Croquis de vie
de Antonia Iliescu
Je chante, donc j’existe
J’existe, donc j’écris
J’écris, donc je crie
Ma quête d’infini.
Maquette de survie…
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Amies, amis, n'avez-vous rien remarqué?
Nous le savions déjà, elle allait débarquer
Mais tendez l'oreille, s'il vous plaît, écoutez
Ce qu'elle veut nous conter, surtout nous révéler.
Inodore mais moins discrète que le vent,
Incolore mais un fichu tempérament,
Elle a surgi et, s'imposant tambour battant,
Elle nous a proclamé qu'elle définit le temps.
La précédente avait vigueur et saveur
Mais elle fut aussi malheureusement douleur;
Prions que celle-ci soit grâce et douceur,
L'esprit ouvert, l'espoir permis, bonté au coeur.
La nouvelle année est-elle une amie
Ou doit-on la considérer ennemie?
Nous préférerions tous qu'elle soit magie,
Succès et bonheur, chaude source de vie.
Et toi, le pèlerin valeureux, vigoureux?
Es-tu sur le chemin d'un destin harmonieux?
Chanteras-tu la ballade des gens heureux?
Pense, agis, fonce, tu es un maître, Dieu!
La nouvelle année?
Telle une épopée...
Espace Art Gallery vous présente son agenda n° 1 et 2 de janvier 2016
L’Espace Art Gallery a le plaisir de vous présenter du 06/01 au 24/01/2016 l’exposition événement des artistes suivant : Maria Garcia Molio (Esp) peintures, Lill B (Fr) peinture et Ana Bakara (Be) Peintures.
Le VERNISSAGE a lieu le 06/01 d e 18h 30 à 21h 30 et l’exposition du mardi au samedi inclus de 11h 30 à 18h 30. Et sur rendez-vous le dimanche.
Le FINISSAGE de l’exposition a lieu les 23 & 24 janvier 2016 de 11h 30 à 18h 30. Vous aurez bien sûr le verre de l’amitié pour vous accueillir. Et pour ceux qui auront un coup de cœur pour une œuvre ils auront une surprise en cette fin d’exposition…
Maria GARCIA MOLIO (Esp) peintures
« ONE LIGHT SHOOT »
LILL B (Fr) peintures
« Plis et modelages »
Ana BAKARA (Be) Peintures
« Matières et monochromes »
A voir également « La grande table en bois » réalisée par l’artiste
Louis de VERDAL (Fr) sculptures
Exposition du 06 janvier au 24 janvier 2016.
INVITATION AU VERNISSAGE
Le mercredi 06 janvier de 18 h 30 à 21h 30.
Drink de bienvenue.
Espace Art Gallery 35 rue Lesbroussart 1050 Bruxelles. Ouvert du mardi au samedi de 11h 30 à 18h 30. Et le dimanche sur rendez-vous. GSM : 00 32 497 577 120
&
L’Espace Art Gallery a le plaisir de vous présenter du 27/01 au 14/02/2016 l’exposition événement des artistes suivant : Oliva Angelo (Ch) peintures ainsi qu’un collectif international de la galerie.
Le VERNISSAGE a lieu le 27/01 d e 18h 30 à 21h 30 et l’exposition du mardi au samedi inclus de 11h 30 à 18h 30. Et sur rendez-vous le dimanche.
Le FINISSAGE de l’exposition a lieu les 13 & 14 février 2016 de 11h 30 à 18h 30. Vous aurez bien sûr le verre de l’amitié pour vous accueillir. Et pour ceux qui auront un coup de cœur pour une œuvre ils auront une surprise en cette fin d’exposition…
Petit rappel :
Finissage de l’exposition actuel les 23 & 24 janvier 2016 de 11h 30 à 18h 30. Vous aurez bien sûr le verre de l’amitié pour vous accueillir. Et pour ceux qui auront un coup de cœur pour une œuvre ils auront une surprise en cette fin d’exposition…
Oliva ANGELO (Ch) peintures.
« Couleurs vives »
&
Un collectif international de la galerie : peintures & sculptures
Peintures
Chanon (Nl) « Inner Force of Nature »
Muriel Cayet (Fr) « Fastnet »
Igor Misyats (Uk) « Poissons »
Ju Chou (CdS) « Les autres sont aussi moi »
Alexandra De Grave (Be) « Entrevoir »
Alvaro Mejïas (Ven) « La Cancion del poéta »
Muriel Cayet (Fr) « Opus Mixtum »
Cristian Sainz Marin (Esp) « There’s no place like home »
Jacqueline Kirsch (Be) « Consolation »
Sculptures
Pierre Content (Fr) « EL TORO »
Carole Duffour (Fr) « Femme Lyre »
Pierre Content (Fr) « Le Voyageur »
Sophie – Mathilde Tauss (Fr) « Petit oiseleur »
Sophie – Mathilde Tauss (Fr) « Mère et l’enfant »
Les artistes en gras sont cotés
A voir également « La grande table en bois » réalisée par l’artiste
Louis de VERDAL (Fr) sculptures
Exposition du 27 janvier au 14 février 2016.
INVITATION AU VERNISSAGE
Le mercredi 27 janvier de 18 h 30 à 21h 30.
Drink de bienvenue et petits sandwichs fourrés.
Espace Art Gallery 35 rue Lesbroussart 1050 Bruxelles. Ouvert du mardi au samedi de 11h 30 à 18h 30. Et le dimanche sur rendez-vous. GSM : 00 32 497 577 120
INFOS ARTISTES ET VISUELS SUR :
Site de la galerie : http://www.espaceartgallery.eu
Le site de l’Espace Art Gallery se prolonge dorénavant sur
Le Réseau Arts et Lettres à l'adresse: http://ning.it/KUKe1x
Voir: https://artsrtlettres.ning.com/ (Inscription gratuite)
Diaporama des plus belles expositions de l'Espace Art Gallery:
Voir: http://ning.it/KHOXUa
Les critiques de François Speranza sur Arts et Lettres :
Voir : http://ning.it/VpFh6C
Au plaisir de vous revoir à l’un ou l’autre de ces événements.
Bien à vous,
Jerry Delfosse
Espace Art Gallery
GSM: 00.32.497. 577.120
Voir: http://espaceartgallery.eu
Le site de l'Espace Art Gallery se prolonge dorénavant sur le Réseau Arts et Lettres à l'adresse: http://ning.it/KUKe1x
C'est tôt le matin,
l'aube est encore sombre,
sur le quai de ma gare silencieuse,
un oiseau chante la mélodie d'elle,
étendue et sereine, les yeux clairs,
dans la démesure blanche d'un ciel palpitant.
A moi elle me donne encore, me transmet
son infatigable maternité, m'en pare toute entière,
m'étonne.
De ce don fabuleux, mes gestes à l'égard de ma fille
s'en sont trouvés infinis, par moments musicaux ;
je suis devenue mère comme ça !
Je reçois d'elle tout le temps.
Chaque jour hivernal est pour moi un noël !
L'oiseau venu de la profondeur,
de l'amplitude du ciel, pour moi chorégraphique,
sans cesse me le fredonne.
La sonorité du ciel, engendre l'insonorité de la
terre ronde et bleue.
Une mère est un soleil, qui même lorsqu'il sommeille,
flamboie et émerveille.
NINA
Le saut en hauteur, discipline athlétique,
me fait songer à l'indiscipline de l'écriture ;
au commencement, au s'élève à peine,
on balbutie, on reste même au sol,
puis à force d'efforts, de persévérance,
de foi aussi, on monte de plus en plus,
jour après jour, puis on prend de l'altitude,
jusqu'à frôler, puis toucher même parfois,
le bleu-chaud ; c'est notre grandissement,
notre naissance personnelle, véritable !
Pour la main et l'esprit, l'écriture est un sport solitaire,
tantôt un petit pas, tantôt une enjambée formidable,
jusqu'à ce que les mots par le soleil soient enlacés,
rendant ainsi ma plume plus audacieuse,
exacerbée, féconde, mère de l'entre-deux :
L'écriture est à mi-chemin entre le ciel et la terre ;
Un détroit, elle est faite de la démesure azurée
de l'un puis du ventre brun et volcanique de l'autre ...
Elle se touche, puisqu'elle touche.
NINA
La poésie est l’ascèse de l’âme. Elle rassemble en cette élévation suprême le contenu intégral de son chemin passé et à venir. Elle y mêle foi, amour, humanité,confiance, compassion. Elle rejette les vilains sentiments car dans leur torture il n’y a pas d’élévation possible. La poésie apparaît symphonie de mots car sans mots il ne resterait rien. Elle s’écrit donc. Pourtant son écriture l’éloigne de la vision profonde qui la caractérise. La poésie parle au poète avant tout mais s’adresse aussi à tous. Si elle reste parfois confuse, mal comprise, sous estimée de par ses rimes qui ne sont que des outils dont elle use, elle enchante sans que l’on sache pourquoi ! La poésie est un agrégat, une consistance étrange où la vérité et la justice se prennent souvent les pieds. Une joie ou un pleur qui prend une couleur changeante à tout instant. Et cette couleur devient un mot. Ce mot ne peut être blanc, vert, rouge … Ce mot n’a pas de mot et celui qui vient alors devient neige, prairie, drapeau ensanglanté.
N’essayons pas de comprendre, de torturer ou moquer les poètes. Ce ne sont pas des magiciens, des paresseux, des usurpateurs, des asociaux. Parfois leur vision s’adapte au contraire à la vie nécessaire en société. Je pense à Vaclav Havel, Hugo, Chateaubriand ou Lamartine, à tant d’autres. La poésie sera le recours du bonheur de demain. Elle effacera les guerres de religion dont la stérilité sautera au visage de ses retardataires pour aborder la fécondité qui germe en l’âme de tous.
“Pensée du jour”
Une merveilleuse année 2016 à tous!
Au détour d'une rue où les vallons s'invitent
C'est une maison blanche qui s'accroche à une butte...
Entre nous, règne en maître une sorte d'accord tacite
Elle m'offre le refuge, me protège des culbutes!
C'est bien plus qu'une maison, c'est un havre de vie
C'est une épine dorsale sur laquelle je m'appuie...
Une rampe de fer aux volutes qui dansent
Quelques marches de pierre qui mènent à sa porte
Quand j'en franchis le seuil, je savoure ma chance
C'est un sourire qui perle et la joie que j'importe!
C'est bien plus qu'un maison, c'est un havre de vie
C'est une épine dorsale sur laquelle je m'appuie...
J.G.
J'écris au rythme de l'océan qui monte,
lorsque je ferme mon cahier, voilà qu' il redescend,
lentement sur le sable blanc,
en y laissant très grands, ses pas d'eau, turquoises et chauds.
Ces pas là, à l'instar des mots, s'adressent au ciel,
à la terre tout entière, à ceux qui se laissent aborder,
un peu toucher, voire bouleverser !
La respiration de la mer est pareille à celle du stylo qui s'en va,
bien au delà d'un bureau, d'une table de bistro, d'un cahier à spirales,
pour prendre le large ; c'est l'infiniment grand qui se love dans
l'infiniment petit, devenu bleu !
Le stylo devient plume, libre, volubile, se crée son île,
avec tout autour d'elle,
tantôt la nonchalance, tantôt la turbulence des flots ;
d'innombrables mots voguent depuis,
sur un bureau tout bleu :
C'est la naissance d'un livre !
NINA
Haïkus
Un petit enfant
conduit sur la neige molle
son nouvel engin.
Va-et-vient constant
étroite piste creusée
parcours en descente.
Rien d'imprévisible
Pas d'intervention du vent
liberté grisante.
Ferveur de l'enfance
mystère de l'énergie
poésie sereine.
31 décembre 2015
La vie est éclair
Du début à la fin
Orages, tonnerres
Sans fin
Répits puis craintes
Nuages sur le toît
Tombent les plaintes
Des désarrois
La peur explose
La vitre grince
Collée toute mince
L'oreille implose
Autour c'est l'amour
Quand la menace gronde
Mourir un jour
Que fait le monde
Le bleu entr'ouvert
Le ciel se calme
Un instant les pins verts
Sèchent un peu les larmes
Dansons !
J'ai vu ces deux images, datées à un jour d'intervalle...
Je m'interroge :
Prier ou penser ? Penser ou prier ?
Penser un peu au milieu de prière
En blanc sur noir,
Ou bien
S'abstenir de prière noire pour ne vivre
Qu'une pensée rouge en révolution
Dans un monde froid ?
Là est la question...
Moi, je dirais
Être avant tout, Être pensant pour ne pas se laisser trop berner
Et essayer d'agir en conséquence,
Être priant pour assurer le lien
Et ouvrir le monde à l'être
L'être au monde,
Et, par-dessus tout,
Les êtres aux êtres.
Et si la solution était dans l'objectivité scientifique de la méditation qui connecte les êtres aux êtres ?...
bonne fin d'année 2015 à tous
Tel Narcisse la nature se contemple dans le canal de L'oublie.
bonne fêtes à vous tous.
amicalement
Ben-Kâ
regardez, "impression d'automne 3/4 pointillisme" "le canal de l'oublie"
Alice regarde la mer noire,
dans sa tête elle est bleue,
Alice plonge ses yeux dans le ciel orageux,
pour elle il n'a point d'ombre,
Alice s'étend sur un sol rocailleux,
sa silhouette ne ressent que le gazon d'avril,
Alice dans sa poche, n'a rien,
elle imagine un fruit, un chocolat,
Alice est privée d'école, de cahiers et de livres,
Elle s'en moque, puisqu'elle reçoit l'instant,
écrit ce qu'il lui donne.
Alice sa mère est morte,
dans son cœur elle résonne, l'emporte, l'ensoleille.
Alice son père s'est enfuit,
pour elle il s'est éteint un beau matin,
Alice a décidé d'être heureuse envers et contre tout ;
les mots sont devenus ses frères, ses amis,
bref ses compagnons de vie.
Alice grandit ainsi, ses larmes, ses rires,
ses moments de tristesse, de joie,
elle en fait des poèmes !
Alice a tout compris, elle sait déjà, à 8 ans,
que la vie est une matière formidable,
et que faite de boue elle peut devenir or.
Elle l'a décidé, Elle écrit.
NINA
En hommage particulier à M. Alain Finkielkraut
À l'ère de la truculence.
Des échanges superficiels,
La plupart du temps virtuels,
Est à l'honneur la tolérance.
À chacun son mode de vie,
Ses croyances, aussi sa morale.
«Soi d'abord» est l'option normale
Quand on se perçoit en survie.
De rares philosophes actifs,
Invitent à l'urgente prudence.
En dépit de leurs divergences,
Leurs efforts semblent productifs.
J'accueille les pensées profondes,
Articulées et rationnelles
De personnes exceptionnelles
Qui se confrontent sur les ondes.
Intelligence et beau-parler.
Je ressens un plaisir intense,
Considère comme une chance
De pouvoir le renouveler.
29 décembre 2015
LE ROMAN DE LA ROSE : L’ECRITURE PICTURALE DE JIDEKA
Du 02 au 20 – 12 - 15, a eu lieu, à l’ESPACE ART GALLERY (Rue Lesbroussart, 35, 1050 Bruxelles), une exposition intitulée : LES ROSES ONT LA PAROLE, consacrée à l’œuvre de JIDEKA, une excellente peintre française qui pose la question (à chaque époque débattue) de la place de l’Homme dans le Monde, en le liant inextricablement à la Nature.
Ce lien que tisse JIDEKA se forme d’une façon tout-à-fait inattendue en associant le corps humain à celui de la Rose.
Remarquez : nous écrivons son nom avec une majuscule, car elle devient un personnage compris entre la matérialité d’un corps humain et celui d’un symbole vivant. Dialectique intéressante et originalement exprimée. D’une part, parce que la fleur, symbole de l’Amour dans la culture occidentale s’incarne dans la personne humaine. Mais aussi parce qu’elle est saisie dans les instants les plus quotidiens de son existence.
Le Rose est, ici, non pas représentée mais carrément « portraiturée », en ce sens que le visage humain, remplacé par le volume épanoui de la fleur, en apparence statique, se définit par rapport à la posture du corps en lui assurant une dimension directionnelle.
Traitée en plan, le visage du personnage féminin de ROSE URBAINE (80 x 80 cm – acrylique sur toile)
« nous regarde ». Qu’est-ce qui provoque cette sensation ? Principalement, le fait qu’il est symétrique avec le buste qui le sou-tient, favorisant le statisme nécessaire à la conception du « portrait » ainsi que sa philosophie : le sujet nous regardant.
Structurée en trois plans : avant-plan (les jambes repliées sur elles-mêmes au niveau du sol), centre (architecture uniforme, tant dans le dessein que dans le chromatisme) 3ème niveau (le ciel). Le visage de la Rose culmine à hauteur du ciel. La conception scénique de cette œuvre mérite que l’on s’y attarde.
ROSE URBAINE nous interroge, non seulement sur la place de l’Homme dans l’espace urbain mais aussi sur celle de la flore – et par extension de la Nature – au sein du même biotope.
Les jambes du personnage, repliées sur elles-mêmes, reposent sur un parterre de roses et de feuilles sur fond noir. C'est-à-dire que campé à même le sol, le sujet semble, littéralement et symboliquement, en faire partie. Le buste, lui, est compris à hauteur de l’espace urbain (à l’arrière-plan) et la rose, épanouie, épouse le bleu du ciel (3ème niveau). La symbolique des couleurs prend ici toute sa force. Les jambes du personnage traitées en bleu-clair, répondent à celui du ciel. Nous avons là une métaphore d’une union mystique entre la terre et le ciel, au centre de laquelle s’épanouit le sujet. Conçu en véritables « cartes de géographie », le chromatisme du buste associe à la fois le vert de l’architecture, le bleu du ciel (en dégradés) ainsi que le noir du sol. L’ensemble de la composition est régie par une symétrie exprimant l’harmonie des éléments.
Que ce soit sur grand ou petit format, la Rose se substitue toujours au visage. Concernant LE PIANISTE (30 x 30 cm – acrylique sur toile),
nous pouvons carrément parler d’ « expression ». Penchée vers l’avant, la Rose épouse la courbure du buste du musicien dans son prolongement vers le clavier dans une attitude de recueillement mystique. Un parterre de roses, à l’avant-plan, fait office de public.
Il s’installe, dans l’œuvre de l’artiste, un rapport entre signifiant et signifié, exprimé tant par le dessin que par la couleur, laquelle est principalement conçue de notes tendres, telles que le bleu, le vert, le rose ou le jaune-foncé.
ROSE AU BAIN (30 x 30 cm – acrylique sur toile)
Une question, secondaire pour l’artiste mais importante pour le visiteur au contact de cette œuvre, serait de se demander ce qui, en dernière analyse, importe le plus. Est-ce la conception du corps ou celle de la Rose ? Ne perdons pas de vue que ce qui motive l’artiste c’est d’associer beauté et banalité du quotidien. Ici, la sensualité de la fleur entre en contraste (pour ne pas dire s’entrechoque) avec la routine de tous les jours que notre société a érigé en credo. Le contraste entre la Rose dans son épanouissement et la plastique flasque et adipeuse du corps de la baigneuse est ici flagrant. Faut-il y voir une dimension rédemptrice de la fleur destinée à « sauver » le corps dont la forme charnue exprimerait la matérialité routinière ? La position du bras (levé vers le haut) est également très intéressante car elle rejoint, d’une autre façon, le geste désesperé des ROSES ASSOIFFEES (80 x 80 cm – acrylique sur toile)
dont les bras sont, au contraire, tendus vers le bas, à la recherche d’eau.
Traités comme des racines, ils évoquent la recherche vitale de suc. Il s’agit, ici, d’évoquer le rapport entre l’eau et le corps. Dans un premier temps, le corps n’existe que pour émerger de la banalité du quotidien (ROSE AU BAIN). Mais dans les ROSES ASSOIFFEES, la thématique acquiert une tournure mondiale, telle que le problème de l’eau dans certains pays du Tiers-Monde. Et par extension, ces deux œuvres interrogent notre mode de vie à l’échelle planétaire : un corps adipeux est synonyme de ce que l’on nomme « la malbouffe », fléau de notre société de consommation. Tandis que cette recherche désespérée de l’eau que les bras n’arrivent pas à atteindre, exprime le contraste politico-économique effrayant qui sépare nos deux hémisphères. Il s’agit, à posteriori et ce, quoi qu’on en dise, de corps malades que l’artiste a voulu restituer sur la toile.
COUPLE DE ROSES AVEC ENFANT (116 x 81 cm – acrylique sur toile)
se présente comme un jeu de cercles dans lequel l’homme enlace la femme. Au centre du tableau, un deuxième cercle se forme dans lequel est compris l’enfant qui les unit. Ce second cercle est intéressant, car une fois encore, il interpelle la symbolique. Campé en position fœtale, l’enfant est à la fois au sein et à l’extérieur de sa mère. Ce second cercle, dont la forme rappelle celle de l’œuf, est le cercle de la vie. Le corps de l’enfant saisissant les bras du couple, est traité en bleu-clair, tirant vaguement sur le gris. Il rejoint le teint du cou de sa mère. Cette vision diaphane lui assure, à la fois une existence en tant que sujet mais aussi une « immatérialité présente », en ce sens que, blotti sur (ou dans le ventre de) sa mère, il devient, sinon un signe du présent, du moins un gage du futur. Cette forme de « d’échographie » laisse le visiteur interrogatif sur le fait de savoir s’il est né ou s’il est à naître. Le chromatisme de cette œuvre rappelle fortement celui de ROSES URBAINES (cité plus haut) dans lequel les couleurs composant le tableau sont « absorbées » par les vêtements portés par le couple, en tant que résumé d’une palette se retrouvant dans tout ce qui compose chaque élément spatial (bleu en dégradés, vert en dégradés, noir).
A quel besoin irrépressible obéit JIDEKA pour composer ses œuvres ? A cette question, elle répond : «à l’amour pour les gens ainsi que pour les sujets d’actualité et au sentiment ».
Bref, à tout ce que vous pouvez voir à l’image en tant que témoin de l’empathie pour le genre humain et son environnement. Il est également intéressant de remarquer que là où le visiteur pourrait voir une symbolique liée aux couleurs, l’artiste invoque à la fois le hasard (si tant est qu’il existe !) mais surtout le fait qu’elle soit née coloriste. Bien entendu, nous portons tous en nous notre mythologie personnelle laquelle n’est jamais immunisée contre un langage empreint d’images qui nous ramène à notre for intérieur, bouillonnant d’un imaginaire éduqué par la culture, c'est-à-dire par la société. Le corps de la Rose se baignant, associé à celui des Roses à la recherche d’eau, sont susceptibles d’évoquer pour nous (et à fort juste raison) des « corps malades ». Néanmoins, l’artiste ne dédaigne pas s’attaquer à des corps adipeux car elle les trouve dignes d’intérêt plastique. Ce qui en résulte, c’est notre capacité à les traduire selon nos propres codes. L’artiste a fréquenté les Beaux Arts, en se spécialisant dans le dessin publicitaire. Sa formation académique se remarque particulièrement dans des détails, lesquels passeraient absolument inaperçus, si l’on ne s’y arrêtait pas pour les observer attentivement. A titre d’exemple, la posture prise par le personnage féminin de ROSES URBAINES (cité plus haut) comporte un détail prouvant sa connaissance académique du rendu anatomique. Si l’on centre le regard sur l’épaule gauche du personnage (à droite par rapport au visiteur), on remarquera une légère surélévation de celle-ci, en comparaison à celle de droite. Ceci, dans le but d’apporter une légère torsion du buste par rapport au statisme du rendu physique. Bien évidemment, la question que vous vous poserez tous est celle de savoir d’où lui vient cette passion pour les roses. Il y a deux ans, « Le Congrès International De La Rose » fut organisé à Lyon. L’on contacta les écoles de peintures pour organiser des séances de travail autour de cette fleur. Habituée à traiter la figure humaine, l’artiste fut mise au défi d’aborder plastiquement l’image de la rose. Elle releva le défi et depuis lors, elle associe les deux images dans une même incarnation. S’agit-il d’un personnage « hybride » dans le sens générique du terme? Non, car chacune de ses attitudes est coordonnée par un langage humain destiné à trouver une unité harmonique avec le Tout. Cette unité harmonique se retrouve également dans la douceur qu’elle accorde à l’espace urbain dans le même tableau et l’on se rend compte que le personnage féminin assure le rôle de trait d’union écologique entre plusieurs espaces.
Du point de vue technique, l’artiste utilise principalement l’acrylique et l’encre. Elle se sert de l’acrylique pour concevoir à la fois les personnages et le décor. Tandis que l’encre est usitée pour le traitement des roses. Elle a horreur de l’espace vide et doit absolument le combler.
L’arrière-plan parsemé de matière granuleuse de ROSES ASSOIFFEES (cité plus haut) est, en réalité, du gel acrylique. L’artiste ne s’engage jamais directement sur la toile. Elle réalise des croquis comme prélude à chaque projet qu’elle compte entreprendre. COUPLE DE ROSES AVEC ENFANT (cité plus haut) a été, après croquis effectué, réalisé à même le sol. En s’attardant sur le rendu, l’on s’aperçoit que la réalisation de tels cercles aussi étroitement entrelacés, ne peut s’obtenir sans une assise plongeante du bras, dont la main nécessite une prise de distance pour assurer le trait.
Jusqu’à présent, l’artiste n’a joué que sur des couleurs tendres. Désormais, elle s’engage vers un chromatisme drastiquement vif : rouge-or, rose intense. La thématique demeure la même : la Rose. Mais déclinée dans une gamme de couleurs chaudes.
Une question que tout visiteur pourrait, le plus naturellement du monde, se poser : JIDEKA est-elle une artiste « naïve » ? A cette question, elle oppose un « non ! » définitif, en précisant qu’elle joue sur les attitudes humaines dont la Rose couronne la volonté à faire partie intégrante du Monde.
Néanmoins, par la fraîcheur et la poésie joyeuse de ses visions, JIDEKA apporte une touche de romantisme personnel en écrivant une page nouvelle au Roman de la Rose.
Lettres
N.-B.: Ce billet est publié à l'initiative exclusive de Robert Paul, fondateur et administrateur général d'Arts et Lettres. Il ne peut être reproduit qu'avec son expresse autorisation, toujours accordée gratuitement. Mentionner le lien d'origine de l'article est expressément requis.
Robert Paul, éditeur responsable
A voir:
Focus sur les précieux billets d'Art de François Speranza
François Speranza et Jideka: interview et prise de notes sur le déjà réputé carnet de notes Moleskine du critique d'art dans la tradition des avant-gardes artistiques et littéraires au cours des deux derniers siècles
(19 décembre 2015 - Photo Robert Paul)
Exposition Jideka à l'Espace Art Gallery en décembre 2015 - Photo Espace Art Gallery
.
Haïkus
Neige éparpillée
revêtement blanc strié
sur le macadam.
Toits de porcelaine
coiffant les maisons bien closes
cheminées éteintes.
En face un petit
s'affaire décolle pousse
se meut en couleurs.
Ivresse visible
Ne prend pas de pause
touchante énergie.
Enfant pris ailleurs
immobilité parfaite
sans rayonnement.
27 décembre 2015
Soliloque
Quand la routine m'ensommeille,
Engourdissant mes habitudes,
Je doute de mes certitudes
De la raison qui me conseille.
Lors, dans la douceur du silence
Je me propose du repos,
Ferme les yeux et aussitôt
Sombre dans la non existence.
Étonnamment durant mes pauses,
Quand l'oubli est certes complet.
Jamais rien ne m'est révélé.
Figée, je deviens une chose.
Émergée au coeur du réel,
Redevenue une passante,
Chargée d'énergie et pensante,
Me dis qu'il ne peut rester tel.
Étrange fut mon long parcours.
M'en restent nombreuses images.
Or l'occulter me semble sage.
La beauté m'émeut chaque jour.
27 décembre 2015
Les couleurs du présent éclairent les souvenirs.
Couleurs éclatantes et superficielles d'un souvenir
qui se fanent sous la lumière crue du présent.
Souvenir gris qui sous les nouvelles couleurs chaudes du présent
devient source d'espoir.
Le gris vire au sépia.
Les couleurs du présent offrent des nuances au passé.
Le passé n'est pas figé comme les photos en noir et blanc.
L'avenir se dessine avec les couleurs du présent.
Les couleurs du présent sont les pensées positives ou négatives
qui influencent le passé et l'avenir.
"Zaïre" est une en cinq actes et en vers de François Marie Arouet, dit Voltaire (1694-1778), créée à Paris à la Comédie-Française le 13 août 1732, et publiée à Paris chez Bauche et à Rouen chez Jore en 1733. Dans un troisième tirage, la même année, l'oeuvre est précédée d'une "Épître dédicatoire à M. Falkener".
Le 29 mai 1732, Voltaire annonce à son ami Cideville qu'il travaille à une tragédie entre "Turcs et chrétiens" où l'on verra "tout ce que la religion chrétienne semble avoir de plus pathétique" et tout ce que "l'amour a de plus tendre et de plus cruel". Elle est terminée en vingt-deux jours. Succès mitigé lors de la première: les acteurs jouaient mal. Bientôt "on s'y étouffe" et Voltaire attribue ce triomphe aux "grands yeux noirs" de Mlle Gaussin. Des parodies sont jouées par les Italiens, Arlequin au Parnasse ou la Folie de Melpomène de l'abbé Nadal, les Enfants trouvés ou le Sultan poli par l'amour de Dominique et Romagnesi. Zaïre fait pleurer, elle est traduite, jouée sur les grandes scènes européennes, et 488 fois à la Comédie-Française entre 1732 et 1936.
La scène est à Jérusalem au temps de la croisade de Saint Louis. Zaïre, jeune esclave qui ignore tout de sa naissance, aime Orosmane, un "soudan", fils de Saladin. Elle en est aimée et Orosmane veut la prendre comme unique épouse malgré la coutume musulmane. Arrive Nérestan, un chevalier chrétien, naguère captif avec Zaïre, qui apporte la rançon de dix prisonniers. Orosmane accorde la grâce de cent captifs, mais en excepte Zaïre et le vieux Lusignan, dernier des souverains chrétiens de Jérusalem (Acte I). Zaïre a sollicité et obtenu la grâce de Lusignan. Le vieillard reconnaît en Zaïre et Nérestan ses enfants: la croix que porte Zaïre, la cicatrice d'une blessure reçue par Nérestan le prouvent. Lusignan presse sa fille de devenir chrétienne et lui fait jurer de garder le silence sur ses origines (Acte II). Nérestan obtient de s'entretenir avec Zaïre. Lusignan se meurt. Zaïre promet à son frère de recevoir le baptême et de différer jusque-là son mariage. Alors que la cérémonie nuptiale est prête, le désespoir de Zaïre, ses larmes, ses réticences éveillent la jalousie d'Orosmane (Acte III). Orosmane et Zaïre se revoient, partagés entre des sentiments contraires. Orosmane essaie en vain d'arracher à Zaïre son secret. Elle demande un jour de délai. Mais voici qu'on remet au soudan un billet de Nérestan, destiné à Zaïre, mais rédigé de telle façon qu'Orosmane se croit trahi, et décide de soumettre la jeune fille à une épreuve en lui faisant remettre ce billet qui lui fixe un rendez-vous (Acte IV). Orosmane erre dans les ténèbres. Zaïre avance "le coeur éperdu". En l'entendant appeler Nérestan, Orosmane se jette sur elle et la poignarde. Nérestan survient enfin. Orosmane découvre l'affreux malentendu; il se tue après avoir accordé la liberté à tous les esclaves chrétiens (Acte V).
Dans "l'Épître dédicatoire" de Zaïre, Voltaire reconnaît qu'il doit au théâtre anglais la hardiesse d'avoir mis sur scène les noms des anciennes familles françaises. Les croisades servent de toile de fond à cette tragédie dans laquelle Voltaire mêle les allusions à des événements réels (l'appareillage de la flotte française pour l'Égypte date du 30 mai 1249) et des détails inventés. L'accent est mis sur l'ardeur religieuse des croisés, Nérestan et Lusignan sont des soldats du Christ; le monde musulman se réduit à des stéréotypes, Orosmane est un Oriental aux passions violentes. Le Moyen âge accède à la dignité tragique.
La dette anglaise de Voltaire ne se limite pas à cette inspiration nationale. Zaïre évoque Othello: Voltaire n'en dit mot, mais dès 1738 l'abbé Leblanc l'accuse de plagiat. Le meurtre d'une femme aimée par un amant jaloux et mal conseillé est le thème commun aux deux pièces. Mais tandis que la jalousie est au coeur de l'oeuvre de Shakespeare, le conflit entre le devoir filial et la passion l'est dans celle de Voltaire où le christianisme s'oppose à l'amour. L'Avertissement de l'édition de 1738 précise: "On l'appelle tragédie chrétienne, et on l'a jouée fort souvent à la place de Polyeucte." La grâce triomphe dans Polyeucte. Femme victime, Zaïre ne meurt pas convertie, et les deux amants, le musulman et la jeune fille d'origine chrétienne, sont réunis dans la mort. Voltaire, dont le rôle préféré était celui du vieux Lusignan, avait beau déclamer avec conviction la grande tirade: "Mon Dieu, j'ai combattu soixante ans pour ta gloire", sa tragédie est "philosophique". Elle proclame la contingence des religions, les vertus d'un païen. "S'il était né chrétien, que serait-il de plus?" interroge Zaïre. Même le dur Nérestan l'entrevoit au dénouement. Des péripéties - billet intercepté et de rédaction ambiguë -, des reconnaissances interviennent pour conduire les héros au double sacrifice final. Mais c'est la foi sans faille des croisés, leur prosélytisme religieux, la loi du sang, le "sang de vingt rois", le "sang des martyrs", le "sang des héros" que Zaïre trahit dans des lieux sacrés, qui sont à l'origine d'un drame purement humain. Cette pièce où Voltaire s'est abandonné à la "sensibilité" de son coeur se développe sous le signe du pathétique. Le choix de la pitié est aussi celui de l'humain contre le transcendant.
