de la diversité : sans l’influence d’artistes de nos régions, comme Joachim Beuckelaer (ca. 1535–1575) et Jan Brueghel, et d’artistes italiens tels que Margherita Caffi ou Giuseppe Recco, la nature morte espagnole n’aurait tout simplement pas existé. On situe la naissance du genre en Espagne vers 1590–1600 dans le contexte tolédan, au moment où des artistes comme Caravage ou Bruegel l’Ancien faisaient des essais comparables en Italie et aux Pays-Bas. Voici la vie secrète des natures mortes …et leurs Métamorphoses silencieuses à travers 400 ans d’art en en Espagne.
L’exposition « Spanish Still Life » au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles s’est ouverte le 23 février 2018 et refermera ses portes le 27 mai 2018 avant de voyager ensuite vers Les Musei Reali à Turin. L’idée d’une exposition consacrée au genre de la nature morte en Espagne est née après le succès de l’exposition Zurbarán, maître de l’âge d’or espagnol, organisée par la Palais des Beaux-Arts (BOZAR) et la Fondazione Ferrara Arte en 2014. Cette exposition a pu voir le jour grâce à une intense collaboration avec d’autres musées européens, tels que le Museo Nacional del Prado à Madrid, le Centre Pompidou à Paris, le Museo Nacional de Arte Antiga à Lisbonne ou le Staatliche Museen à Berlin.
En ce qui concerne le titre choisi, il est intéressant d’apprécier la différence de vocables utilisés dans nos langues européennes pour caractériser cet art considéré par beaucoup comme « mineur » même s’il fut très apprécié par les amateurs d’art. Si on parle de "nature morte" en Français et en Italien, Still life en Anglais, Stillleben en Allemand, stilleven en Néerlandais... mettent l'accent sur la vie! Et l'espagnol se distingue en parlant de " los bodegones" un pluriel de "victuailles"… donc de vie.
Mais dès la première salle on est confronté avec l’intransigeante pureté du mysticisme ascétique espagnol qui remonte aux temps de sainte Thérèse d'Ávila, réformatrice de l'ordre du Carmel (1562 ) et de son compagnon spirituel Jean de la Croix, l'un des plus grands poètes du Siècle d'or espagnol. On pourrait même oser un parallélisme entre le mysticisme séculaire espagnol et la pensée du bouddhisme : où l'espoir d'une aurore lumineuse ne peut naître qu'après le dépouillement absolu, l’aventure dans le Rien (Nada).
Les objets ne sont plus partie d’un décor, ils sont devenus les protagonistes de la toile. Ainsi cette fenêtre noire sur laquelle se détachent quelques humbles légumes baignés de lumière dans le premier tableau de l’exposition, signé Juan Sánchez Cotán, artiste de Tolède (1560-1627). L’art du silence ? Ce tableau n’est pas sans évoquer La Nuit obscure qui est le lieu privilégié où l’âme peut faire son chemin vers Dieu. En 1603 il devient frère convers à la Chartreuse, menant une vie contemplative à l'écart du monde, dédiée à la prière d'intercession, d'adoration et de louange. Dieu a laissé la beauté aux objets de ce monde, comme les légumes avec lesquels on fait la soupe. La Beauté est faite pour être contemplée, comme la frugalité et l’intensité de cette toile… (Coing, chou, melon et concombre -vers 1602- Musée d'art de San Diego).
On se retrouve à Séville, dans l’ombre de Pacheco qui fut chargé par le saint Tribunal de l'Inquisition de « surveiller et visiter les peintures sacrées qui se trouvent dans les boutiques et lieux publics, et de les porter si besoin devant le tribunal de l'Inquisition » Nous voici devant une œuvre de Velasquez « Le Christ dans la maison de Marthe et Marie » qui décrit l’oppositions des nourritures spirituelles et terrestres. Quatre poissons rutilants, des éclats d’ail en train d’être épluchés… et le choix qui nous est offert!
Et pourtant, l’empreinte des cruautés de L’Inquisition depuis Torquemada, triste confesseur de la reine Isabelle de Castille et du roi Ferdinand II d’Aragon… et d’autres violences successives ne cessent de transparaître. Le sang et la mort. Cela se voit particulièrement dans la section du 18e siècle, alors que l’Europe des lumières explosait de toutes parts mais que l’Espagne subissait de lourdes guerres de succession et des conflits civils meurtriers. En 1814, L’Espagne est exsangue. Deux toiles de Goya, précurseur des avant-gardes picturales du xxe siècle, décrivent avec la modernité du geste expressionniste un dindon raide mort et ensanglanté et un plat de poissons pourrissants, des dorades bien mortes, pour symboliser toute l'horreur de la guerre et de la violence. On y retrouve la souffrance séculaire de l'Espagne : depuis son invasion par les Maures, depuis la tragédie de la liquidation de la communauté juive, et le salut illusoire qu'elle a cherché dans la religion en s'engouffrant dans l'Inquisition. Les guerres civiles quasi-permanentes, et les guerres de succession ont semé la souffrance. L'amour-haine avec les Portugais. Et sous silence: la mort portée outre-mer, et les richesses coloniales rapportées qui ont bâti sa splendeur.
Le parcours est donc chronologique à travers quatre siècles d’art en métamorphose. Certains tableaux comme les deux Zurbaran symbolisent la passion du Christ. Le Lys, la Rose, l’Oeillet … la grenade, le raisin ne sont pas choisis par hasard, ils ont valeur symbolique!
Juan Van de Hamen y Leon " Nature morte avec fruits et objets de verre" 1629
Francisco de Zurbaran "La vierge enfant endormie " 1655
Francisco de Zurbaran "Nature morte avec panier en osier et pommes"
Une grande section est consacrée aux « Vanités ». Du latin vanitas (« vide, futilité, frivolité, fausseté, jactance »), terme issu du Hébreux « Hevel » qui signifie littéralement « souffle léger, vapeur éphémère ». « הֲבֵל הֲבָלִים הַכֹּל הָֽבֶל » « Vanité des vanités, tout est vanité » Les désillusions du monde, l’inanité, la futilité de l’amour profane, de l’argent des bijoux, du pouvoir avec les couronnes et les sceptres, du plaisir, du jeu, des armes… face au triomphe de la mort ! L’occasion de méditer sur le passage éphémère de la vie et sa nature « vaine ». Ainsi ce prince à la peau si blanche, couvert d’un habit de dentelles « Il vient et il s’en va si vite »… est-il écrit, parmi les tiares, mitres, couronnes, les instruments de science, la beauté des fleurs et les gloires de la guerre!
Antonio de Pereda "Le songe du gentilhomme" vers 1640
Dans l'Allégorie de la Vanité, de Juan de Valdes Leal, les illusions de la vie temporelle et même du savoir, sont confrontées à la vérité de la vie éternelle - salut ou damnation -, un ange tourné vers le spectateur soulevant une tenture pour dévoiler un tableau représentant le Jugement dernier.
Pablo Picasso; "La casserole émaillée "1945
Joan Miro "Nature morte avec vielle chaussure" 1937
Ce cortège de chefs-d’œuvre, réunit les plus grands noms de l’histoire de la peinture universelle, de Velázquez à Picasso, en passant par Dalí. La nature morte au XXe siècle explose. Elle est multiforme, elle passe par l’art abstrait, la photographie, l’expressionnisme. Et toujours avec Miro, les douleurs de la guerre. Le dernier tableau de l'expo présente des agapes …surréalistes et presque palpables, que l’on vous laisse découvrir.
https://www.bozar.be/fr/activities/126682-spanish-still-life
Avec un peu de ces légendes,
vas-tu renaître de tes disparitions ?
Devenues invisibles, les lumières
de sa silhouette te hantent.
Oui, la naissance de pensées que l’on perçoit d’abord diffuses,
rapproche ton cœur de son âme.
Bientôt le jour reviendra où,
habillée en tenue d’été, cette sensation renaîtra,
comme une danse prolongée.
Pour l’heure, ce sont ces silhouettes qui vacillent
en contre-jour tout au bout des vagues,
Emmitoufflées,
dans ce froid soleil d’hiver.
Julien Boulier le 25 février 2018
poème déposé Sacem code oeuvre 3435152311
Les yeux fermés, je me réveille.
N'ai aucun souci de l'instant.
Silencieux, coule le temps.
Mon inertie reste pareille.
Soudain, de la douce lumière,
L'énergie venant lentement,
Me sort de l'engourdissement.
Lors je lève mes paupières.
Il a neigé pendant la nuit.
De nouveau sévit la froidure.
Mon indifférence perdure.
Rien ne me sauve de l'ennui.
Pourtant hier, exubérante,
J'avais préparé des couleurs.
Elles mènent en un ailleurs,
Parfois, je les entends qui chantent.
J'eus certes longtemps l'avantage
De prévoir et de décider.
Tout choix doit être validé,
Conçu au ghetto du vieil âge.
J'y vis sous ses lois détestables,
Régissant les métamorphoses
Des êtres vivants et des choses.
Certains y deviennent minables.
25 février 2018
Cher Robert Paul,
et les amis d'Arts et Lettres
Merci de soutenir ma demande de DONS SOLIDAIRE
pour que vive et prospère L'Oiseau Lyre !
Juste CLIQUER dans l'image pour entrer dedans
puis dans JE PARTICIPE en annonçant votre participation de don à partir de 20 E.
C'est un appel solidaire car nous en avons besoin !
Bienvenue sur cette cagnotte !Ici vous pouvez directement et en un clic, participer à cette cagnotte.* Chacun participe du montant qu'il souhaite.* Tous les paiement
LEETCHI.COM
Les phénomènes qui animent les tableaux imaginaires.
Beaucoup sont éclosion, soupirs, hivers et tressaillements de la pensée,
en suspens derrière l’écriture des mots.
Ceux qui brisent le cœur ou sont les naufrages du passé.
Loin devant les dernières volutes bleutées
d’un soir d’été ou ancrés dans le présent
d’un instant assoupi. Au ralenti,
sous une feuille tombée au sol ou observée en plein vol.
L’eau offerte, assoiffée de phrases mêlées,
choquée de les avoir entre ses yeux, devenue vent, terre, feu,
s’anime dans ton esprit au fil des découvertes,
petits films associés à tes pensées,
en regard des mots écrits sur la page.
Julien Boulier le 25 février 2018
poème déposé Sacem code oeuvre 3435138411
La côte sauvage confectionne sur ses épaules
d’ innombrables foulards de couleurs.
Belles envolées. Des journées en équilibre
sur ses lignes élancées, ses courbes suspendues.
Cette sensation de danser et de voler un peu avec elle.
Le très vieil arbre et ses jeunes pousses,
les anciennes forêts où l’on retourne s’abriter,
où l’on sort de l’ombre dans des clairières parsemées.
Rien que les rochers appuyés sur les dunes
et les bancs de sable.
Les brumes. Les soleils du matin.
Le vent et la musique des silencieuses étendues.
Julien Boulier le 25 février 2018
poème déposé Sacem code oeuvre 3435136411
Le temps où tu voyais
en te penchant sur ce tableau,
tous les âges de ta vie.
Ce temps où s’émerveille le regard
devant la splendeur sonore des parchemins.
Ton carnet se remplit,
face à la houle,
le miroir de ton visage enfoui en-dedans ;
Jamais il ne s’enfuit.
En un clin d’œil il resplendit,
traversant le corps et les éclairs de ta voix.
Intime. Prévoyant. Sous les nuages blancs.
Tu regardes ailleurs et il te rejoint.
Julien boulier le 24 février 2018
poème déposé Sacem code oeuvre 3435107911
