Ce roman publié en 1932 demeure certainement l'oeuvre la plus populaire de l'écrivain anglais Aldous Huxley (1894-1963). Il s'agit d'une utopie futuriste et pessimiste, qui évoque en l'an 2500 un monde uni gouverné par une oligarchie. Dieu devenu Notre Ford auquel on voue un culte puisque le monde est voué à la surproduction, à la surpopulation et à la surconsommation. La technique règne pour assurer la réalisation de la devise de l' Etat: "Communauté, Identité, Stabilité", toutes les ressources de la science sont mises en oeuvre. La génétique a progressé au point d'assurer la reproduction des citoyens dans des éprouvettes où chaque classe sociale est ainsi pré-conditionnée à son rôle futur. Une différence d'oxygénation produit des types Alpha, Béta, Gamma, etc. Jusqu'au Semi-avortons et avortons du prolétariat voués aux tâches répugnantes. Le processus de Bokanovsky permettant d'obtenir soixante jumeaux d'un même oeuf, les esclaves sont des sortes de robots mais n'ont pas conscience de leur esclavage. Le conditionnement du premier âge suscite l'horreur du beau et du gratuit, l'hypnodémie apprend à chacun le bonheur attaché à sa place dans la hiérarchie et tout le monde nage dans la joie. En cas de défaillance euphorique le "soma" est d'ailleurs à portée de la main. Les loisirs sont meublés par des voyages, des cérémonies religieuses et érotiques entre personnes stérilisées et stimulées au besoin par des pilules. La mort est remplacée par une vieillesse galopante et l' euthanasie suivie d'incinération. La littérature, la religion traditionnelle, la famille ont disparu tandis que parler d' amour ou de parents est de la dernière indécence. Tandis que le directeur-dictateur Mustapha Menier veille sur le Bonheur de Tous, la logique impeccable de cette vie absurde se détraque. Un peu de l'alcool réservé aux Gammas n'a-t-il pas été versé par erreur dans l'éprouvette d'un Alpha Plus? Bernard Marx,  ingénieur en hypnodémie, se révèle curieusement anormal: gêné par ses inférieurs, pris de désirs amoureux et de pudeurs étranges, il se pose des problèmes que le soma ne résout pas plus que la belle Lenina. On l'exile dans une île lointaine, en l'occurrence une réserve de "Primitifs" du Nouveau-Monde. Il en ramènera "un bon sauvage" qui distrait un instant la foule civilisée avant de connaître une fin désespérée et tragique. John Le Sauvage, c'est l'homme de notre siècle qui a lu Shakespeare, a des sentiments non conditionnés et connaît la souffrance. Devant le spectacle du bonheur imposé il choisit le mysticisme et la mort.

Tous les personnages de Huxley se heurtent-ils donc au monde sans faille de la médiocrité standardisée et n'y a-t-il aucune issue dans l' utopie de Ford? Apparemment pas. Marx, qui voudrait aimer, et Helmoltz, l' ingénieur en mécanique émotionnelle qui voudrait être écrivain sont exilés. John se suicide. Vingt ans avant la bombe atomique l'auteur dépasse, dans un style qui rappelle Voltaire et Anatole France les critiques que J.B. Priestley adressait à une Angleterre américanisée dans "English Journey". Au-delà du "1984" d' Orwell, il nous transporte dans un univers dont la vérité prémonitoire donne encore le frisson.

De nos jours l'évolution des Etats-Unis et la mise au point des techniques décrites dans "Le meilleur des mondes" rendent celui-ci moins invraisemblable, mais on vit en 1932 dans cette utopie de science-fiction une brillante invention teintée de pornographie plus que cet assemblage d' intelligence et de culture qui devinait les formes de notre futur. Le livre laisse pourtant une impression d'inachevé, de déséquilibre malgré le brio de sa critique; l' anarchie qu'il préconise n'est pas révolutionnaire, elle préconise une réforme des âmes plus que des structures et des institutions. Les solutions se perdent dans un mysticisme décevant. Dans la préface qu'il écrivit en 1946 pour "Le meilleur des mondes" dont un million d'exemplaires étaient alors vendus, Huxley ne préconise pas d'autres antidotes au "monde meilleur" que "la conquête de la liberté dans une non-violence stoïque" et "la décentralisation de la science appliquée et son utilisation, non comme une fin vers laquelle les hommes deviennent des moyens, mais comme le moyen de produire une race d'individus libres".

                             Surprise : grande réunion de famille à Lille le week-end dernier et plus de 15.000 visiteurs...

Quelle fête pour ses cent ans !  La  nouvelle édition du Lille pianos(s) festival fêtait ce  14 juin 2014 l’anniversaire d’une grande dame, Gisèle Casadesus, comédienne décorée  de prestigieuses  distinctions honorifiques qui, le matin  même du festival, recevait  la médaille d’or de la ville de Lille, capitale européenne en 2004. Elle est aussi la mère de quatre enfants. Son fils aîné est le chef d’Orchestre Jean-Claude Casadesus, nommé en 1976 directeur de l'Orchestre National de Lille (ONL) auquel il a consacré jusqu’à maintenant  l'essentiel de sa vie. Cette élégante dame a été suivie avec admiration à chaque étape du festival et  applaudie avec ferveur par une salle comble avec le bis offert par son fils - un vibrant Happy Birthday - lors du concert de 18 h le samedi 14 après la splendide et tragique interprétation par Abdel Rahman El Bacha de Gaspard de la nuit et  du  Concerto pour la main gauche de Ravel! Elle vient de publier ses souvenirs dans un livre intitulé « Cent ans c'est passé si vite ». « Revisitant les événements d’un siècle, des deux guerres mondiales aux nombreux bouleversements de société, cet abécédaire personnel raconte la comédie humaine et les coulisses de la scène, comme le destin d’une grande famille d’artistes. Sans jamais se départir d’un humour subtil, Gisèle Casadesus y dévoile son amour de la vie et de la famille, sa foi profonde et sa curiosité insatiable du monde. » Cheers!

Il faut rassurer les routards de la musique, la salle de concerts de l’Orchestre National de Lille, Le Nouveau Siècle, a ré-ouvert ses portes début janvier 2013, ayant été  intégralement rénovée afin d’offrir à son public une acoustique d’excellence internationale et une réverbération de qualité exceptionnelle.

 L’Orchestre national de Lille proposait cette année en commémoration de la Première Guerre Mondiale, un festival développant le thème de la "musique et guerre(s)". C’était l’occasion pour les visiteurs  d’aller écouter des œuvres  de compositeurs marqués par la guerre. Ainsi plusieurs concertos  écrits pour la main gauche pour le mécène Paul Wittgenstein, pianiste autrichien qui perdit son bras droit lors de la Première Guerre, ont été joués de manière particulièrement bouleversante. En plus du concerto pour la main gauche de Ravel, nous avons entendu deux œuvres fortes et expressives, les lumineuses  « Diversions » de Benjamin Britten  lors du concert d’ouverture et  celui de  l’américain Korngold lors du concert de clôture sous les doigts de Nicolas Stavy, chaque fois  sous la direction éclairée du très fédérateur chef américain Paul Polivnick. Le Concerto pour piano de Viktor Ullmann (mort gazé le 18 octobre 1944 à Auschwitz-Birkenau) joué  par une sulfureuse Nathalia Romanenko « con fuoco » et l'opéra pour enfants Brundibar de Hans Krasa  ont rejoint comme bien d'autre pièces évoquant le même thème tragique. 

Et tout au long du festival des œuvres phares du répertoire pianistique de Debussy, Prokofiev, Rachmaninov, Chopin, Beethoven, Bach... soulignent bien  la diversité du répertoire pianistique  programmé lors de ce festival.  Plus de 60 artistes dont 45 pianistes dans 13 lieux ces 13, 14 et 15 juin 2014 ont donc enthousiasmé un public  conquis qui eut bien du mal à choisir entre les pianos, concertos et artistes de renom comme Abdel Rahman El Bacha, on ne présente plus.   Entre autres : Marie Vermeulin jouait Aaron Copland et Olivier Messiaen, Jean-Philippe Collard Chopin, Florent Boffard combinait les grammaires musicales de Bach et Schönberg et l’ardent François-Frédéric Guy revisitait Le Livre 2 des  Préludes de Debussy et la Sonate opus 111 de  Beethoven.

On gardera du  magnifique récital de ce Frédéric Guy le souvenir phosphorescent de ses fées, d’Ondine fragile et exaltée et de  son feu d’artifice  ainsi que celui de son regard transfiguré par l’émotion et concentré à l’extrême dans la sonate de Beethoven avec des jeux de clairs obscurs extraordinaires d’humilité. Voilà un homme qui construit des digues pour cultiver la musique. Chaque note semble être recueillie comme une eau précieuse, avec une reconnaissance infinie, comme si derrière il y avait une présence infinie. Le temps et ralenti et savouré, la salle est complètement absorbée et entraînée dans l’amplification progressive du dernier mouvement.  

Dans un tout autre registre, très ludique et populaire, voici un festival d’improvisation  et un  pari réussi pour l’aventure de la Battle musique sans battle-dress en 12 rounds  des pianistes Auxane Cartigny et Simon Fache où des milliers d’internautes commentaient en direct le concert à coup de tweets.  Amusez-vous : on peut revoir la performance en streaming sur www.onlille-playagain.org. 

Un parcours trop rapide  de découverte du Vieux Lille nous  a menés le  samedi matin à notre premier rendez-vous dès 10 h avec le très intéressant récital commenté de Florent Boffard  au Conservatoire de Lille,  enchaîné aussitôt après avec « les sonates de guerre » du pianiste ukrainien,  Igor

Tchetuev au  Théâtre du Nord.  Ce dernier nous a interprété la Sonate n°12 « Marche

funèbre » de  Beethoven, la Barcarolle en fa dièse majeur de  Chopin et la Sonate n°9 de 

Prokofiev que l’on dirait du cru du pianiste tant elle est convainquante et richement élaborée.  Là

aussi l’émotion  est forte et la qualité musicale hors pair au rendez-vous.

Sandwich en main, les mélophiles se seront précipités à partir de midi pour entendre les cartes blanches de jeunes pianistes à la gare Saint-Sauveur à moins qu’ils n’aient préféré les Archives Départementales inaugurées la veille.  Au Nouveau Siècle,  c’est le  spectacle jeune public (Brundibar) qui a battu son plein dans l’auditorium après la  très émouvante conférence sur  «  La musique contre la barbarie » de  Marek Halter à la salle Québec consacrée à Terezin le  camp "modèle" organisé par les nazis afin de tromper les observateurs de la croix Rouge et dont les occupants furent envoyés à Auschwitz  à l’arrivée des gardes rouges.  On se souvient tout à coup avec effroi de la pièce de l’auteur espagnol Juan Mayorga  Himmelweg ou le chemin du ciel, du nom que l'on donnait aux rampes menant des trains aux fours crématoires. Marek Halter  est l’auteur de « La mémoire d’Abraham » (Laffont) un livre qui retrace l’histoire de sa famille et celle d’un peuple débutant en l’an 70 jusqu’à nos jours… Il n’a pas manqué d’évoquer lors de sa conférence le récent massacre du Musée Juif à Bruxelles.

Le dimanche matin a rassemblé une foule heureuse de parents et d’enfants amoureux de Pierre et le loup, un Prokofiev  revisité par The Amazing Keystone Big Band avec  Denis

Podalydès et Leslie Menu, les récitants enjoués.

...Imaginez l’oiseau en flûte traversière et trompette avec sourdine, le canard en saxo-soprano, le chat en saxo ténor, le grand-père en saxo baryton, le loup en trombones et tuba. Pierre est à la fois claviers, basse et guitare et les chasseurs,  l’orchestre Big Band. Ah on oubliait les fusils, la batterie bien sûr ! Orchestre et public scandent régulièrement avec les mains. Atmosphère de liesse.  C’est brillant, chaleureux, pulpeux et triomphant. Le canard encore vivant dans le ventre du loup glousse dans une lumière jaune citron. Et la foule quitte le grand auditorium à regret.  

 Après la performance de François-Frédéric Guy  en tout début d’après-midi, à l’heure de la sieste dominicale, c’est la vibrante passion incantatoire du pianiste français originaire de La Martinique Wilhem Latchoumia qui a réveillé les esprits dans la salle Québec. Son programme  caressant et drôle consacré à Debussy, Monpou, Satie et De Falla a subjugué les auditeurs. Souplesse et générosité. Des doigts impressionnants d’élasticité et de puissance. Un géant qui tour à tour titille les touches d’ivoire suggérant des traces ondoyantes de lumière ou leur livre une implacable bataille de frappe décidée. Le De Falla est une pièce pleine de blessures vives que le pianiste s’empresse de panser. Il joue à l’urgentiste et réveillerait des morts puis propose comme bis « La poupée de biscuit » rythmée et changeante de Villa Lobos.   On le retrouvera bientôt à Bruxelles lors du festival Musiq 3 où il a concocté un programme empreint de spiritualité avec Liszt, Bartók et Ligeti (Flagey, Studio 1 vendredi 27-06, 22h).

Soulignons ici la remarquable organisation sans fausses notes  de ce festival qui ne devient jamais un marathon épuisant mais une partie de plaisir aérée, où l’on a le temps d’applaudir et d’ovationner les artistes qui prennent le temps d’offrir de beaux bis très appréciés. On ne vit pas sous la crainte de se voir refuser l’entrée au concert suivant… Un livret-programme très détaillé et facile à consulter et le déroulement logistique impeccable du festival  –  as smooth as silk – contribuent au bonheur des visiteurs.  

 Le récital de Cyprien Katsaris dans le grand auditorium  a été un autre point fort du festival par son originalité et sa densité. Au cours de son voyage insolite dans le temps, il allie le brio pianistique à l’élégance et au souci de la transmission.  Lui aussi bientôt à Bruxelles…. Son coup d’envoi est une série de thèmes classiques dans la tradition de l’improvisation chère à Liszt ou à Chopin dans les concerts de salon.  Pour suivre : le Klavierstück n°2 de Schubert, l’une de ses pièces favorites. On balance entre nostalgie et vie vécue en accéléré… pour se retrouver à Thalès, dans l’antiquité grecque devant l’épitaphe de Dame Euterpe où se trouve gravée la plus ancienne mélodie occidentale … qu’il relie au premier prélude de JS Bach. L’être est musique rappelle-t-il, et la musique est une multiplicité d’inspirations de la Muse. Il la relie à la théorie des pythagoriciens qui considèrent que chaque corps céleste émet un son et l’ensemble constitue l’harmonie des sphères. Nous voilà projetés dans l’univers. La sublime berceuse de Chopin jouée peu avant sa mort est relayée par une pièce de Max Reger « Träume am Kamin » constituée elle aussi d’une basse obstinée et d’arabesques à la main droite d’une rare sérénité pour le contexte guerrier de l’époque… « Lament » de Frank Bridge complète l’image de l’impuissance civile en temps de guerre… Il s’agit d’une pièce dédiée à une petite fille, Catherine, qui voyageait sur le Lusitania torpillé  le 7 mai 1915… Poignant dans sa simplicité!  Puis voici St-Saëns avec « La Française » et  le prélude n°12 de Vierne : « Seul… ». La finale de ce magnifique récital où chacun se trouve engagé dans un climat d’écoute attentive est son arrangement remarquable pour piano seul du dernier mouvement de l’Empereur de Beethoven. C’est un message d’optimisme qui transparaît, celui-ci peut sauver le monde. Il faut cueillir les petits bonheurs et les moments de grâce où l’harmonie existe et vibre, appelant l’homme à retrouver le divin en lui.

La soirée de clôture voit Le Nouveau Siècle bondé,  pour se laisser guider une fois encore par  Paul Polvnick  pour découvrir  le robuste Concerto pour piano de Korngold  avec un

Nicolas Stavy passionnel et héroïque, ahurissant de bravoure ...et vivre la magie du  Concerto pour piano n°2 de Rachmaninov sous les doigts très inspirés

d’Andrei Korobeinikov au piano  avec  à nouveau   le mythique démiurge Jean-Claude

Casadesus à la direction. Cohésion, élégance, raffinement, précision. Et de toutes parts :  une  générosité parfaite pour célébrer le  langage commun à tous les peuples. 

http://www.onlille.com/

http://t.co/x6JhB5Zz7P

"Crocus"

Aquarelle 40x30

Le 12 juin , Brésil- Croatie

"Coucher de soleil printanier au beau Pays de Herve"

Aquarelle 50x40

Le 13 juin , Espagne-Pays-bas

"Digitales en sous-bois"

Aquarelle 40x30

Le 16 juin, Iran-Nigéria

A suivre.....

Maja y torero, 1838.

Joaquin Dominguez Bécquer.

Séville as-tu du coeur ?

Je vous le prouverai sur l'heure.

On peut bien sûr estimer ce mouvement comme un avatar, un crépuscule, une queue de comète. Costumbrismo post-romantique.

Ces peintres comme des suiveurs, des faiseurs, des petits maîtres. Costumbristas.

Peut-être...

Mais, mieux que des peintres de genre, mineurs, ils reflètent un caractère. Enlevé, bouillant, brillant, andalou.

Après le siècle d'or de la peinture espagnole au XVIIe siècle et l'Ecole de Séville (cf "Luz andaluz 1."), faisons un saut dans le temps pour traiter du romantisme andalou avec la peinture andalouse du dix-neuvième siècle.

Curieusement, bien que non Andalou, Mariano Fortuny Marsal (1838-1874) peut être considéré comme le plus célèbre représentant du romantisme andalou. Maître du style "précieux", précis comme un miniaturiste, sa touche de lumière met en relief le miroitement d'un bijou, le chatoiement d'une étoffe, la moindre arabesque d'un élément architectural. Un grand souci du détail qui collait au goût de l'époque, un style, un genre qui lui valurent un succès international.

Citons aussi Antonio Muñoz Degrain (1840-1924), "le chantre de Grenade". José Garcia Ramos (1852-1912), considéré comme l'archétype du caractère andalou. Manuel Cabral Bejaramo (1814-1884), paysagiste délicat, ou Gonzalo Bilbao ((1860-1938), au style marqué par l'impressionnisme.
Mais concentrons-nous maintenant sur la découverte des styles romantique, "précieux" et "fin-de-siècle", que l'on qualifie aussi parfois de costumbrismo, spécifiques à l'Andalousie.

Et Séville, son foyer, son épicentre, son coeur battant.

Deux purs romantiques d'abord, José et Joaquin Dominguez Bécquer :

José Dominguez Bécquer (1805-1841) et sa "Giralda", très inspirée du peintre anglais David Roberts.

La Giralda, vista desde la calle Placentines, 1836.

José Dominguez Bécquer.

Joaquin Dominguez Bécquer (1817-1879), frère du précédent, peintre au trait précis et exceptionnel coloriste.

Cita de paseo, 1841.

Joaquin Dominguez Bécquer.

Si on ajoute que Valeriano Dominguez Bécquer (1833-1870), leur neveu, fut aussi un grand peintre costumbrista, et qu'un autre de leurs frères (ils furent huit), Gustavo Adolfo (1836-1870), fut poète et écrivain, jugé comme le fondateur du lyrisme espagnol moderne et inspira le grand compositeur Albéniz, on peut bien parler d'une famille de génies.

Mais poursuivons notre tour d'horizon avec :

Angel Maria Cortellini Hernandez (1819-1887), et cette scène de taverne.

No mas vino, 1847.

Angel Maria Cortellini Hernandez.

Ou Rafael Benjumea (1825-1887)), pour une danse dans une auberge.

Baile en una venta, 1850.

Rafael Benjumea.

Et pour terminer, une singularité :

Alfred Dehodencq (1822-1882), un peintre français, mais oui, un "orientaliste" qui influença Renoir, pas moins !

Una confradia pasando por la calle Génova, Sevilla, 1851.

Alfred Dehodencq.

Alors tremblez, faites pénitence, car ce n'est pas fini !...

Michel Lansardière (texte et photos).

Discours d'inauguration de l'exposition, expliquant les différentes facettes de l'événement

ainsi que la démarche poursuivie dans le partage et la mise en valeur des talents.

 Quelques photos des salles et des rencontres !

Le partenariat avec Sandra Dulier

Les partenariats avec Sandra Dulier pour "Quintessence de la légèreté"

et Joelle Diehl pour "L'arbre de vie"

nous ne les verrons plus.

Le partenariat " L'hiver" avec Rebecca Terniak.

Le partenariat "Luminescence" avec Khadija Elhamrani.

Les aquarelles réalisée avec mes amies Adyne Gohy et Jacqueline Nanson,

le groupe des peintres en plein air de Wallonie.

Les aquarelles inspirées des photos de Christian Michaux.

Christian Michaux et moi-même.

Mon neveu Alexandre ayant écrit son premier recueil de poèmes inspirés.

"Le jeu du prince des sots et de mère sotte" est un Jeu théâtral comprenant cri, sottie, moralité et farce et en vers de Pierre Gringore (vers 1475-1538), créé le mardi gras 24 février 1512, et publié la même année.

La devise figurant au frontispice de l'ouvrage: «Tout par Raison; Raison par tout; Par tout Raison» invite le public à écouter sérieusement les Sots qui s'entretiennent joyeusement des affaires politiques de l'époque.

Le cri appelle tous les Sots à se rassembler. On apprend que le Prince des Sots doit tenir sa cour: débute alors une revue des états, à laquelle prennent part nobles, puis prélats, avant qu'apparaisse le peuple, sous les traits de Sotte Commune. Survient Mère Sotte, dont les vêtements symbolisent la papauté; elle expose ses ambitions. Ses acolytes, Sotte Fiance [confiance] et Sotte Occasion, ainsi qu'un astrologue, tâchent de gagner seigneurs et prélats à ses projets. Ceux-là résistent; ceux-ci sont séduits. Ils combattent entre eux jusqu'au moment où l'on découvre Mère Sotte sous le costume de l'Église.

La moralité met en présence Peuple français et Peuple italique, tous deux sommés par Punition divine de se convertir au plus vite et d'abandonner leurs démérites. Tant de réflexion appelait détente: telle est la charge assignée à Doublette, épouse insatisfaite qui préfère les services amoureux de Faire à ceux de Dire, car «dire sans faire, il n'est rien pire».

Comme dans la Chasse du Cerf des Cerfs (1510), Pierre Gringore fait l'apologie de la politique de Louis XII, monarque qui s'emploie à contrer les effets de l'ambition du pape Jules II. Mais le jeu renforce la satire de l'Église: légèreté du prélat qui «mieux se connaît à chasser / Qu'à dire matines», vente des pardons, arrivisme du clergé évoqué sous les traits de Sotte Occasion, ambitions temporelles d'une Église qui fait concurrence au pouvoir du Prince, telles sont les allusions qui font dire que «l'Église a de mauvais piliers». Le peuple, à qui l'on reconnaît un certain bon sens, notamment quand il attaque l'Église, n'est pas épargné dans la satire de Gringore: ses préoccupations matérielles qui lui font soupirer que «faute d'argent, c'est douleur non pareille», son indifférence quant aux questions d'intérêt national lui valent quelque réprobation dont la moralité se fait elle aussi l'écho. Politique, ce théâtre l'est à plus d'un titre: la satire est explicitement au service de l'éloge royal. Louis XII, «lequel se fait craindre, douter, connaître», ennemi de bigoterie, est seul gardien de l'ordre et de la paix. Cette justification valait peut-être d'être précisée en une conjoncture économique difficile que le jeu évoque à plusieurs reprises.

La tension entre les réalités de la vie du temps, rendues avec une certaine licence, et le double masque, que constituent le personnage du sot et l'univers carnavalesque, laissent entrevoir le statut ambigu du théâtre de Gringore, en cet automne du Moyen Age. Le propos sérieux se déploie dans la fête du jeu verbal en un bouquet de calembours, et ce, dans l'immédiate proximité des débordements grivois de la farce justifiés par le pouvoir seigneurial chargé de juger le cas de Doublette à qui son mari demande raison de ses fredaines. «Ce n'est que jeu»: telle est l'expression qui clôt la farce et peut bien renvoyer à l'ensemble de l'ouvrage. Une signature de Sot, qui, quand tout est dit et qu'il va quitter la scène, prétend n'avoir exprimé aucune vérité qui vaille.

Son prochain voyage sera féérique. La destination est fixée et les billets sont commandés. Un grand besoin de bouger et de revivre. Un voyage hors du temps, un circuit dans un pays lointain où tout est à voir, à visiter.

Ce voyage, déjà reporté, fait partie d’un rêve fait avec son ami qui a quitté ce monde. Un peu une promesse, un pèlerinage virtuel et une façon de lui rendre hommage et de parler de lui. Toutes ces années de silence sont maintenant derrière elle et malgré l'absence, son esprit n'oublie pas et reste en éveil avec celui qui a partagé son existence.

Toute une suite d'évènements cruels lui a laissé un goût amer. Une énorme blessure lui a taillé le cœur. La vie a pris un tour complètement déchanté dès que la nouvelle est arrivée. Les étapes de la maladie ont suivi sans surprise. Leur vie a néanmoins continué dans une certaine bonne humeur sans trop montrer l’inquiétude et elle a vécu en apparence sereine durant tout ce temps où la maladie les a accompagnés.

La vie a changé, elle est devenue plus profonde, plus concrète mais elle ne s'est pas arrêtée. Ils ont profité de chaque heure, chaque minute pour vivre, rire, sortir, voyager. Rien n’était assez beau pour combler le vide qui allait les submerger.  Profiter du moment présent, faire des petites choses importantes, des petits plaisirs qui devaient envahir pour toujours sa mémoire comme une preuve de vie.

Fabriquer, réaliser des souvenirs à la pelle, continuer à vivre et se battre malgré tout contre ce décompte du temps, ce tic tac infernal.
Ils ont voyagé et fait mille photos comme pour conjurer le sort, lui montrer que la vie ne s'arrête pas et qu'il sera toujours là malgré son départ. Les larmes étaient au rendez-vous souvent cachées. La peine de perdre quelqu’un de sa valeur et le chagrin aussi dissimulés comme quand on sait que quelqu'un va partir.

Attendre la déchirure, la fin d’une vie. Il faisait des projets qu’il savait qu’il ne tiendrait pas comme pour prolonger ce destin qu’il lui était difficile de quitter malgré tout. La peur s’est estompée et sereinement, il s’obstinait à la conseiller, à la mettre en garde, à la rassurer, à lui tenir la main comme à une enfant effrayée.

Ce voyage faisait partie de ceux qu’ils avaient décidé ensemble et qui lui tenait à cœur.
Un voyage décliné en circuit, d'étape en station, d'hôtel en auberge avec des étoiles, des soleils  dans les yeux.

Cet autre ultime voyage, qu’il a commencé sans elle, l’a laissée solitaire, abandonnée.   Depuis, dans son cœur, dans sa valise, elle emporte toujours son souvenir, agréable, chaleureux malgré l'absence.  La chaleur et sa tendre mémoire l’enrobent de douceur.

Librairie "Quartiers latins"

Place des Martyrs 14

1000 Bruxelles

L'affiche (Collection Robert Paul

La poésie de Max Elskamp brille comme un soleil voilé dans le ciel de la Belgique fin-de-siècle. Eclat des sonorités claires, musicales, aériennes. Vers taillés comme des comptines populaires, à murmurer à mi-voix. Depuis Villon, la langue française n’avait plus connu ni ce cristallin ni ce désespoir.

Plus de quatre-vingts ans après sa disparition, l’ombre mélancolique de l’ascète reclus dans sa grande demeure anversoise, aux murs austères, étrangement perméables pourtant aux peines laborieuses de la ville, à son souffle marin, à ses joies trop fragiles et ses trop gros chagrins continue de nous hanter, bien au-delà du drame qui le conduira à ces Effigies dans lesquelles le poète à la dérive fige la musicalité qui l’a fait vivre jusqu’alors (...).
Notre temps avide d’authenticité salvatrice sera-t-il plus clément au plus secret, au plus fragile des poètes belges de langue française ? Celui dont Julos Beaucarne fit percevoir toutes les potentialités. Celui qui se donne à voir et à entendre dans le cadre d’une librairie qu’il eût aimée.

De l’imagier épris des traditions à l’exilé éperdument humain, poète de l’infinie élévation dans le chant, l’exposition "Elskamp, enfin" espère faire toucher ce qui précisément, en ses œuvres, cherche à transcender la matière. Jusqu’au silence de la voix frappée par le déclin mental.

(Véronique Jago-Antoine et Marc Quaghebeur)

Le Vernissage fut donné le jeudi 17 janvier à 19 h, avec la présence exceptionnelle de Julos Beaucarne accompagné par le guitariste Patrick De Schuyter.

Max Elskamp sur le réseau arts et lettres

 An American Dream

Ce soir le Brussels Philharmonic est dans ses murs. Il réside  en effet à Bruxelles dans le Studio 4 du bâtiment Flagey, très réputé pour son acoustique.  Le tout commence par une joyeuse mise en époque : celle des Années Folles. Voici Ragtime de Stravinsky «Le jazz me donne de l’appétit » disait le compositeur.  « Une œuvre que j'avais composée immédiatement après avoir composé ma partition du soldat et qui, bien que de dimensions modestes, est significative par l'appétit que me donnait alors le jazz, jailli d'une façon si éclatante aussitôt la guerre finie. Sur ma demande, on m'avait envoyé toute une pile de cette musique qui m'enchanta par son côté réellement populaire et par la fraîcheur et la coupe encore inconnue de son mètre, langage musical révélant ostensiblement sa source nègre. Ces impressions me suggérèrent l'idée de tracer un portrait-type de cette nouvelle musique de danse et de lui donner l'importance d'un morceau de concert, comme autrefois les contemporains l'avaient fait pour le menuet, la valse, la mazurka, etc. Voilà ce qui me fit composer mon Ragtime pour onze instruments : instruments à vent, à cordes, percussion et un cymbalum hongrois » C’est l’époque du « Great Gatsby » où l’on souhaitait célébrer le retour de la prospérité après le carnage de la première guerre mondiale et oser le rêve de tous les possibles. Le rêve américain, en somme. Cette musique a un goût de fraîcheur et de spontanéité, les harmonies qui fusent déjà de l’orchestre sous la baguette de  Michel Tabachnik sont une promesse  du caractère rutilant  de la suite du concert.

Gershwin va suivre avec la splendide Rhapsodie in Blue que nous n’avions jamais entendue si modelée, si chatoyante. Une nonagénaire au teint bien juvénile.  Michel Tabachnik nous baigne dans une énergie et une vitalité qui tranchent sérieusement avec notre morosité post-moderne. Dès les premières mesures le spectateur européen ne peut que se mettre à rêver de grand large et même de la statue de la liberté qui se présente à l’aurore aux yeux éberlués d’un voyageur transatlantique. Magie de l’interprétation de Jean-Yves Thibaudet. Le dialogue du pianiste et de l’orchestre célèbre la liberté, la fantaisie et le génie du moment. La musique  semble composée sur place alors que tout le monde  en connait la mélodie, si pas les replis secrets. Des flots d’émotions joyeuses contrastent avec un climat de pure nostalgie, d’attachement à la nature, lieu privilégié de ressourcement. Il y a ce grand souffle orchestral qui paraît inépuisable, des appels de cuivres vibrants, des solos de violon en fusion - tantôt rires tantôt larmes -  et un pianiste passionné qui lâche ses inventives cadences, ses  trilles et pulsions avant que l’orchestre ne renchérisse de façon étincelante. Le tout, paré de sonorités majestueuses.

Michel Tabachnik interrompt  les applaudissements pour son retour après la pause  et emmène  public et musiciens dans la symphonie du Nouveau Monde de Dvorak. Gestes larges et généreux. Ampleur.  C’est à nouveau l’appel nostalgique de la nature ou la nostalgie de la terre natale qui alterne avec des accords de choc pour le Nouveau Monde. Il vit sa partition intensément, enchaînant révérences, caresses souples de la pointe de la baguette, doigt paternel sentencieux,  balancements dansés, chuchotements complices… Voilà l’immense versatilité des atmosphères  créées par le chef d’orchestre, depuis la férocité jusqu’au clin d’œil  bienveillant  au piccolo. On ne peut pas détacher son regard du sculpteur musical  à l’œuvre. Il vagabonde entre les crescendos paroxystiques et les pianissimos de velours avec une maîtrise et une définition absolues.  Michel Tabachnik projette la partition en mille éclats comme s’il ne faisait que partager avec les musiciens les dons et l’inspiration d’un homme -orchestre. Dans un passage  particulièrement fort en impact dramatique, le visage du maître de musique est abîmé d’émotion et on s’imagine percevoir des voix graves de chœurs d’hommes sourdre parmi les musiciens. 

Encore un mouvement également inspiré du poème de Longfellow. Dvořák veut nous faire percevoir une « fête dans la forêt », avec une danse des Peaux-Rouges.

Mais des souvenirs de danses villageoises du Far East européen ont ressurgi sur des rythmes de presque valse. La jubilation refait surface, voilà  l’ensemble musical à l’assaut du ciel, Michel Tabachnik piétine et fait éclore les talents  et la créativité de chaque pupitre à chaque nouveau motif. C’est l’éloge de la confiance dans l’homme sage et honnête. L’âme des violons chante sa réussite avec émotion, suivie par les violoncelles et les flûtes. C’est harmonieux, et tout en équilibre. Aucune faute d’hubris et les musiciens et leur chef peuvent être fiers d’une performance qui sillonne  avec tant de bonheur un  tel continent d'expressivité. Cela ne  peut se terminer que par un vibrant bis, lui aussi très  acclamé. Car le bonheur flotte dans la salle. Et  aussi dans les sourires épanouis  des musiciens du Brussels Philharmonic.  How about a European Dream?

http://www.flagey.be/fr/programme/14120/brussels-philharmonic-an-american-dream-symfomania-workshop-kids-10-/michel-tabachnik

HAIKUS DES CHAMPS ET DE LA MER

Champs dorés ocrés

Papillons bleus voltigeant

Grains d’espoir éclos

Crêtes d’écume

Goélands virevoltant

Les golfes sont clairs

Du Mont Saint-Michel

Les matines sonnantes

Cancale au loin

Saint-Malo  Jean  Bart

Aux pirates d’eau douce

Canons essoufflés

Tempête calmée

Chalutiers arrimés

A marée basse

Le soleil rouge

A  l’horizon vengeur

Colore l’onde

 Raymond  Martin

Juin 2014

Carnaval d’été…dans les ruines

Préambule : L’école de Cirque Pré en Bulle accueille les enfants afin qu’ils tâtent des différentes techniques de jongleries et de funambulisme. Autour, imaginez une vaste plaine d’échoppes gourmandes où l’on croise des licornes blanches, des hérissons bipèdes et un géant qui joue avec une danseuse juchée sur un énorme ballon rouge. La fanfare des oies est suivie par un public souriant  comme au carnaval. Pas une goutte de pluie, l’organisateur, Cédric Monnoye, a vraiment eu la main heureuse.  

 Mais le but du jeu est  évidemment de parcourir les splendides ruines de l’abbaye  de Villers-La Ville. Se faisant surprendre par les éclairages, on pose le regard sur le passé médiéval et l’on ressent que le goût et la curiosité pour  un spectacle qui rassemble des familles au grand complet n’ont pas changé depuis le temps des troubadours. S’envoler et planer.  Le rêve  de porter des ailes n’est-il pas un rêve qui nous hante depuis l’antiquité. « Léger et libre dans le ciel azur. Divin et calme sur la mer en volant l'oiseau est roi. Ses yeux regardent le triste monde. Son âme pleure  la belle solitude.» Valsapena. 

 On se promène donc en imaginant le parcours le plus adéquat - les oiseaux sont partout dans les ruines - pour aller au plus vite s’émerveiller des prouesses de clowns, saltimbanques, trapézistes et acrobates, ces artistes  maîtres de l’art du mouvement. Se poser est difficile. Il n’y a  pas de sièges pour ces plus de 5.000 visiteurs qui reviennent chaque année avec leur marmaille éblouie pour applaudir le rêve et ses exploits. On est debout, ou assis dans l’herbe si on a la chance d’approcher les premiers rangs. A vous de choisir entre une vingtaine de collectifs d’artistes venus de Belgique et d’ailleurs : L. Vidal, Grand frisson, Circo Pitanga, Circ Panic, Circlou, Au Fil du vent, Circolade, Cirque Hirsute, Couzin, Chilly and Fly et Natacha Blandine : 

«Suspendue à ses fils l’acrobate tisse. Son corps, tel un crochet, danse, glisse et chute, forme son ouvrage, sa toile: Un attrape-rêves. Un battement d’aile éphémère, une image de grâce. Une larme, un sourire, une émotion, un instant d’illusion, un battement de cœur en suspension. Je suis l’image d’un elfe trublion, mon tissu est mon cocon,  le jour fini, papillon de nuit, je suis. »

 D’un point de vue artistique  on retiendra surtout les virtuosités singulières  très  accomplies de Natacha Blandine dans son numéro de tissu aérien, celles  de l’attachant couple du Circo Pitanga dans son chapiteau de cordes, qui oscille entre tours de force et humour et humilité des sentiments dans des performances de haute voltige  et  surtout le dernier spectacle qui rassemble le public dans la cathédrale pour admirer le couple canadien qui va jouer aux hirondelles sous les ogives pendant près d’un quart d’heure. Beauté, puissance duelle, audace, et partage d’amour. Aucun flash n’est permis pendant cette séance de haute voltige, où chacun retient son souffle et où même la musique s’arrête. Un spectacle qu’un public surchauffé a attendu longuement par des salves d’applaudissements répétés. Chilly and Fly, alias Alexandre et Emilie dans la vie, se sont rencontrés il y a 7 ans dans la passion du spectacle. Alexandre a débuté sa carrière à l'école du Cirque de Montréal où très vite il s'est révélé comme un prodige de la roue Cyr. Puis rapidement son cœur a penché pour le cadre russe qu’il nous est donné d’applaudir ce soir. Emilie, gymnaste confirmée a participé aux JO de Sydney en 2000. Elle a ensuite intégré le Cirque du Soleil et a donné pas moins de 4000 représentations dans le monde. Ils ont commencé à travailler il y a un an et demi ensemble au sein du Roncalli Circus, et très vite ont rencontré le succès en décrochant le Pierrot d'or au festival international de cirque de Budapest en 2012. Le superbe travail de ces deux artistes québécois illustre l’évolution du cirque contemporain tourné vers la  poésie, la création et le sport de haut niveau  au sein des disciplines des arts de la piste.

 Le retour vers les voitures est l’occasion de commentaires amusés des noctambules. Cela fait aussi partie du jeu : où garer autour de ce site prestigieux? Le plus près est parfois à plus d’un kilomètre! Et une fois votre véhicule retrouvé, armez-vous de patience pour rejoindre l’autoroute au pas!  Il faut l’avouer,  parquer très loin du site n’est pas une si mauvaise idée, pour ceux qui s’impatientent derrière le volant! Consolation de taille pour les mélomanes : celle  de ne pas rater  sur Musiq 3 la proclamation des résultats du concours Reine Elisabeth, en direct.

http://www.070.be/lesnuitsducirque/news/

"Homo ludens" est un essai de critique de l'historien hollandais Johan Huizinga (1872-1945), composé en allemand et publié à Amsterdam en 1938. Dans ce livre, l'auteur entreprend de "définir les éléments de jeu" que comporte la civilisation; à cette fin, il s'appuie sur une notion particulière de la culture, conçue comme un ensemble organique vivant d'une vie propre et échappant aux événements et aux passions. Déjà dans "Déclin du moyen âge", ses vues sur le duché de Bourgogne nous avaient montré un type de "parfait chevalier". Avec "Erasme" (1924), l'auteur avait dessiné la silhouette d'un érudit vivant en dehors des disputes et s'était attaché à nous prouver la valeur de la pensée intime et l'esprit religieux le plus indépendant. Dans "Homo ludens", Huizinga oppose un nouveau modèle de civilisation aux mythes de l' "homo sapiens" (Linné) et de l' "homo faber" (Bergson).

Telle une fleur délicate, la société résulte des contrastes sociaux: elle en est la convention, la création raffinée, le "jeu" en quelque sorte. En dehors de toute nécessité intrinsèque, l'art et la politique, l'amour et les convenances engendrent l' oeuvre, le geste, la parole, dans une effusion sereine et harmonieuse qui porte sa loi en soi-même.

Cet ouvrage rassemble un grand nombre d'exemples et d'observations sur les "éléments de jeu" qui ont brillé depuis le passé jusqu'à nos jours dans le langage et dans la poésie, dans la peinture et le droit, dans la guerre et dans la science, dans le sport et dans l' amour, tout comme dans la philosophie. Chaque époque historique est examinée "sub specie ludi", sans en exclure la politique actuelle envisagée, elle aussi, comme une vaste partie de cartes propre à offrir des solutions inattendues et, au milieu de tant de contrastes, à faire entrer chacun de nous dans le silence de son intimité morale.

L'oeuvre ne manque pas de souligner combien le dilettantisme fut à la base de la formation philosophique de l'auteur. Elle constitue cependant un recueil de pensées bien significatif et qui nous donne une certaine vision du monde sous un aspect unitaire et rationnel. Par "jeu", il faut donc entendre la force ailée des passions dans sa forme de vie la plus élevée: disons l'oeuvre accomplie par un Ariel invisible et tout puissant sur quelque sauvage Caliban.

Seules, ces "formes" désintéressées de civilisation conservent, à travers le temps, la trace du travail et de la lutte de tant de siècles, tout comme dans le symbole d'une pyramide d' Egypte ou d'un théorème de géométrie se conserve l'acquis de la société la meilleure, même si les erreurs et les contradictions inhérentes à la vie des peuples autant que des individus ne cessent de se multiplier.

La crise politique de l'Europe et du monde dans les années qui correspondent à la montée du nazisme suscita chez lui plus qu'une méditation ; il établit un diagnostic dont la clairvoyance nous émeut encore.

A la veille de la Seconde Guerre mondiale (1938), c'est dans cet ouvrage de philosophie et de synthèse historique qu'il livre à ses contemporains (et aux générations futures) le fruit de ses méditations ; dans cet "Homo ludens" qui fit aussi le tour du monde, il a prétendu recueillir l'essence éternelle de l'homme - peuples et individus - dans la réalisation d'un style renouvelé sans cesse dans une recherche créatrice qui est le jeu. Comme Érasme avec sa folie, Huizinga introduisait avec le jeu une dimension anti-intellectualiste à l'intérieur même de l'intellectualisme.

N.-B.: 

Dans "La crise de la civilisation" (1935)  il fit allusion aux courants nationaux-totalitaires et leurs mythes. Ce qui lui valut d'être détenu par les nazis jusqu'à sa mort en 1945.

Il y notait: 

"Si le salut vient, il sera dû non pas à la matière et à d'extraordinaires régénérations économiques et sociales, mais à l'esprit et à une purification spirituelle. Les champions d'une civilisation purifiée devront être comme des gens qui viennent de se réveiller de bon matin. Ils devront secouer leurs mauvais rêves. Le rêve de leur âme qui vient de sortir de la pourriture et pourrait bien y retomber. Le rêve de leur cerveau qui n'était que du fil de fer tordu et de leur coeur qui était  de glace. Le rêve des griffes et des défenses qui avaient remplacé leurs mains et leurs dents. Et ils devront se rappeler que l'homme ne peut être une bête sauvage."

Je reparlerai de cet ouvrage ("La crise de la civilisation")

Un beau partenariat de Michel Lansardière et Chantal Roussel. Ce partenariat a fait l'objet d'une sélection au sein du blog de sélection des beaux partenariats Arts et lettres et a obtenu le sigle du partenariat Arts et lettres.

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Un partenariat d'

Arts 

Lettres

La rive aux grands arbres

Une photo de Suzanne Walther-Siksou

a inspiré

Au Parc Gouin à Montréal

Une aquarelle d'Adyne Gohy

La rive aux grands arbres

Poème de Suzanne Walther-Siksou

inspiré de l'aquarelle d'Adyne Gohy

Le fleuve aux reflets lumineux

Dans un impressionnant décor.

Sont exposées des masses d'or,

De grands arbres mystérieux.

L'émoi ressenti est immense

Face à la suprême beauté,

Au repos qu'offre le silence.

Ineffable félicité!

Dans la douce magnificence,

Berçant son âme romantique,

Recourant à la transcendance,

Un peintre crée l'image unique.

Arbres de la rive dormante,

Superbe, emplie de poésie

Une aquarelle éblouissante

Aux couleurs de sa fantaisie.

Un partenariat d'

Arts 

Lettres

Bartolomé Esteban Murillo (Séville).

Avant de nous consacrer au coeur de notre sujet, la peinture romantique andalouse, un petit panorama des peintres andalous qui ont marqué la peinture espagnole et internationale.

Il ne s'agira donc ici que de brosser à grands traits le portrait des fondateurs de l'Ecole andalouse, avec :

• Juan Sanchez Cotan (1561-1627), qui fit l'essentiel de sa carrière à Tolède, mais qui s'établit à Grenade dès 1603 pour y réaliser de nombreux tableaux de dévotion. Quoiqu'il soit surtout connu comme maître des bodegones (natures mortes).

Francisco de Zurbaran : Santa Marina (musée Carmen Thyssen, malaga).

• Francisco de Zurbaran (1598-1664), né en Estrémadure, mais formé à Séville où il passa toute sa vie. Il y fonde avec Vélasquez l'Ecole de Séville.

Francisco de Zurbaran : Santa Teresa de Jesus (cathédrale de Séville).

• Diego Velasquez (1599-1660), né et formé à Séville, il gagna Barcelone en 1629, avant d'entamer un long périple en Italie, pour finir sa vie et son oeuvre à Madrid.
• Alonso Cano (1601-1667), formé à Séville avant de tenir un rôle majeur dans l'évolution de l'Ecole de Grenade où son influence fut profonde.

Bartolomé Esteban Murillo : Garçon au chien

(musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg).

• Bartolomé Esteban Murillo (1617-162), le maître de Séville. Peintre virtuose, il met un soin particulier à détailler chaque expression, à donner vie à ses scènes populaires, donnant l'illusion au spectateur d'y participer. Son influence sera prépondérante jusqu'à Cézanne. C'est incontestablement le maître du picaresque (les picaros, aventuriers et vauriens, étaient nombreux à Séville). Ce fut le seul peintre espagnol du XVIIe siècle connu de son vivant hors de son pays.

Murillo : Immaculée Conception (Ermitage, Saint-Pétersbourg).

• Francisco Herrera le Jeune (1622-1685), né à Séville, très baroque.
• Juan de Valdés Leal (1622-1690), autre Sévillan au style original.

A suivre...

Michel Lansardière (texte et photos).

Qu'il fasse gris,

ou bien ensoleillé,

les voix de l'enfance,

du monde entier,

demeurent les mêmes,

de l'essentiel si riches.

Ce qui n'est point le cas,

des adultes,

des grands dit-on,

qui s'attristent, font la tête,

dès lors que le temps,

 se montre plus gris, maussade.

C'est à croire,

que l’enfance est imperméable

au mauvais temps !

Son soleil,

étant partout,

peut-être même,

 d'une toute autre couleur ?

Rien ne pouvait jamais distraire son ardeur

Ordonnant ses journées pour que jamais ne flanche

Bannissant de ses nuits les futiles langueurs

En écran de lumière et sa beauté si blanche

Rêvant d'un bel outil aux accents novateurs

Tourné vers l'A-Venir, telle était sa devise

Pour échanges courtois sans distiller les peurs

Avec dextérité il cueillait la surprise

Unissant Arts et Lettres en hymne à la Beauté

Liant dans l'Infini des réseaux d'Amitié.

Rolande Quivron Dimanche 9 février 2014