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« Belluaires et porchers » est un recueil de critiques littéraires de Léon Bloy (1846-1917), publiées à Paris dans divers journaux et revues (le Figaro, la Plume, Gil Blas, le Chat noir, etc.) entre 1884 et 1894, et en volume chez Stock en 1905.

Le génie propre de Léon Bloy était celui de la polémique; s'il a abordé les genres littéraires les plus variés, il n'est pas exagéré de soutenir qu'en tous il a fait passer son tempérament de polémiste violent et drôle. C'est spécialement vrai de la critique littéraire à laquelle il s'est consacré entre 1880 et 1895. L'essentiel de ses critiques a été réuni en deux volumes, les Propos d'un entrepreneur de démolitions (1883) et Belluaires et Porchers.

Les belluaires, rappelle l'Introduction, sont "faits pour dompter les monstres", les porchers "pour pâturer les bestiaux". Il ne s'agit donc plus ici, en principe, d'une pure et simple "entreprise de démolitions"; il y a des artistes courageux à sauver. Mais force est de reconnaître que dans la majorité des cas il s'agit d'éreintements féroces.

Le recueil comporte vingt-quatre chapitres, une Introduction et un Épilogue. Au centre ou presque, le chapitre 11, de beaucoup le plus long, reprend une plaquette publiée en 1889, Un brelan d'excommuniés, consacrée à trois admirations de Bloy: Barbey d'Aurevilly, Ernest Hello et Verlaine. La plupart des autres textes attaquent, non sans drôlerie, les gloires littéraires contemporaines: Goncourt, Paul Bourget, Barrès ou le critique Francisque Sarcey.

Y a-t-il une méthode critique de Léon Bloy? Il serait exagéré de l'avancer: lui-même d'ailleurs se défendait de vouloir être un critique. Son objet, beaucoup plus que les livres, est l'universelle médiocrité des hommes de lettres: leurs petites ambitions, leurs petites recettes. Toute la littérature contemporaine, à très peu d'exceptions près, lui paraît traduire une démission face aux exigences de l'écriture, et même à celles de la dignité humaine. Le reproche et la colère de Bloy sont donc beaucoup plus métaphysiques qu'esthétiques.

Ainsi s'explique la violence de cette "critique", le comique extraordinaire, les élans de haine incontrôlée contre d'anciens amis, comme Paul Bourget ("l'eunuque") et Joséphin Péladan ("Éloi ou le Fils des anges"), ou envers de grands artistes poursuivis d'invraisemblables sarcasmes: Flaubert, dont la Tentation de saint Antoine se nourrit de "la cavalerie danubienne des dictionnaires" ou Edmond de Goncourt, le malheureux vieux Goncourt, inlassablement insulté, "le vieux dindon", "l'idole des mouches"... Car tous réduisent la littérature à de belles phrases harmonieuses, et oublient le mystère dont les mots sont la manifestation.

A négliger cette dimension de la critique bloyenne, à n'y chercher que la verve et les couleurs d'un style toujours inventif, on serait choqué par bien de ses aspects aujourd'hui intolérables (mais répandus dans la presse de la fin du siècle): attaques ad hominem impitoyables, insinuations et ragots sur la vie privée... Tout cela est conforme aux journaux qui publiaient ces articles (Gil Blas ou le Chat noir), conforme aussi au génie douloureux de Bloy: là se trouve la source de quelques beaux articles lautadeurs sur son ami Ernest Hello ou du premier texte jamais consacré à Lautréamont, texte ébloui, enthousiaste, soigneusement placé en tête du volume.

La Nuit, le Poète et Moi,

 La nuit s’étend, calme et silencieuse,

Seulement troublée du scintillement

D’une myriade d’étoiles, joyeuses,

De montrer l’infini du firmament. 

La nuit enrobe, paisible, secrète,

La ville tapie sous ses couvertures

De brumes, elle respire et rêve, muette

Elle répare, du jour, les meurtrissures.

La nuit s’écoule, feutrée, mystérieuse

Seulement vécue par le poète,

Dans la petite chambre studieuse,

Elle l’aide à faire, des mots, la conquête. 

La nuit s’achève, lent ballet nocturne,

Des éléments, terre, eau, vie et vents.

Le sang de Ra empourpre la turne,

Rougi les heures affichées au cadran. 

La nuit douce se couche, lentement.

Du jour déjà, il perçoit les accents.

Son antre s’éclaire, reprend du volume

Moi, je vais me cacher, dans mes plumes. 

Artee Pee 

Neupré le 21/01/2011

Sorti de mes archives cette nature morte "still life" . Peinture daté de 1994 : collection Mme-Reymond. 

Vase tournoyant sur une table ronde..

le guéridon et vase 94x82 approximatif  1994  acry et matières diverses. Collection privée

 Faire tourner les verres, lever les tables.. Le supra-naturel me fait tourner la tête... Je suis encore sceptique pour le moins.. J'arrive à presque 60 ans et je n'ai pas encore eu l'occasion de constater ce phénomène..

Never too late..!

Baser une relation

En l’idéalisant

C’est ne faire attention

Qu’à nos caprices d’enfant.

Dans un tout premier temps,

On a tendance à voir

L’autre tout autrement.

C’est de l’effet miroir.

Au fil du temps qui passe,

Des heures vécues ensemble,

On découvre dans la glace

Que son image tremble.

Un petit défaut par ci,

Une manie par là,

Des habitudes aussi

Qui, souvent, ne plaisent pas.

On le voyait parfait,

Mais l’image qu’il reflète,

Ce n’est plus ce qu’on voulait.

L’humain se manifeste.

Il a ses opinions,

Il défend ses idées,

Il savoure ses passions

Et aime aussi rêver.

Espérer changer l’autre

Est une grande illusion

Qui n’atteindra pas l’autre

Car c’est hors de question.

Quoi qu’on dise, quoi qu’on fasse,

L’autre ne changera pas.

Il défendra, tenace,

Ce que nous ne voulons pas.

Inutile d’insister,

Toutes ces prises de bec

En vue de le changer

Sont vouées à l’échec.

Nous n’avons pas le droit

De vouloir façonner

L’autre comme on le voit.

Ce n’est pas ça « aimer ».

Ne serait-il pas temps

D’apprendre à accepter

L’autre si différent

Au lieu de l’accabler ?

C’est l’heure de prendre conscience

De ces cœurs qui se blessent.

Toutes ces différences

Peuvent être signes de richesses.

Si ce que l’on perçoit

Devient inacceptable,

Même si on le déçoit,

Qu’il trouve ça regrettable,

Passons notre chemin

Au lieu de s’entêter

À vouloir voir demain

Un autre transformé.

Beaucoup trop de moqueries

Détruisent l’être humain.

Bannissons les railleries

Et construisons demain.

Chaque humain est unique

Et croise sur son chemin

Des êtres magnétiques

Qui lui tendent la main.

20/01/2011

Expo : LA CONSCIENCE DU PAYSAGE. Phase 1 : LE NUCLEAIRE
Cécile Massart
04.02 > 27.03.2011

Vernissage 3 février 2011 à 18h30

CIVA hors les murs - Espace Architecture La Cambre Horta, ULB
19bis Place Flagey - 1050 Bruxelles
info@civa.be

Organisée par le CIVA en collaboration avec la Faculté d'Architecture La Cambre Horta, ULB.

Le questionnement de Cécile Massart, artiste plasticienne, sonde notre conscience. «Comment transmettre quelque chose qui nous dépasse et qui pourtant dépend de nos choix ?» Ce quelque chose est le résultat d’un siècle de production nucléaire. Cet aspect, guère édifiant, de notre patrimoine nucléaire, doit être assumé et transmis aux générations suivantes. Quelle politique  adopter pour l’avenir ? Cette question, essentielle, passionne Cécile Massart depuis plus de dix ans.

Notre siècle s’apprête à stocker les résidus du nucléaire. A l’avenir, ces résidus permettront d’identifier notre culture, nos modes de vie. Ils donneront aux générations futures des clés de lecture. Ils constituent en quelque sorte les «archives du futur».

La réflexion artistique de Cécile Massart interpelle. Quel patrimoine voulons-nous transmettre?
Quelle conscience peut-on avoir des dangers que notre production actuelle représente pour l’avenir ? Par son travail protéiforme, Cécile Massart touche, éveille et suscite la curiosité.  L’énergie pour emblème, notre siècle patauge quant au sort à réserver à cette volumineuse déchetterie. Ces sites, jusqu’ici couverts d’opprobre, pourraient à l’avenir être les lieux d’une réappropriation citoyenne grâce à l’expression artistique.

Grâce à l’image, l’artiste montre ces énormes ouvrages où gisent les déchets radioactifs. Ces sites ne doivent pas être camouflés ou recouverts sans être marqués pour les générations suivantes. L’œuvre réflexive de l’artiste se fait le porte-voix d’un « Non » universel au camouflage des sites.

Elle obtient les autorisations pour photographier ces sites à travers le monde.  Qu’ils soient nichés dans de vastes montagnes ou retirés dans des zones désertes, ils inspirent et stupéfient l’artiste. Prolifique, elle expose en divers endroits du monde et tente, par son regard, de sensibiliser chacun de nous. Elle invite les organismes de gestion des déchets à réfléchir aux moyens de signaler les sites. Ainsi, notre génération transmettra aux suivantes un héritage assumé. Par la photo, la gravure, la sérigraphie, les installations vidéo et l’étude de marqueur ou «archisculptures», elle offre des pistes de réflexion et pose un regard engagé sur les sites de déchets radioactifs. L’idée de réinvestir ces terres d’accueil est lancée. Un appel à la responsabilisation mais, surtout, naît ici un nouvel espace collectif pour la création contemporaine.

« Moha le fou, Moha le sage » est un roman de Tahar Ben Jelloun publié en 1978.

Le rapport médical est formel: "Ahmed R. est décédé d'un arrêt cardiaque [...]. Qu'importe les déclarations officielles. Un homme a été torturé." Il avait vingt-six ans et était accusé de "troubler l'ordre public". C'est la parole de cet homme que capte Moha la sagesse, la dérision. Suivi par tous les gamins, il est lui-même, malgré son grand âge, resté cet enfant dont le pouvoir est dans les mots. Témoin de trop de misères et de scandales pour se taire, il déambule dans une ville maudite par l'argent, le mensonge et la lâcheté. Aïcha, paysanne louée au patriarche à l'âge de douze ans, fait le ménage et ne parle jamais. De retour de son pèlerinage à La Mecque, le patriarche a rapporté des soieries, des diamants et Dada, l'esclave noire achetée au Soudan pour satisfaire ses désirs, muette elle aussi. Le maître venait à elle "comme un taureau furieux et prenait la femme en silence", mais Dada ensorcela le maître et le rendit fou. Moha parle aussi pour les enfants des bidonvilles, nés adultes, et qui à la mosquée rencontrent des fanatiques "armés de corans et de poignards". Moha est emprisonné parce qu'il déchire des billets de banque dans la rue. Reconnu fou, il est libéré, et va retrouver son ami Moché, le fou des juifs; ils croisent leurs souvenirs, leurs regards sur un monde malade. Puis il va rencontrer le directeur de la banque, qui hait la poésie et prône l'usage de la force. Le pays tout entier est dans le coma à l'exception des enfants et des fous. Moha hurle sur la place publique, une ambulance vient l'arrêter. Diagnostic du psychiatre: "Poursuit sa bouffée délirante, trouble évident de la personnalité, continuer l'électrochoc." Moha est enterré dans un trou du cimetière des pauvres, mais il continue de parler et bientôt sa tombe est envahie. Les autorités ferment le cimetière et concluent à l'inexistence de Moha, mais sa parole continue à circuler dans les rues, les mosquées. "Qu'importe ceux qui me poursuivent de leur hargne. Ma folie a fait des trous dans leurs certitudes."

Improprement appelée "roman", cette oeuvre intègre des procédés qui tiennent du théâtre, du reportage, de la poésie. L'écriture polyphonique se veut sans frontières, à l'image de cette parole souterraine qui s'insinue dans les consciences pour effriter les certitudes. Cette variété formelle s'accompagne, sous forme d'un apparent délire, d'un ton de provocation. En proclamant bien haut ce qui fut pudiquement tu, l'écriture de Tahar Ben Jelloun veut déranger. Sa fureur iconoclaste ne relève pourtant pas de ce que l'on nomme habituellement l'"engagement"; sinon d'un engagement contre la médiocrité, la torpeur et au service d'une "guérilla" menée à l'intérieur d'un système linguistique. Pour s'approprier une parole refusée, l'auteur fait donc imploser le langage pour faire surgir des signes nouveaux capables de dire des réalités hallucinantes, de décrire des blessures insupportables. L'écriture devient une arme de dénonciation.

Dans Moha le fou, Moha le sage, toutes les réclusions sont exposées au grand jour. Le texte cristallise toutes les révoltes et toutes les misères - à commencer par celle de la femme. Moha entend les cris de toutes les femmes emmurées, de toutes les femmes vouées au mutisme et à la peur, insatisfaites, labourées par des siècles de silence et de brutalité. Il encourage également à contester l'oppression qui s'appuie sur une interprétation tendancieuse du texte coranique: "Ils font dire ce qu'ils veulent au Livre." "Ils", ce sont les hommes dans leur avidité de pouvoir, et leurs victimes ont pour nom Aïcha ou Dada, murées dans un silence forcé. La religion est dénoncée comme rempart facile, sous couvert de fatalité, pour justifier tous les abus, toutes les exploitations, tous les mensonges. Nu devant les hommes et devant son époque, démuni de tout excepté de ses mots, Moha le justicier exerce sa conscience, sa lucidité et sa subtile ironie sur un monde assoupi et résigné qui célèbre le culte de l'argent et de la possession. Il prophétise à qui veut l'entendre le vent de la démence et de la décadence.

Ce texte est la pure expression d'un monde arabe où explosent les conflits, les violences mais aussi les aspirations. L'espace de la folie s'y instaure comme espace de liberté. Moha parle, pour lui et pour tous ceux qui n'ont pas de voix. Il parle de façon désordonnée, absurde, excessive, dénonçant ainsi la rhétorique du pouvoir. Au savoir scientifique du psychiatre qui l'examine, Moha oppose une expérience de trois siècles. A la certitude du médecin sur l'identité du sujet et la recherche de l'équilibre rationnel, il oppose sa diversité: "Je suis une ambiguïté et une confusion étonnée. Voilà ce que je suis: étonné." Moha pratique l'étonnement comme école de vie, comme méthode d'appréhension du monde. De cette distance naît une lucidité; cette lucidité amère, douloureuse, marginale et dérangeante que l'on appelle "folie".

Ainsi, Moha le fou, Moha le sage est avant tout un langage, forgé à même la langue française, qui tente de conquérir une liberté clandestine pour crier toutes les déchirures; mais aussi un appel à la lucidité et une plainte contre l'indifférence.

« L’homme » sont des chroniques et essais de l'écrivain italien Alberto Moravia, publiées en 1965. "L'homme, fin de l'homme", nous indique Moravia dans sa préface, est une défense de l' humanisme à un moment où l' anti-humanisme est en vogue." Une défense de l'humanisme, et en même temps une défense de la littérature, souligne l'auteur, puisque "la littérature est par nature même humaniste". C'est par ce biais qu'une certaine unité rayonnante est conférée à ce livre où sont réunies, à côté de l'essai intitulé "L' homme, fin de l'homme", des pages sur Pirandello, Pavese, Machiavel, Boccace, des notes sur le roman ainsi qu'une très longue étude sur "Les fiancés" de Manzoni: "Le livre le plus ambitieux et le plus complet qui ait été écrit sur la réalité italienne depuis "La divine comédie"." Ce qui a frappé Moravia, c'est que, dans la société moderne, l'homme est un monstre pour l'homme; l'homme est aliéné en ce sens qu'il n'est plus considéré par ses semblables comme une fin en soi mais comme un moyen. Le point de départ des réflexions de Moravia est donc le concept (marxiste) d' aliénation. L'homme du néo-capitalisme est si divisé, si esclave de ses produits de consommation qu'il n'est plus, à la limite, tous ressorts brisés, qu'un objet entre les objets. L'art lui-même est ravalé au rang de bien de consommation et ne traduit plus que l'aliénation de l'homme, c'est-à-dire "quelque chose qui est le contraire de la plénitude et de la durée". Le trait caractéristique du néo-capitalisme ce sera donc le fétichisme, l'anti-humanisme qui sous un travesti de prospérité et de confort ne fera qu'aviver notre sourd désespoir: "Et nous sentirons de plus en plus qu'au coeur de la prospérité, il y a le néant, autrement dit un fétiche qui, comme tous les fétiches, est une fin en soi-même et ne peut se mettre au service de l'homme." Ce que l'homme a fait pourtant, il pourra le défaire et de l'inhumain retrouver l'humain, c'est-à-dire, une dernière fois, et au prix d'un fantastique effort, réduire de nouveau le monde à la mesure humaine. En effet: "ce n'est que dans un monde fait à la mesure humaine que l'homme pourra recouvrer, par la contemplation, une idée de soi-même adéquate, qu'il pourra se proposer lui-même comme fin et cesser d'être un moyen".

« Histoires » [Geschichten]est une œuvre euvre de l'écrivain suisse d'expression allemande Robert Walser (1878-1956), publiée en 1914. Walser est l'un des plus grands écrivains de langue allemande de ce siècle. Il fut l'auteur préféré de Kafka, et Musil l'admira sans réserve; Hesse et Walter Benjamin également. Sa mort "littéraire" précéda de vingt-sept ans sa mort physique. En effet, à partir de 1929, Walser ne devait plus rien écrire, cependant qu'il séjournait dans divers hôpitaux psychiatriques. Les conversations de ses dernières années, recueillies par Carl Seeling, donnent à penser que la fuite du monde et une volonté de retraite comptaient pour beaucoup dans cette "aliénation".

Le Bernois Robert Walser partage avec les romantiques allemands un sens de l'ironie qui met constamment en question sa propre littérature et où voisinent la tendresse et la cruauté, avec la folie toute proche et, enfin, la "Wanderlust". Le vagabondage, les longs voyages à pied ont été pour Walser un besoin aussi constant que pour les "fainéants" d' Eichendorf. Du reste, l'un de ses meilleurs récits s'intitule "La promenade". C'est au cours d'une longue promenade dans la campagne, en plein hiver, que Walser trouve la mort, dans la neige.

"Il ne faut pas être trop paresseux", avait-il écrit jadis, dans ses esquisses, "ne pas craindre quelques centaines de pas, se lever tôt, se mettre debout et vagabonder. Alors l'oeil se rassasie, et le coeur, avide de liberté, respire enfin. Va donc vers le bon paysage enneigé qui te sourit comme une bouche amicale. Rends-lui son sourire et salue-le de ma part." Walser a écrit d'innombrables esquisses et saynètes idylliques et aimables où l'humour enjoué et capricieux, l'ironie plaisante voilant l'angoisse, la cruauté et la mélancolie s'expriment en un langage singulièrement enveloppant, côtoyant ironiquement le surréel, l'angoisse, la folie, la mort. Tout le génie de Walser se trouve dans la simplicité des contes, des poèmes en prose, des paraboles, des récits surtout dont les plus beaux reprennent un épisode de la vie de personnages, de poètes pour lesquels il se sentait une affinité: Hölderlin, Brentano, Lenau, Kleist. La simplicité voulue et atteinte n'a jamais caché, à qui sait observer, la profondeur de vue de ce narrateur qui, de son poste, a su peindre aussi bien la nature que la grande ville. Comptable, employé de librairie ou secrétaire, Walser a toujours vécu dans une pauvreté qui ne lui pesait pas. Avec une humilité, à la fois véritable et feinte, il a porté sur les situations familières le regard le plus étrange. Avant tout, c'est le rapport maître-serviteur ou maître-élève que mettent en scène ses trois grands romans et ses récits -voir "L'institut Benjamenta" et "L' employé". Il aime exalter la petitesse la dépendance, mais en réalité, c'est la domination et toute illusion de grandeur qu'il met en cause avec un mélange singulier de pitié fraternelle et de dur mépris. Il évite toute référence intellectuelle, et pourtant la trame de ses oeuvres est formée par quelques-uns des thèmes les plus profonds de notre époque. Lorsque Walser s'enthousiasme ou s'indigne, il ne perd jamais de vue que cela fait partie de l'acte d'écrire  et que ses sentiments sont montés sur "fil de fer". C'est ainsi par exemple que pour lui un pré est tantôt un objet véritable, tantôt un mot écrit sur une feuille de papier. Il imposera brusquement silence à ses "héros" et laissera parler l'histoire comme s'il s'agissait d'un personnage. Sur les "Histoires", Robert Musil devait écrire: "Danse de marionnettes, ironie romantique, avec quelque chose qui évoque de loin les poèmes de Morgenstern où les rapports s'écoulent par leur propre poids, le long des associations verbales. Pour Walser, l'association n'est d'ailleurs jamais purement verbale, elle a toujours un sens, de telle manière que la ligne du sentiment qui l'anime se soulève comme pour un grand élan, puis dévie et se reprend dans un balancement, satisfaite de se diriger vers quelque nouvelle séduction. Je n'irai pas jusqu'à dire que ce n'est pas un jeu, mais malgré une maîtrise verbale immense et passionnante, ce n'est pas un jeu littéraire; c'est plutôt un jeu humain mené avec beaucoup de douceur, de rêverie, de liberté, et avec la richesse morale d'une de ces journées apparemment inutiles et oiseuses où nos convictions les plus fermes se détendent..." En lisant ces "Histoires", nous pouvons observer l'importance que prend pour lui l'acte d'écrire; c'est là son principal thème. Nous constatons dans ce langage la juxtaposition d'une sobriété d'expression paysanne et de traits d'esprit étranges. Dès les premiers mots écrits, l'écrivain semble pris d'un désespoir qui permet toutes les audaces. Et chaque phrase se propose d'effacer la précédente. Il trace ainsi autour de lui un vide verbal. "Le sanglot est la mélodie cachée de la loquacité de Walser", écrit Walter Banjamin. Il trahit par là l'origine de ses amours: elles viennent bien de la folie, et de nulle part ailleurs. Ses personnages ont la folie comme toile de fond, et c'est pourquoi ils sont à la fois si superficiels et si déchirants, si inhumains, si impensables. Pour exprimer d'un mot ce que ses personnages ont à la fois d'heureux et de sinistre, on peut dire qu'ils sont tous guéris..." "Je suis épouvanté à l'idée que je pourrais avoir du succès dans la vie", dit Walser dans sa paraphrase d'un monologue schillérien. Tous ses héros ressentent cette épouvante. Mais pourquoi? Ils veulent jouir d'eux-mêmes, et nul ne jouit de son existence comme le convalescent. Les contes finissent par: "Et s'ils ne sont pas morts, ils sont encore en vie." Walser témoigne de cette vie-là, en même temps que de l'étrange vie intérieure de l'écriture. La tendresse chez lui est toujours aussi la conspiration de la peur et l'aménagement d'une humiliation acceptée dont il voudrait faire, sans en être capable, un lien mutuel. L'ironie qu'il domine et la folie qui le dominera le rattachent, autant que son style, à ce qu'on appelle l' expressionisme littéraire allemand. La naïveté walsérienne est un coup d'oeil jeté sur la civilisation. Sa tendresse, qui va jusqu'à l' enfantillage, s'accompagne de la vision lucide de cauchemars éveillés. Autant que Georg Trakl, Kafka a suscité trop d'exégètes, Walser trop peu. Il éclaire comme par hasard, et il obscurcit comme à dessein.

 Au cours de ce mois de janvier ...

C'est la période des étrennes. Quand on distribue du courrier, quand on est titulaire d'une tournée, eh bien on reçoit encore cette faveur.

Et si l'un ou l'autre vous tend, avec les meilleurs remerciements du monde, un charmant billet de banque, d'autres vous remercient autrement.

Y a deux ans, une cliente m'avait offert un livre désignant les maisons, égarées à Ixelles, Saint-Gilles (et autres communes de Bruxelles) où on y aperçoit un "sgraffith"

Pour ceux qui se demand'raient encore ce que ce nom signifie ...

Eh bien, il s'agit d'une gravure (artistique) incorporée, souvent, dans la façade d'une maison (au dessus de la porte, la plupart du temps).

Certains clients m'offrent, chaque année, une bouteille de vin.

Et ...

Justement, à propos des bouteilles de vin, un de mes clients, lundi dernier, m'a donné une précision. Il tenait, avec énormément de joie, à m'en parler, devinant que ça m'intéress'rait. Il s'agit d'un vin (blanc) de Savoie qui s'appelle "Apremont". Très beau nom.

Il existait, en fait, en Savoie, au 15ème (ou 16ème) siècle, deux villages, en Savoie, du nom de ... Abyme et Apremont. Brusquement, un jour, y a eu un gliss'ment de pierres (ou de terre, là je replonge dans la confusion). Les deux villages ont été engloutis. On ne les a, par la suite, jamais retrouvés. Sur l'herbe, qui avait poussé, au d'ssus, des vignerons ont eu l'idée (géniale) de planter des vignes.

On imagine la suite.

Les soumissions de projets pour le Fonds francophone des inforoutes dont la mission est de favoriser l’appropriation et l’usage des technologies dans les pays du Sud et d’Europe centrale et orientale peuvent être déposées jusqu’au 4 mars 2011.

Ayant pour objet la production multilatérale de contenus et/ou d’applications numériques francophones, les projets soumis au Fonds des inforoutes doivent impérativement s’inscrire dans l’un des domaines suivants : • promouvoir la langue française et la diversité culturelle et linguistique ; • promouvoir la paix, la démocratie et les droits de l’Homme ; • appuyer l’éducation, la formation, l’enseignement supérieur et la recherche ; • développer la coopération au service du développement durable et de la solidarité.

Conformément à la Déclaration du Sommet de Québec et à sa résolution sur la promotion de la langue française, le Fonds francophone des inforoutes accordera une place importante aux projets qui favorisent l’accessibilité et la visibilité des ressources numériques valorisant la langue française et son rayonnement.

Les projets portés par ou au bénéfice des femmes et/ou des jeunes sont encouragés et recevront une attention particulière.

Le choix des projets qui recevront une subvention à l’issue de ce 19e appel interviendra au cours de la deuxième semaine du mois de juillet 2011.

Pour améliorer la présence du français dans l’univers numérique et répondre aux besoins des pays en développement, l’Organisation internationale de la Francophonie soutient la production de contenus et d’applications numériques au moyen du Fonds francophone des inforoutes. Ce Fonds a pour mission de promouvoir les TIC dans les pays du Sud et d’Europe centrale et orientale en finançant, à la suite d’appels à projets, des initiatives multilatérales de production de contenus et applications francophones s’inscrivant dans les grandes orientations de la Francophonie.

Le Fonds francophone des inforoutes a financé 214 projets sur les 1773 reçus depuis 1998 avec une moyenne de subvention des projets d’environ 80 000 euros.

Documents à télécharger

Le catalogue informatisé est interrogeable sur les sites web du Mac's et de Grand-Hornu Images.