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Prière à l’oubliVivre sans toi est une lente agonie,les jours passent et s’étirent, rien de plus, rien de moins,Et mon cœur qui bat pour rien.Ma vie qui vire à l’inutile,Non-sens de l’existence que je nourris.Il est quotidien ce vide remplissant mon corps et mon cœur.Mon univers se résume à toi, et tu n’es plus là.Je me noie.C’est le silence qui m’étouffe, me pèse,je ne veux pas mourir dans ce vide,en apnée d’amour, en trop-plein de chagrin…Initiale dont je crains la majuscule,Grand F de folie.Electriques, mécaniques, j’orchestre autour de moiune cacophonie violente de bruits, pour t’oublier.Grotesques, absurdes, ils sont morts eux aussi,L’oubli me fuit.Vivre ou mourir, si j’avais le choix !Non ! Douleur je suis,intérimaire de ma vie depuis…Tu étais le bruit vivant, tu étais ma vie,Toi mon fils, celui qu’on m’a pris.08/02/2007Lunessences

Antigone est une tragédie en prose de Jean Anouilh (1910-1987), créée à Paris au théâtre de l'Atelier le 4 février 1944, dans une mise en scène d'André Barsacq, et publié à Paris aux Éditions de la Table ronde en 1946 (la page de titre porte 1945).

D'emblée, avec sa réserve habituelle et la secrète inquiétude qui l'anime devant les bassesses inévitables du quotidien, Anouilh met en scène des héros qui refusent de s'adapter aux contraintes du monde comme il va et à s'accoutumer aux compromis. Ainsi dans l'Hermine (1932) et surtout dans la Sauvage (1934) où l'héroïne, devant l'exigence de pureté et d'absolu qui est la sienne, est incapable de tricher et de se mentir à elle-même. L'intransigeance la porte ainsi à choisir lucidement la solitude et le malheur puisqu'"il y aura toujours un chien perdu quelque part qui [l]'empêchera d'être heureuse".

Le fait que chacun d'entre nous se retrouve être l'exécuteur d'un destin déjà tracé inspirera encore à Anouilh Y'avait un prisonnier (1935), le Voyageur sans bagage (1936), où l'amnésie prive précisément le héros de tout ancrage dans le passé, Eurydice (1941) où la mort, en purifiant les amants, leur donne l'absolu. Autant de thèmes, de personnages, de réflexions qui préfigurent Antigone. Une pièce que l'ambiguïté des réponses proposées par Anouilh plaça d'emblée, malgré le succès remporté, au coeur d'une polémique, la censure des occupants allemands ayant autorisé la représentation après avoir lu, semble-t-il, la victoire finale de Créon comme une justification de l'ordre.

Au lever du rideau, le Prologue présente au public les personnages qui vont interpréter la pièce en décrivant à grands traits leur caractère; ils sont onze en tout qui s'éclipsent au fur et à mesure pour laisser la scène vide. La tragédie peut commencer.

La nourrice, scandalisée, surprend Antigone qui au petit matin rentre subrepticement au palais. La jeune fille rassure la vieille femme et inquiète sa soeur Ismène par sa détermination d'aller enterrer leur frère Polynice mort dans un combat fratricide contre Étéocle, et cela, malgré l'interdiction de Créon qui promet la mort à celui qui enfreindrait ses ordres. Après s'être réconfortée auprès de la nourrice, Antigone reçoit son fiancé Hémon, fils de Créon et d'Eurydice, et lui annonce, après lui avoir fait jurer de ne pas la questionner, qu'elle ne pourra pas l'épouser. A Ismène revenue, Antigone avoue alors qu'elle est allée, pendant la nuit, enterrer son frère. Les deux jeunes filles une fois sorties, arrivent Créon et un garde. Ce dernier annonce à Créon que quelqu'un a recouvert le cadavre de terre. Dans un premier mouvement, Créon, en voulant garder la chose secrète, tente d'éviter le scandale. Arrive alors le choeur qui entame des réflexions sur la tragédie, puis Antigone, menottes aux poignets, qui vient de se faire surprendre par les gardes en train de terminer son travail de la nuit. Créon, de retour, découvre, stupéfait, une Antigone dans les fers et qui avoue son crime. Suit une longue entrevue pendant laquelle Créon va tout tenter pour sauver Antigone: successivement, il cherchera à étouffer l'affaire, mais Antigone affirme vouloir recommencer; à minimiser ce qu'il considère comme une étourderie d'enfant, mais Antigone lui oppose qu'elle a agi en toute connaissance et en toute lucidité; à lui prouver que les rites imposés par les dieux ne signifient plus grand-chose, mais Antigone lui rétorque qu'elle ne l'a fait que pour elle, affirmant ainsi sa propre liberté; à lui expliquer comment on gouverne un État et les raisons qui président aux choix, mais alors Antigone fait la sourde oreille; à lui montrer enfin, en lui dévoilant toute l'histoire, l'indignité des deux frères. Cette fois Antigone est prête à céder quand Créon, voulant parfaire sa victoire a un mot de trop, un mot malheureux, celui de "bonheur". Antigone alors se rebiffe et ne sortira plus de sa logique butée, même devant sa soeur Ismène revenue et qui demande aussi la palme du martyre. Créon, excédé par les provocations et les insolences d'Antigone, finit par appeler ses gardes. Le choeur fait alors des reproches à Créon qui doit aussi faire face à la révolte désespérée d'Hémon. On verra encore Antigone dicter à un garde une lettre pour Hémon, dans laquelle elle avoue ne plus savoir pourquoi elle meurt. On vient la chercher pour l'exécution de la sentence. C'est le messager qui racontera sa mort. Enterrée vivante dans un tombeau, Antigone, au lieu d'attendre la mort, a choisi de se pendre et Hémon, qui l'avait accompagnée, s'est jeté sur son épée. A l'annonce de la mort de son fils, Eurydice, en silence, s'est aussi tranquillement coupé la gorge. Créon, resté seul avec son petit page, se rend au Conseil pendant que les gardes continuent à jouer aux cartes.

La liberté de construction de la pièce sert en fait le propos général. On enferme mal une interrogation sur le destin de l'homme dans un carcan trop géométrique d'actes et de scènes. En revanche, comme le fait le Prologue, on peut en présenter les personnages comme des pupazzi de la commedia dell'arte ou comme des acteurs pirandelliens qui vont endosser un rôle, et qu'un montreur non identifié va animer tout à l'heure. S'accentue ainsi l'impression de déréliction générale et s'affirme la nécessité pour chacun de jouer "son rôle jusqu'au bout". Cette théâtralisation des comportements est encore accentuée par le jeu des anachronismes délibérés (à la création, les gardes, par exemple, étaient vêtus d'imperméables noirs et jouaient du revolver alors que Créon était en frac) qui portent la force du mythe jusque dans le vécu du spectateur, et disent autrement que le prestige des dieux et de leur éternité s'est enfui des cités où désormais la raison plus que la foi dicte des lois ineptes.

On accède ainsi au coeur même de la tragédie: la quête d'une vérité insaisissable mais partout présente dans la pièce, symbolisée par le jeune page; la nostalgie d'une enfance perdue où le beau et le lumineux paraissent plus essentiels que le bien et la tranquillité. Certes, on peut ne voir dans la révolte d'Antigone qu'une résistance contre toute forme d'oppression, contre les lois absurdes et indispensables édictées par des hommes pour construire des cités heureuses, et l'affirmation d'une liberté individuelle contre le destin collectif. Si elle n'était que cela, la lutte d'Antigone serait vaine. Elle déboucherait au bout du compte sur ce qu'elle refuse même d'entendre, le bonheur, parce qu'il est chargé de toutes les compromissions dont la première est l'acceptation de vivre et de vieillir. L'absence de transcendance dans la pièce d'Anouilh rend la quête d'Antigone encore plus désespérée. Elle n'a même plus recours à l'amour contre la haine. Elle réclame simplement "tout et tout de suite" comme une justice parce qu'elle ne croit en définitive qu'à l'éternité du présent, refusant un passé chargé de meurtres et d'incestes et un avenir promis au charlatanisme de la philosophie, du stoïcisme à la Créon par exemple.

Finalement, le sacrilège, aux yeux de Créon, consiste moins à braver une loi qu'à vouloir soi-même dégager l'itinéraire de son propre malheur, et y trouver sa dignité en se donnant l'illusion suprême de la liberté. Pour Antigone, vivre consiste à "dire non", et à ne pas vouloir comprendre, pour échapper définitivement aux sophismes qui justifieraient un bonheur à la petite semaine. Jusqu'au bout, bien qu'elle ait reconnu reconnu l'inanité de ses actes, Antigone, en définitive bourrelée de doutes, obéira à sa nécessité intérieure en se donnant elle-même la mort. Dans leur dialogue de sourds, Créon lui reproche cette retraite désespérée et élitiste. Pour le commun des mortels (Hémon, Ismène, Eurydice, le peuple), il faut des repères et quelqu'un qui se retrousse les manches pour conduire le troupeau. Comme Sisyphe remontant son rocher, Créon va présider le Conseil. Pour lui comme pour Antigone, au bout du compte, la solitude. Dans la pièce, le dérisoire mot de la fin semble revenir aux gardes qui abattent leurs atouts: "Eux, tout ça, cela leur est égal; c'est pas leurs oignons."

Cette pièce qui n'est finalement qu'une longue conversation pourrait se lire aussi comme une tragédie où le langage jouerait le rôle de fatum. Puisque toute transcendance est ici délibérément niée, c'est la rhétorique seule qui anime le débat, somme toute byzantin, entre l'homme d'État qui cherche des compromis et l'adolescente têtue qui ne sait que dire non, et qui meurt d'une querelle de mots, en butant sur le seul qui ne soit pas de son vocabulaire: "bonheur". Dans ce contexte, il n'est pas innocent que la dernière action d'Antigone soit une tentative d'écriture: elle dicte un billet pour Hémon, qu'elle rature en demandant au garde devenu scribe de rayer "Je ne sais plus pourquoi je meurs" et d'écrire à la place "Pardon, je t'aime", abandonnant ainsi toute prétention à la rhétorique, renonçant à expliquer ("Raye tout cela, il vaut mieux que personne ne sache"), pour utiliser délibérément les mots les plus usés, sinon les plus vides. Puis la marionnette n'a plus qu'à se pendre à ses propres fils.

Annexe:

Michel Fagadau : son admiration pour Jean Anouilh

Rencontre exclusive avec Michel Fagadau lors de la mise en scène de Colombe en 2010. Entretien avec Jacques Paugam

Au cours de cette rencontre datée du 1er avril 2010, Michel Fagadau (1930-2011), directeur de la Comédie des Champs-Élysées, évoque son travail sur la mise en scène de Colombe, de Jean Anouilh, son admiration et son attachement pour l’auteur. Michel Fagadau revient aussi sur son parcours de metteur en scène. Dans cette rencontre exclusive, il se livre au micro de Jacques Paugam. (Source: Canal Académie -écoute: 47 minutes)

J'ai mal à la terre
J'ai l'orage au coeur
J'ai jeté l'encre à l'amer
Donnez-moi un anti-douceur©

Révolution...

Se perdre au détour de la vie

Y sentir glisser ses envies!

Surfer sur la vague du temps

Pour rêver juste un petit moment...

Se trouver au carrefour du chemin

Et décider de s'y prendre en main!

Sauter sur l'occasion d'en rire...

Enfin oser croire en son délire!

S'endormir au creux de l'amour

Et ne plus vouloir dire toujours!

Comprendre le pourquoi de son être...

Et décider d'en rester le maître!

J.G.

Participent:

La Loge, Architecture Museum,
Musée royal de l'Armée et d'Histoire militaire
art & marges musée
Musée de la Banque nationale de Belgique
Musée BELvue
BIP Expo - experience Brussels!
Palais des Beaux-Arts (BOZAR) Coudenberg - Ancien palais de Bruxelles
Musée d'Art fantastique (MAF)
La Fonderie - Musée bruxellois de l'Industrie et du Travail
Musée d'Ixelles
Musée Juif de Belgique
Musée des Instruments de Musique (mim)
Théâtre royal de la Monnaie (ateliers)
Porte de Hal
Muséum des Sciences naturelles
Musée de la Ville de Bruxelles Wiels - Centre d'Art contemporain
Musée Antoine Wiertz (Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique)

« Le mal court » est une pièce en trois actes et en prose de Jacques Audiberti (1899-1965) publiée dans le tome I du Théâtre à Paris chez Gallimard en 1948.

Au XVIIe siècle, la princesse Alarica de Courtelande, fille du roi Célestininc, se rend en Occident afin d'y épouser le roi Parfait. Dans les cantons de l'Électeur de Saxe: un homme (Fernand) s'introduit dans la chambre où dorment la princesse et sa gouvernante Toulouse, en se faisant passer pour le roi Parfait. A l'entrée du Maréchal de la noblesse, qui ne le reconnaît pas pour tel, l'inconnu saute par la fenêtre. Il est blessé par balle et ramené dans la chambre. Arrive le roi (Acte I). En compagnie du cardinal de La Rosette, son Premier ministre, il vient annoncer à Alarica que le mariage est rompu car il épouse la soeur du roi d'Espagne. Mais, touché par sa beauté et par son désespoir, il finit par lui révéler que leur prétendu mariage, machination du cardinal, n'avait pour but que de décider les Espagnols à cette alliance. Il lui propose alors de s'enfuir avec elle, mais Alarica refuse, se sacrifiant à la grandeur du roi d'Occident. En l'absence du cardinal, elle s'offre à lui. Parfait refusant à son tour, elle lui montre Fernand qu'elle prétend être son amant. Le roi décide alors de l'épouser, mais Alarica veut lui imposer Fernand. Il sort (Acte II). Alarica a passé la nuit avec Fernand, avec qui elle a "perdu son honneur de femme". Mais devant sa candeur agaçante, celui-ci ne peut se retenir de lui avouer qu'il est un policier du cardinal, chargé de la compromettre définitivement. D'ailleurs sa gouvernante elle-même est une espionne d'Occident. Arrive le roi Célestininc, qui semble satisfait du maigre dédit qu'on lui offre: même lui "triche"... Renonçant à une impossible pureté, Alarica promeut Ferdinand amant officiel et se découvre de grands projets pour la Courtelande. Elle renverse le roi son père, se joignant au passage à la course du mal (Acte III).

C'est sans doute la plus célèbre pièce d'Audiberti; en tout cas la plus classique et la plus simple dans sa composition. "J'ai écrit Le mal court d'un trait, en deux ou trois heures, sur du papier quadrillé, comme si ces trois petits actes, tracés d'avance, m'attendaient quelque part dans l'espace [...]. Le cri: "Le mal court!" que la princesse Alarica pousse à la fin de la pièce constitue, sans nul doute, la constatation de ce fait que le mal, dans sa réalité comme dans sa théorie, se propage avec rapidité. Mais il exprime aussi le souhait profond que ce mal soit court et que lui succèdent l'amour et la bonté."

Malgré ces derniers mots encourageants, la pièce apparaît avant tout comme l'initiation brutale de l'innocence au triomphe du mal. La princesse Alarica se voit d'un seul coup livrée au machiavélisme politique (en la personne du cardinal), au mensonge (en celle de Fernand) et à la trahison (en celle de Toulouse). La naïveté d'Alarica, issue - on le comprend à la fin de la pièce - de l'idéalisme de son père Célestininc (l'homme du ciel), rêveur et musicien, est mise à rude épreuve par les différents coups de théâtre qui lui révèlent progressivement l'étendue de la machination dont elle est victime. A sa volonté d'un monde "clair", Fernand vient apporter de cruels démentis: "Parce que vous n'arrêtez pas de prendre le faux pour le vrai, de choisir le faux, de préférer le faux, j'ai envie de la prendre votre tête [...] et de la poser, crac, devant la vérité, la véritable vérité."

Alarica parvient enfin à la seule conclusion possible: "Le monde est ignoble." D'où cette révolte, esquissée dès la déception de l'acte II - où elle adoptait la nudité d'Eve -, qui la conduit à s'identifier au règne du mal: "Je suis dans le trou, dans la fange / Le serpent me mange, il me mange / Je suis le serpent." Puisque le mal court et qu'on ne peut l'en empêcher, autant se joindre à la course et espérer que, s'il doit quelque jour s'arrêter, "ce soit à l'extrémité définitive de sa vitesse, de sa force!". C'est le sens de la comédie jouée par Alarica au roi Parfait pour le dissuader de se marier avec elle. Sa feinte cruauté lui permet, en le mettant face au miroir, de lui offrir l'image insoutenable de sa propre mort: "Je suis la fatalité de la vie."

C'est que l'initiation au mal se trouve être, simultanément, et plus nettement encore que dans Quoat-Quoat, une initiation à sa dimension théâtrale. "Dès le commencement, c'était une comédie. Voilà la vérité!" Le mensonge est déguisement, jeu, apparence et Alarica ne peut qu'échouer dans son pitoyable désir d'appeler la réalité afin d'"alimenter" la comédie en s'offrant à Fernand dont elle avait cru se servir en le faisant passer pour son amant. Il lui dévoile bien vite qu'il n'est pas celui qu'elle croit et que même les mots d'amour dont il l'abreuvait étaient fictifs: il les tire d'un manuscrit écrit par un autre que lui. Alarica ne peut donc parvenir qu'au constat de l'universelle comédie: "Ainsi partout l'on triche, partout l'on fait comme si." D'où l'ambition de se rendre maître du jeu des apparences en faisant basculer son âme "du côté du mal qui est le bien, du côté du mal qui est le roi", et le renversement final du roi Célestininc. Le mal, selon la métaphore baroque qui est filée d'un bout à l'autre de la pièce, apparaît comme "le vinaigre du monde" dans la "salade" de tous les mensonges. Célestininc qui "donnait des leçons de salade" (au sens propre comme au figuré) se trouve donc renvoyé à ses chères laitues à la fin de l'acte III.

On le voit, la pièce reste alerte et fuyante, pleine de fantaisie, à l'image de son sujet et malgré sa gravité. Comme l'écrivait à l'époque Jean Tardieu: "Il est impossible de rendre l'impression de fraîcheur, de jaillissement et de perpétuel imprévu que donne [ce] langage si neuf et si surprenant dans notre glacial théâtre intellectuel."

Quand on accueille la colère,

Devant accomplir un devoir,

Il serait prudent de savoir

Ce qu’on doit éviter de faire.

Tout besoin incite à agir.

S’il est urgent à satisfaire,

On ne trouve pas nécessaire

De s’attarder à réfléchir.

Une très ardente impulsion

Crée un certain déséquilibre.

On n’est plus complètement libre,

En partant de ses intentions.

En s’alliant à la colère,

Il faut s’en méfier beaucoup;

Elle a rendu des êtres fous,

Devenus bannis de leur sphère.

Ils vivront un destin cruel.

Mus par une infernale ire,

Le corps et l’esprit en délire,

S’étaient réveillés criminels.

                                                                         14 février 2011

Faim de vie.

Manon,

J’ai été rappelée au boulot. Je reviendrai vers 20 heures.

Il y a des pâtes dans le frigo.

Ton père finit sa garde après minuit.

Je t’embrasse. Maman.

Manon reste plantée devant ces quelques mots. Une sensation lui tord l’estomac : Coupable, la fuite de ses parents !

Le memo a rejoint les pâtes dans la poubelle.

Manon avale ses pensées.

Elle mâche et remâche sa colère. Elle rumine ses mots. Manon n’a pas faim, elle s’alimente de sa tristesse.

Enfermée dans ce corps qu’elle déteste, prisonnière des chaînes de la détresse, elle ne sourit plus.

Etouffée par ce monde cruel, dévastée par l’envie d’être belle, elle ne pense plus.

Obsédée par son poids, jour et nuit, forcée de traîner son corps maigre et sans vie, elle ne mange plus.

Déchirée tous les jours par le noir, fatiguée de vomir son désespoir, elle n’en peut plus.

Etranglée par son besoin d’amour, décidée à partir pour toujours, ce soir elle ne rit plus.

Sa vie est sans faim.

Seule, dans cette grande maison, Manon trouve le silence angoissant. La musique, toujours la même, rythme le noir de son désespoir.

Cendrillon, pour ses vingt ans, est la plus jolie des enfants…[1]

Manon sent son ventre crier famine. Son corps réclame avec avidité de déguster des dessins de fleurs. De savourer la chaleur de Mozart et d’un violon, sel de vie. De se délecter des rires du soleil et des rêves d’étoiles.

Elle n’a plus le goût de vivre. Seule, sa main décharnée se blesse à l’os saillant de la hanche. Manon sourit. Douce violence.

Seuls, ses doigts maigres suivent les petites rivières que sont ses veines.

Manon sourit. Douce violence.

 Seuls, ses genoux osseux se cognent. Echos lancinants d’osselets jetés sur une table de jeux.

Manon sourit. Douce violence.

Manon se laisse bercer par la musique. Sa seule amie les soirs affamés de tendresse.

Elle oublie le temps. Dans son palais d’argent. Pour ne pas voir qu’un nouveau jour se lève. Elle ferme les yeux et dans ses rêves. Elle part, jolie petite histoire…

… d’un morceau de chocolat ! Une pensée brutale : « Tu n’as pas le droit. Tu ne mérites pas de te faire plaisir puisque personne ne t’aime. Et tu ne veux pas ressembler à une énorme vieille fille, pas vrai ? Ecoute-moi… Tu resteras une adorable petite fille ! »

Elle commence à boire. A traîner dans les bars. Emmitouflée dans son cafard…

Sa peine se noie dans un verre d’alcool. Ses larmes, amères, coulent. Inaperçues. Des fantômes.

Manon est un fantôme. Un être sans chair. Un fantôme du vide. De l’absence. Du rien. Un fantôme si léger que le moindre souffle de vent pourrait l’emmener avec lui.

Elle étrangle son verre pour se remplir le cœur.

Manon se sert un autre verre d’alcool. Il y a des traces de vie dans l’eau de vie et, quelques petites pilules recluses dans leur prison de carton argenté.

Elle hésite un moment. Joue avec les comprimés. Elle avale le tout avec la même passion que les bonbons multicolores de l’enfance.

L’aiguille de l’horloge a  continué son chemin et a largement dépassé 3 heures.

Un nuage de lait ponctue le ciel de la nuit. Noire.

Manon s’assoupit, épuisée. Les blessés de l’âme le savent. C’est lorsque nous fermons les yeux que nous voyons le mieux.

Un coma éthylique la guette.

… Elle tue sa dernière chance. Tout ça n’a plus d’importance.

Un coma idyllique pour écrire le mot fin.

 Elle part. Fin de l’histoire.

Un sourire serein habille son visage. Un sourire d’ange.

Notre Père qui êtes si vieux. As-tu vraiment fait de ton mieux. Car sur la terre et dans les cieux. Tes anges n’aiment pas devenir vieux.

Quelques mots oubliés sur la porte du frigo.

Ne plus être.

Ne plus devenir.

Pour enfin exister.

Figure ou peinture, peinture d'une figure ou le rouge et noir jouent en se partageant le territoire.

Flo figure fond rouge et noir 50x50 acry et marouflage sur toile Gegout©adagp2011

Fond noir- fond facile qui magnifie chaque couleur..

 J'éprouve face à ce type de fond , un mélange de plaisir simple et même temps la sensation que la joue facile..!

 Serais-je devenu un peintre déco ?

Pour la saint-Valentin, offrez-lui ce spectacle magnifique !

René se souvient de ses vacances chez sa grand-mère à Soignies, berceau de la pierre bleue. « Je joue avec une petite fille dont j’ignorais le nom. » La grille du cimetière où ils jouaient se ferme. Elle a disparu. 

 Voici un huis clos qui évoque de façon ludique la vie de René Magritte, l’homme au chapeau boule,  vue par Georgette, sa femme,  sa muse chérie, son exclusive égérie, sa complice éternelle, son unique modèle...

Magritte peint dans la vie mais ne peint pas dans la pièce. La pièce c’est « la » pièce. La pièce où ils vivent, dans chacun des lieux où ils ont vécu de leur premier logement en passant par Paris, jusqu’à la rue des Mimosas, près du parc Josaphat, où Magritte s'éteindra à 69 ans, le 15 août 1967 à 15 heures.  Voici des tableaux vivant  la banalité  de  la vie de tout couple, et pourtant  une alchimie particulière, un mystère extraordinaire. Surréaliste ?  Aucune  figuration des peintures de Magritte: sa vie de peintre est entre parenthèses. Avec des comédiens de 2011, ce couple revisité, est vraiment  touchant.   Cela a quelque chose de jeune, de dynamique, d’innovateur, d’éternel, cela a le charme de Roméo et Juliette. Dans l'air, il y a l'énigme de tous les couples qui durent.

L’image du père fait ombre, elle se veut prophétique comme une scène d’Hamlet ou de Don Juan, elle représente  le bourgeois de 19e siècle engoncé dans ses certitudes, muré derrière ses habits de circonstance, avare de paroles. Léopold Magritte, « prohibant le sabir wallon dans sa maison, marchand tailleur et affairiste, brade, vend, écoule. Coureur de jupons, frimant et plastronnant, il  lui souffle : «M’as-tu vu bedonnant, d’un chapeau boule coiffé, cravaté, pocheté, costumé, tel un bourgeois sapé, tu me ressembleras, René !’  Cet homme à femmes, le mari de sa mère qui se suicide dans la Sambre, inondera le fils de sa culpabilité. A l’école, Magritte se décrit comme le fils de la noyée. « J’avais 14 ans, elle en avait 40.» Malheur indicible qui le corsettera à vie. Georgette : « De la perte cruelle, René se remet à peine. Je suis sa petite mère, Il est tout à moi ! »

La mise-en-bouche est de Patrick Rougiers : les mots dansent dans le tableau du théâtre. L’écriture rimée, parsemée  vocables belgo-belges comme des touches de peinture,  donnent une forme fantaisiste à la pièce. L’humour fait loi. Georgette: « J’ai fait une fausse couche, ce fut une froide douche. »  Assonances, allitérations, associations musicales ou rythmiques, tout cela laisse un magnifique espace pour le jeu des postures, des regards, le brillant du rouge à lèvres Diorescent de Georgette assorti à l’ourlet de sa robe mobile,  le magnifique film et les arrêts sur image qui encadrent les personnages. La mise en scène ciselée de  Monique Lenoble met carrément en scène toute  la lumière et les couleurs de Magritte, ce sont autant de moments de beauté, qui donnent de l’appétit,  du plaisir artistique. Cette comédie picturale diffuse un plaisir rare. Aurore Rougiers et  Baptiste Blampain sont éblouissants.  Le quatuor de comédiens nous livre une musique qui n’est pas une musique.  Ne vous en privez pas !

Du 27 janvier au 27 février 2011, le Poème 2 vous propose:

Je m’allonge et ferme les yeux.

Dans le noir et dans le silence,

Je ne suis plus en aucun lieu,

Comme privée de l’existence.

Or, je demeure bien vivante,

Sans besoins et sans volonté.

Libérée, ma pensée errante,

M’impose de l’écouter.

Toujours active, inattendue,

Peut me sembler incommodante,

Ou bien me laisse détendue,

Tout en devenant motivante.

Je ressens alors le désir,

De conclure avec clairvoyance.

Raisonner me cause un plaisir,

Trouver les mots, une jouissance.

9 février 2011

Quand, à la clarté lumineuse,

Succède un jour privé d’éclat,

Je l’accueille d’un regard las;

Ma pause sera ennuyeuse.

Hier j’étais ragaillardie,

Le soleil me rendait joyeuse,

En cet instant, me sens peureuse;

Des flocons valsent sans répit.

J’attendais, à mon habitude,

Que s’accélère la tempête

Et déçue, je faisais la tête.

Voilà crevée ma certitude.

L’espoir radieux resurgit;

Magiquement, ma page brille,

La neige immaculée scintille,

Le ciel se nacre et bleuit.

Février, porteur de vent froid

Et surtout de neige abondante

Peut offrir des grâces touchantes;

Il me surprend souventefois.

12 février 2011

AGÔN

                                                                                                                                    A Bart et Consorts

La ruse souscrit clairement à l’allusion - l’impasse tisse la manigance. Comment scinder ce que l’on peut réunir ? Et pourquoi réfractaire l’inverse parcourt les miasmes ? Le mobile filtre l’utilitaire risque. La caricature est l’éloge du caractère - le ventre ingurgite le gouffre de l’icône.

De plus en plus déchirée, la distance s’accroche à l’appétit et encaisse futile. L’erreur enchevêtre la pieuvre. Comment changer de voie et ouvrir de multiples combinaisons ? Mieux répartie, la matière et la conséquence croissent faisant face à la mûre réserve. L’équation confie le dénuement au bouclier. Clivage, une version, ne conclue, aveu de bataille, accroche l’éclat des territoires.

Le caporal ânonne et exhorte ses troupes à dévaster le tableau. La disposition tient lieu de lutte. Les vains espoirs sont comme des maquettes, trop fragiles et sujets au confinement précieux. Les entraves couronnent la fuite probante. Les enceintes altèrent le tangible. Le pourcentage piaffe parmi les fracas.

                                                                                                                           Zachary Lusten

                                                                                                                         Le 28 janvier 2011

Avoir

                Ce peu de beauté en partage

                Partie de la beauté du monde

                Une once d’amour par-dessous

                               Savoir

                Ce feu de la comète blonde

                Et connaître le seul langage

                Où l’être à jamais se dissout

                               Aimer

                Le jeu de la fête céleste

                Joint à l’univers asphodèle

                Dans l’or de l’espace qui meurt

                               Damer

                Le pion aux mouvantes rumeurs

                Savoir la main qui te modèle

                Le corps et le cœur et le reste

                               Tracer

                Dans le ciel noir une rayure

                Brève de feu clair un éclat

                Qu’un enfant trouvera dans l’herbe

                               Passer

                Infime vie et puis superbe

                Goûter la musique des glas

                Beauté du monde amour blessure

Pièce historique : la seconde guerre mondiale, un délégué de la Croix rouge va inspecter un camp de concentration. Il est les yeux du monde. Il sera aveuglé.  Il sera accueilli avec une courtoisie extrême par un commandant, élégant et lettré. Déjà le théâtre.  On lui jouera une farce: un village modèle, des gens qui jouent la normalité, un kiosque, une jolie gare avec une horloge, des amoureux sur un banc, des enfants qui jouent à la toupie, au ballon, une petite fille qui baigne son bébé en celluloïd… « N’aie pas peur, Rebecca, dis bonjour au Monsieur ! » Il ne se doutera de rien ! Les rumeurs de monstruosités s’apaiseront dans son esprit face au  bateau qu’on lui a monté.  Malgré des indices visibles, et parce que sa main n’aura pas achevé un petit  geste qui aurait pu tout changer. Et si son sens de l’analyse avait été plus aiguisé? Et s’il avait été moins lâche ?  Il conclura : «  les conditions d’hébergement paraissent correctes, l’hygiène, les vêtements dont ils disposent sont convenables, la nourriture en suffisance. » Ses yeux ne verront rien derrière le gigantesque rideau de fumée et le bruit des trains.

Le théâtre ici est sauvagement dénaturé, son mécanisme est mort. Il n’est plus le lieu naturel de catharsis qui permet d’exprimer l’inexprimable, de nommer l’innommable, de provoquer une prise de conscience, d’approcher l’humain dans sa nature fondamentale. Le théâtre est  bafoué.

Le commandant du camp est le maitre de jeu, seigneur de la manipulation, avec des tics de grandiloquence autoritaire, des envolées philosophiques écrasantes, de discours politiques pangermaniques. En homme cultivé, Il a amené 100 chefs d’œuvre de la culture européenne avec lui, pas un de plus. Son bureau est tapissé de 100 tiroirs remplis de dossiers macabres. Il n’acceptera que 100 figurants pour la mascarade qu’il donne afin d’abuser le monde : fixations de psychopathe. Il ose jouer sur la fibre poétique du mot « Himmelweg », alors qu’il s’agit pour tous les déportés, d’une descente aux enfers. Il joue les accommodants : « La guerre est un malentendu entre frères ! » Léger, il signale lui-même « on colporte des monstruosités », rien de mieux pour éteindre les doutes.  « Ah vous voulez des renseignements ? Je n’ai rien contre ! » Ironiquement, il est attiré par l’accent du visiteur étranger, il  veut entendre le mot « paix » prononcé dans une langue qui ne ment pas en continu. Arbeit macht frei !

Le vieux Godfried, le prisonnier juif qui doit collaborer et « traduire les idées de Berlin » à sa troupe de figurants demande pendant une tirade sur Aristote « Pourquoi des chaussures sans lacets ? » Le commandant rétorque « c’est de l’humour juif » ? Au gré des répétitions,  les figurants récitent mécaniquement, cela sonne faux. Derrière les mots et les gestes, il n’y a rien - c’est leur seule chance de se faire comprendre.  Le commandant se met en colère « Dans la vie, on ne parle pas comme cela ! » Godfried trouve des excuses pour tous les faux-pas des comédiens. Leur vie est en jeu ! Le commandant se fâche : « Trouvez des gestes qui vont avec ces paroles. Cherchez dans votre vie antérieure ! »  Godfried plaide « Ils ne comprennent pas ce qu’ils font, ils ont besoin de savoir ce qui les attend. » Réponse énigmatique du commandant « La vie est faite d’incertitudes ! ». Le tutoiement et les tasses de café prennent la relève pour amadouer Godfied. Godfried osera. Il ajoutera à l’intention du visiteur, pour qu’il entrevoie l’immense mise en scène et la supercherie, une phrase incongrue  « Nous sommes un navire qui doit rentrer au port,  le capitaine doit prendre patience » …. Hélas, trop sibylline. « Sauve-toi, Rebecca » dira la petite fille ! Bruits de trains.

Une pièce qui exprime la vérité en contrepoint, avec finesse et pudeur. Avec la mise-en-scène fascinante de Jasmina Douieb, des comédiens plus qu’accomplis,  à la diction et la gestuelle parfaites, c’est  une pièce qui « questionne aussi notre présent et notre rapport à ce que l’on voit, ce que l’on veut bien voir, et ce que, saturés d’images, on ne voit plus. »

http://www.theatre-contemporain.net/spectacles/Himmelweg-4858/

jusqu’au 26 février 2011

La lune se glisse sous un drap vaporeux

La nuit s'évanouit dans un rayon poudreux

Et le silence s'étire en reflets bleutés

Je respire une bouffée d'éternité

Portée par le vent parfumé au jasmin

Je suis les lucioles qui tracent un chemin

Entre les bancs de brume blanche et les chardons

Vers l'orée où tourbillonnent les papillons