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                       LE SOMMET RÊVÉ DE LA VAGUE : L’ŒUVRE D’ANNETTE LAHAYE-COLLOMB

Du 07-06 au 30-06-19, l’ESPACE ART GALLERY (83, Rue de Laeken, Bruxelles 1000) a eu le plaisir d’exposer l’œuvre du peintre  française, Madame  ANNETTE LAHAYE-COLLOMB, intitulée : ÉVASION MARINE.

Rarement la peinture n’a atteint un degré d’interprétation aussi exhaustive dans l’évocation du sentiment. Concernant ANNETTE LAHAYE-COLLOMB, le sentiment évoqué est celui de l’évasion. L’évasion est avant tout un voyage. Un voyage intérieur. En dernière analyse, il ne peut être qu’un voyage intérieur, car par le biais de l’image, en tant que véhicule, il exige l’introspection. Le thème véhiculé est celui de la mer. Cette mer se singularise par une volonté d’élévation. Tout part du bas, de l’avant-plan, pour atteindre précisément le sommet de cette évasion. Concrètement, pour franchir ce sommet, l’artiste surélève la ligne d’horizon jusqu’à la faire coïncider avec la naissance du ciel. L’effet de gonflement de la mer, associé à la verticalité pensée de l’image, confère à l’œuvre un aspect presque « gothique » dans l’étymologie architecturale du terme : l’élévation de la bâtisse picturale conduisant vers le ciel. Les tableaux intitulés LE VENT SUR LA MER (60 x 60 cm-acrylique sur toille)

et IMMENSITÉ (60 x 60 cm-acrylique sur toile)

s’inscrivent dans cette esthétique.   

LES OISEAUX DE MER (30 x 30 cm acrylique sur toile)

La mer offre souvent des instantanés tels que le vol de mouettes « en suspension » dans l’air, planant entre les vagues. L’émotion est ici « en suspension » car, même si le vol semble » arrêté sur la toile, il se poursuit dans l’imaginaire du visiteur. Cette œuvre met en exergue un tour de force. A’ partir d’une dominante bleu-foncé, délimitant un cadre sombre, celle-ci permet aux mouettes de se signaler plastiquement, donnant même jusqu’au sentiment de sortir du cadre. Cette œuvre se distingue également par le fait qu’elle s’inscrit à l’intérieur d’un petit format. A’ partir du milieu de l’espace, les mouettes entament leur envol, l’une se superposant à l’autre, verticalement. Et cet envol se concrétise à partir la crête d’une vague, coupant l’espace en deux, à partir de l’avant-plan. Les extrémités de la toile sont soulignées de matière bleue, se confondant avec le chromatisme général. Cela donne l’effet d’une « fenêtre », d’un écran, à l’intérieur duquel se déroule la scène.

L’évasion transcende la simple réalité visuelle : s’agit-il de trois mouettes, l’une superposée à l’autre ou bien d’un seul oiseau dont l’envol est démultiplié jusqu’à atteindre le point culminant?

Il est merveilleux d’observer comment, à partir d’une seule note chromatique, en l’occurrence la bleue, les remous soulignés par l’écume sur la mer démontée, s’inscrivent dans la dynamique du mouvement.

Une deuxième écriture vient préciser la démarche picturale de l’artiste. Outre les marines, elle aborde une écriture carrément « abstraite », parfois dépouillée de tout élément cognitif, à l’instar de deux œuvres portant le même titre, ayant les mêmes dimensions et réalisées avec la même technique :

CADRES AVEC 3 PEINTURES ASSEMBLÉES (A) ET (B) (60 x 32 cm-acrylique diluée au pinceau japonais - ce pinceau est spécialement utilisé par les calligraphes).  

Ces deux œuvres représentent une série de trois miniatures. Chaque miniature représente à son tour deux petits tableaux monochromatiques. Même si le figuratif est absent, l’atmosphère demeure, sinon maritime, du moins lacustre. Car l’on devine, de par l’opacité de la couleur, la présence de la mer. Chaque composition est enserrée par un halot de couleur claire, comme pour l’encadrer une seconde fois.  

Voici une variation sur le même thème. Trois miniatures, contenant un petit tableau vers le haut, ainsi qu’au milieu avec trois petites compositions à la  base, nous montre un carré démultiplié (transformé en losange dans la partie du milieu), formant comme nous l’avons spécifié plus haut, une série de variations sur un même thème. Dominée par le bleu foncé, le blanc et le noir, ils s’inscrivent tous sur un fond  blanc, saupoudré de quelques nuances bleu foncé, parfois à peine perceptibles. Le visiteur ne peut qu’être médusé par la dextérité technique de l’artiste, dominant l’abstrait comme le figuratif, avec une telle sincérité.

Un dénominateur commun unit les petits formats avec les miniatures, à savoir ce que l’on pourrait qualifier de « côté fenêtre », à travers laquelle la scène se déploie. Les mouettes figurant dans LES OISEAUX DE MER (cité plus haut) ainsi que VUE DES REMPARTS (30 x 30 cm-acrylique sur toile) sont animés par cette même esthétique.

L’avant-plan de cette œuvre fait penser à deux colonnes portantes, au centre desquelles apparaît le paysage marin.

Trois espaces ou si l’on veut, trois étapes scandent LE LAGON POLYNÉSIEN (80 x 59 cm-acrylique sur toile).

A’ l’avant-plan, se déploie la plage, à la suite de laquelle s’étale la mer. A’ partir de la ligne d’horizon (placée très haut) prend naissance le ciel.

Observez la façon dont le bras de mer est compris (pour ne pas dire « comprimé ») entre la plage et le ciel. Il n’existe que comme parenthèse. Mais c’est là une parenthèse jouissant de nombreuses variations chromatiques par rapport à l’ensemble de la composition : le bleu (en dégradés), le vert (en dégradés), le noir alternant ça et là, avec des ersatz de blanc, fuyants comme des éclairs.

Par conséquent, cette parenthèse est en réalité, l’élément central de la toile. Sauf qu’à ce stade, il ne s’agit plus du paysage maritime breton mais bien d’une plage située à Moorea (en Polynésie).

LE VENT SUR LA MER (mentionné plus haut), nous offre une vision de l’océan en furie. L’on ressent la poussée de vagues à partir du bas (avant-plan) jusqu’à être projetées, en crête, pour se confondre avec la ligne d’horizon surélevée. A’ cette dominante bleue (en dégradés), deux tonalités issues de la même matrice, s’entrechoquent (le ciel et la mer), séparées par trois entités monolithiques, de couleur brune, séparées l’une de l’autre, représentant des rochers.

IMMENSITÉ (mentionné plus haut) présente un discours similaire mais conçu d’une façon beaucoup plus calme. L’océan monte, partant de l’avant-plan mais contrairement à LE VENT SUR LA MER, l’ascension, grâce aux différences chromatiques (vert, rouge, jaune, blanc et bleu), se fait en quelque sorte, par « étapes ». L’on pourrait, à l’extrême limite, « escalader » les vagues montantes pour arriver au sommet. Chose impossible avec LE VENT SUR LA MER, tellement les éléments sont démontés.

Evoquant CADRES AVEC 3 PEINTURES ASSEMBLÉES (mentionné plus haut) et LE VENT SUR LA MER, qu’ils soient au nombre de deux ou de trois, le dénominateur commun concernant ces petits formats réside dans le fait qu’ils présentent des figures conçues dans le module du carré, parfois conçus en losanges, à l’instar des CADRES.

A’ la vue de son œuvre, la question qui surgit à l’esprit, revient à se demander quel rapport l’artiste entretient avec l’évasion. A’ cela, elle répond que l’évasion est avant tout une façon de vivre. Et cela se ressent, lorsqu’elle nous apprend que sa grande passion est celle de faire de la voile.

Nous évoquions, plus haut, le côté « gothique » de son rendu de la mer, en remontant systématiquement la ligne d’horizon sur chaque toile conçue.

Cela s’explique par le fait qu’elle considère l’horizon comme étant la porte de l’évasion du regard, au-delà duquel s’étale l’infini. Et ce sentiment d’évasion s’exprime par l’emploi de sa couleur préférée, le bleu. Couleur qu’elle définit très difficile à rendre car elle est synonyme d’espace. A’ côté de son activité de peintre, l’artiste est également écrivain.

Ses deux activités créatrices deviennent alors complémentaires si elle veut se livrer complètement. La création est pour elle l’aventure d’un grand voyage qu’elle livre sur la toile et sur le papier. Une aventure complétant ses nombreux voyages. Et lorsqu’elle peint un paysage, elle s’efforce à le peindre non comme une réalité mais bien comme elle l’a ressenti. L’artiste nous restitue le passage de la réalité à la sensation. Elle ne travaille jamais d’après photo.

ANNETTE LAHAYE-COLLOMB, qui peint depuis 15 ans, évolue dans une abstraction personnelle, laquelle ne l’a, néanmoins, jamais éloignée du figuratif. Elle a fréquenté l’Ecole de Beaux Arts de Brest où elle a travaillé le volume ainsi que les mélanges de couleurs, ce qui lui a donné une base solide. Sa technique comprend l’acrylique, les poudres de métal pour réaliser certains rendus et le fusain. Elle aime travailler les épaisseurs au lavis. Le couteau n’est jamais utilisé car il ne procure pas assez de nuances. Il est remplacé par la brosse. Travaillant toujours debout, elle précise qu’il lui est impossible de « reproduire » aucune de ses œuvres, voulant par là évoluer à chaque étape créative. Chaque œuvre est l’étape d’un voyage, à la charnière entre l’odyssée intérieure et la mémoire d’un paysage intensément vécu.

L’artiste nous les livre en une offrande ascendante où ciel et mer reculent à chaque fois les frontières du grand large.

François L. Speranza.

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Collection "Belles signatures" © 2020 Robert Paul 

N.B. : Ce billet est publié à l'initiative exclusive de ROBERT PAUL, fondateur et administrateur général d'Arts et Lettres. Il ne peut être reproduit qu'avec son expresse autorisation, toujours accordée gratuitement. Mentionner le lien d'origine de l'article est expressément requis. 

Robert Paul, éditeur responsable

A voir:

Focus sur les précieux billets d'Art de François Speranza

L'artiste ANNETTE LAHAYE-COLLOMB et François Speranza : interview et prise de notes sur le déjà réputé carnet de notes Moleskine du critique d'art dans la tradition des avant-gardes artistiques et littéraires au cours des deux derniers siècles.

Photo de l'exposition de ANNETTE LAHAYE-COLLOMB à l'ESPACE ART GALLERY

Regarder un chat qui dort, 

me donne cette illusion que la

terre tout entière est en paix ; 

c'est encore bien plus fort

lorsque la marche de l'horloge

se fait entendre !

Avez-vous remarqué que le 

chat endormi nous gratifie toujours

d'un sourire, de cette quiétude exprimée

à l'ombre des turbulences urbaines ;

son ronronnement nous est si 

bienfaisant, sacré.

Pur bonheur !

NINA

Il est midi, en plein cagnard,
sur l'esplanade claire,
Nadia dans les bras de Mehdi,
encore tout ahuri, s'abandonne
et s'y love, laisse parler son corps..

Face à un réel illusoire

Soudain les mots sont dérisoires!

On se fait l'effet de pantins

Qui avancent sans croire en demain...

Ne pas crier son désespoir

Mais bien qu'on veuille encore y croire...

Faudra assumer le déclin

Pourvu qu'on puisse serrer une main!

Certes, besoin d'imagination

Pour aider à garder raison!

Et l'ironie de développer

Une nouvelle façon de rêver...

Coucou mes amis (ies) lecteurs (rices), mon roman policier « Un matin glacial » vient de paraître dans vos librairies habituelles et sur le Web au  en broché et  en e-book.

Dans ce roman, les lecteurs retrouveront le lieutenant Duharec qui étaient un des policiers de la série Duharec-Dorman. L'intrigue est basé sur une collaboration entre la brigade criminelle et le détective Grand.

Lien vers l’éditeur https://www.bod.fr/librairie/un-matin-glacial-martine-lady-daigre-9782322203604, mais vous pouvez aussi le commander chez votre libraire habituel.

Merci à vous, lectrices et lecteurs.

                       LES COURBES DE L’AME DANS L’ŒUVRE DE SABINE MORVAN BINDSCHEDLER

Du 30-11 au 30-12-18, L’ESPACE ART GALLERY (83, Rue de Laeken, 1000 Bruxelles), a présenté une exposition consacrée à l’œuvre de la sculptrice française, Madame SABINE MORVAN BINDSCHEDLER, intitulée : LES COURBES DE L’IMAGINAIRE.

L’artiste SABINE MORVAN BINDSCHEDLER qui exposait dans un espace adjacent à celui exposant l’œuvre de son mari, le peintre ERIK MORVAN, nous a étonné par le véritable amour qu’elle témoigne envers les courbes conçues de façon antithétique (voire antagoniste), qui s’inscrivent dans la restitution de la sensualité sensible. Les angles serrés contrastent avec les angles ouverts réalisés dans des attitudes ramassées, rentrées en elles-mêmes. Entre ces deux attitudes plastiques, la ligne affirme une présence effective. Elle se développe  en gardienne comme pour mieux tracer la voie au  volume.  

TRANSFERT (bronze-46 cm)

répond à cette expérience esthétique en alliant, derechef, la courbe pleine avec à l’avant de la pièce, la forme concave, conçue comme l’image d’un retour en soi-même. Cette partie concave présente trois excroissances, l’une reposant sur l’autre, évoquant presque des créatures dormantes. Sur la droite, en bas, le volume naissant s’achève par une forme connue que l’on pourrait interpréter comme évoquant la pointe d’un sein. L’artiste a tenu à apporter une explication personnelle à cette œuvre : « l’univers sidéral uni à la matière provoque un espace de sensibilité où les êtres peuvent arriver à se comprendre. Les fractures de la vie font sublimer l’esprit.» Ces « fractures de la vie » structurant le volume ressemblent à ces hachures qui fractionnent la pièce dans l’attente future d’une unité.

Les angles aigus se retrouvent, notamment, dans PUISSANCE SEREINE (bronze-42 cm).

L’artiste pose son intention : « Le repos avant l’effort». Cette démarche est un avant goût à la pensée nietzschéenne, laquelle préconise le « repos apollinien » après l’ « effort dionysiaque ».  Le corps « disparait » en quelque sorte. L’Homme n’est plus qu’une suite de formes synthétiques incarnées dans l’angle en totale métamorphose. La posture du personnage, tendue vers l’arrière, incite effectivement au repos. Les pleins et le vides suggèrent une musculature inexistante.

Le visage est absent, ou plutôt, il somnole dans un espace rectangulaire comportant, en son milieu, une excroissance vertébrale, le séparant en deux axes. L’artiste a-t-elle toujours été sculpteur?

Ce trait, d’une extrême finesse, séparant les zones planes des zones convexes, délimitant les espaces, témoignent d’une grande sensibilité picturale dans la conception de la pièce sculptée.

INTROSPECTION (bronze-16 cm)

L’artiste précise sa démarche en ce sens : « se concentrer, se retourner contre soi-même, certes c’est une recherche de la vie, de l’éternité. Se protéger contre les agressions, élaborer une carapace de protection pour affronter, sans crainte, le monde qui nous entoure ». Nous sommes, par conséquent, dans l’intime. Dans un intime qui refuse de se dévoiler au Monde. Une intimité qui jamais n’aurait souffert de se manifester dans une œuvre de grandes dimensions. Dans cette pièce, l’intime, pour conserver son humanité, se manifeste dans l’écrin d’une œuvre en réduction.  

Elève à l’atelier Paul Bigorre, au Maroc ainsi qu’à l’atelier Jean-Jacques Hamard, faisant partie de la Fondation Rothschild/Paris-Est, les œuvres exposées expriment à la fois différents états d’âme ainsi que plusieurs étapes qui ont structuré son travail. Après des études littéraires, elle s’est immédiatement dirigée vers la sculpture. Le but de son travail exposé (que l’on retrouve tout particulièrement dans PUISSANCE SEREINE-mentionnée plus haut) consiste dans une stylisation travaillée de la figure humaine. A’ la question que nous nous posions plus haut, à savoir le rôle de la ligne dans le tracé de sa sculpture est certainement le fait d’une influence exercée par sa mère, artiste-peintre. Néanmoins, son souci principal de sculptrice est celui de la représentation de la pièce dans ses trois dimensions ainsi que le rapport harmonieux entre les pleins et les vides. Quant aux ombres et aux lumières, l’artiste s’en sert comme d’un matériau jouant sur la plastique. Sa philosophie de la forme est centrée sur le sentiment libérant le visiteur au contact avec la pièce, en insistant sur le fait que, bien entendu, aucune réponse n’est préconçue et qu’il lui incombe de la vivre. Sa technique consiste dans le bronze, additionné de terre et de résine. L’artiste évite systématiquement toute forme d’influences, voulant garder, comme elle le spécifie, son regard « vierge ». Depuis peu, elle évolue dans une esthétique excluant la forme lisse, apportant à la pièce plus de matière.

L’œuvre de SABINE MORVAN BINDSCHDLER est avant tout un voyage au cœur d’une introspection.

Et cette « introspection », déclamée sur plusieurs niveaux, nous offre, tant dans son « transfert » que dans sa « puissance sereine », un portrait vivant de la sensibilité de cette excellente artiste.   

François L. Speranza.

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Collection "Belles signatures" © 2020 Robert Paul

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Focus sur les précieux billets d'Art de François Speranza

La sculptrice SABINE MORVAN BINDSCHEDLER dans son atelier 

Le temps de lire. 

Nourreddine Louhal continue de quêter le patrimoine immatériel du Vieil Alger, « Dzaïr laqdima ». Après nous avoir offert les jeux de l’enfance, ouvrage dans lequel il retrace avec beaucoup de nostalgie (n’est-ce pas que l’internet a cadenassé l’imaginaire de nos enfants !) les jeux, par saison, qui faisaient en son temps notre bonheur. Du jeu de l’osselet au jeu de cache-cache, Nourreddine Louhal nous prend par la main, comme pour une promenade mémorielle, nous montre, photos à l’appui, ces jeux, leurs règles, leurs techniques et la période idoine. Cette fois-ci, Nourreddine Louhal nous propose une virée dans Alger la Blanche, contes, légendes et bouqalate (Ed. Tafat, 2017) ; non pas comme un guide touristique, mais plutôt comme un retour vers ce temps béni (n’est-ce pas que la télévision a brisé les codes anciens, du temps où l’oralité tissait l’imaginaire de nos enfants !) du conte, pas loin du kanoun, la tête posée sur la jambe de la grand-mère (mani, jida, yaya, zaâzi, setti…), quand la projection appelle à une forme d’éducation. C’est alors M’quidech bou lahmoum, Loundja, Cheikh l’kanoun…, pour distiller à l’oreille des enfants, comme dans une partition musicale, nos mythes et légendes. Et pour dire la cosmogonie d’une société ! C’est en effet un «jus de mémoire à consommer sans modération» (Aïssa Bellache). J’aurais aimé savoir où en est Nourreddine Louhal avec l’almanach de La Casbah qu’il avait promis de faire. Je pense que ce quartier immémorial, en fait Dzaïr ssah, part en lambeaux ; il est grand temps de happer à l’injure du temps, par photos ou autres, ce qui peut être sauvegardé dans la mémoire collective.

Youcef Merahi          

Chronique du jour : Tendances

« Le temps de lire »

Extrait du journal « Le soir d’Algérie » du 24 juillet 2018.

Arbres de vie et de légende 

Arbres de rêves.

J'ai aimé les rencontrer

Les photographier lors de mes voyages.

Élément noble s'il en est un,

Il faut prendre soin de lui

Comme il le fait de nous...

Caroline-Sophie Megglé

A l'heure où nous remettons un pied dehors avec hésitation et incertitude dans l'avenir et multitude de questions dans la tête, je vous propose un petit livre sympa qui aborde avec humour les petits tracas du quotidien pour prendre la vie du bon côté et avec un peu de légèreté.

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Il ne peut vous faire que du bien !

Dieu est le synonyme de la Nature,
Son nom, l'instrument pensant de la création.
L'homme à son image hérita de ses pulsions,
Bon ou mauvais en proie à ses tortures.
L'homme est donc sur terre le secrétaire de Dieu !
Ayant reçu les pleins pouvoirs du divin,
Il sait endosser un manteau moelleux
Et brandir l'épée ou le sceptre du destin.
L'homme et Dieu ne font donc qu'un même esprit,
Se consultent à propos du paradis,
Le distribuent pour de nobles raisons,
Du moins pour celles qu'ensemble ils firent union.
L'un ne contrarie que peu son partenaire,
Tous deux ont des domaines bien réservés :
Le maître du vent s'occupe du tonnerre,
Et le secrétaire des tiroirs empoisonnés !
Même si parfois le maître des lieux
Rappelle à son sbire un peu trop capricieux
Que jouer à l'apprenti de laboratoire
N'est pas une mission divinatoire.
Mais au fond ne sont-ils pas un peu complices,
Car donner à son secrétaire la clef du tiroir
Et lui interdire de toucher aux notices,
N'est-ce pas le tenter à vraiment le vouloir ?



Pensée du jour, 26/05/2020

Menneken-Pis. Tenue de soldat volontaire de Louis-Philippe. Le cuivre de la statuette provient de douilles de balles de la révolution belge de 1830.

(Collection Robert Paul).

                              PAYSAGES DE LA MÉMOIRE : L’ŒUVRE DE LUDOVIC BROQUART

Du 08-03 au 31-03-19, l’ESPACE ART GALLERY (Rue de Laeken 83, Bruxelles 1000) a proposé l’œuvre du peintre français, Monsieur LUDOVIC BROQUART dans une exposition intitulée : LA MÉMOIRE DE L’EPHEMERE.

Dire que LA MÉMOIRE DE L’EPHEMERE est une suite d’instants du sentiment du temps qui passe, équivaut à gloser pour ne rien dire. Le temps devient ici un sujet visuel traduisant sa plasticité dans un chromatisme qui trouve sa consistance dans l’évanescent. L’écriture picturale de l’artiste est d’essence théâtrale, en ce sens qu’elle campe le personnage du temps dans un décor bien précis : celui des paysages du Nord de la France. Des paysages de campagne qui laissent deviner la présence fantomatique de la mer à l’intérieur d’étendues désolées, battues par le vent, rappelant le roulement tragique des vagues sur une mer démontée. Ce qui en outre, fait la force de cette œuvre, provient du fait qu’un chromatisme à la fois doux et tendre arrive à « incarner » une atmosphère aussi morne et désolée que l’on s’attendrait à voir traduite par des couleurs souvent violentes. Ce décor dévoile son essence théâtrale dans sa conception spatiale.  L’œuvre s’élève, si l’on ose dire, du bas vers le haut en ce sens qu’à partir d’une ligne d’horizon extrêmement basse, la composition s’élance dans un embrasement de tonalités grises (en dégradés) recouvrant l’ensemble de l’espace. Ce qui provoque le sentiment fallacieux que cet amas cadavérique écrase, en quelque sorte, l’atmosphère verdoyante du paysage champêtre, ce dernier prenant naissance à partir du deuxième plan en partant du bord de la toile. Ce qui provoque le sentiment premier d’une distanciation par rapport à l’ensemble, lequel s’évanouit extrêmement vite pour se perdre dans les ravages de la brume, personnifiant le temps (qui passe).  

CIELS 1020 (120 x 70 cm- huile et fusain sur toile)

Il est des œuvres telles que CIELS 676 (120 x 70 cm – huile et fusain sur toile)

où le vent de la campagne est directement absorbé par le gris du ciel, envahissant la totalité de l’œuvre. Le fait que la scène débute dès le deuxième plan à partir du bord de la toile signifie que la scène est destinée à être lue de loin, éloignant l’espace d’un instant, le visiteur. Cela signifie-t-il qu’il n’est pas invité? Très loin de là! Il fait partie intégrante du décor par le simple fait que soumis à sa propre finitude, lui-même participe du temps (qui passe).  Néanmoins, l’artiste ne l’invite qu’à partir du moment où il entame un dialogue introspectif sur l’humanité de sa condition.

Ce moment devient, dès lors, incontournable à l’émergence d’une prise de conscience car la puissance désolée  du paysage invite à la catharsis.  

LUDOVIC BROQUART est le peintre du vent. Il suffit d’observer l’ondulation des troncs d’arbres et des branches pliant sous le souffle. Ici encore, le vent symbolise le temps, comme la « faucheuse » symbolise la mort :

IMAGE  DE PAYSAGE  978 (116 x 81 cm – huile et fusain sur toile)

Cette œuvre peut être considérée comme étant la plus « complète » par rapport à l’ensemble des toiles exposées : le premier plan représente un paysage vallonné, occupant la zone verte. Le deuxième plan est centré sur la lumière échappée du ciel (le blanc) par des trouées éparses. Le troisième plan expose l’immensité du ciel, conçue en noir. Chromatiquement, cette toile est une confrontation entre trois couleurs : le vert (à la base), le blanc (dans le plan médian) et le noir (vers le haut). Le passage du vert est techniquement souligné par un conséquent travail au couteau. Il ne va de même pour le volume créé pour accentuer le paysage vallonné. Une constante technique régit l’ensemble des œuvres, à savoir l’absence de matière sur la surface de la toile.

Le titre de l’exposition est intéressant par sa puissance évocatrice. Il juxtapose « Mémoire» et « éphémère ». Si l’éphémère peut-être, de par son essence, l’antithèse de la mémoire, puisque, de par son existence, il en atténue la puissance, paradoxalement il en est aussi le réveil. L’espace d’un moment, l’étincelle d’un souvenir, enflamme la Mémoire. Dès lors, quelle importance l’artiste accorde-t-il à l’éphémère? Il s’en sert comme d’un signet pour mieux appréhender le temps (qui passe).   

Il est agréablement surprenant d’observer la façon par laquelle l’artiste aborde plastiquement l’espace de la toile avec une économie de matière traitée au chiffon. Scéniquement, tous les éléments sont présents : le paysage tourmenté, le tournoiement du vent, les arbres aux cimes décoiffées, les contrastes opposant nuit et lumière. La matière picturale est organiquement présente tout en étant atténuée par l’annulation des excès, en ce sens que rien ne dépasse du cadre. Elle est contenue en elle-même dans l’espace. Au premier contact avec ces œuvres, une question peut tarauder l’esprit du visiteur, à savoir pourquoi aborder le paysage lointain ? A’ cette question, il est impératif de se pencher sur les deux clés formant le titre : « Mémoire » et « éphémère ». Une constante régit l’ensemble de l’œuvre. Le paysage flou à l’intérieur duquel évolue une nature noire et déchaînée. De plus, elle ne se révèle que de loin. Nous n’y entrons pas.  

Du moins, pas comme nous le voudrions, c'est-à-dire de plein fouet. Elle se tient sur ses gardes. C’est là l’allégorie de la Mémoire : l’image floue parce que lointaine et insaisissable.  

Le fait même qu’elle soit torturée par le vent prouve sa fragilité. Et la fragilité est l’image vivante de l’éphémère car elle affecte celui qui en est atteint.

Un autre indice de cette fragilité consiste dans le contraste entre la puissance devinée de l’arbre et le tronc frêle comme un calice qui le soutient.

CIELS 1020 (cité plus haut) exige de la part du visiteur un effort de concentration dans la réception de la lumière. En effet, au plus on s’éloigne de la toile au plus la lumière affleure au regard, irradiant l’espace. Au contraire, au plus on s’en rapproche, au plus elle semble se renfermer dans une intériorité exclusivement faite de ténèbres. Ce qui cause cet effet c’est cette imposante zone noire coupant la toile en son milieu. Elle semble attirer vers elle l’ensemble du chromatisme. La forêt, située en-dessous de la composition semble écrasée par les éléments au point de disparaître.  

C’est tout le contraire de IMAGE DE PAYSAGE 978 (cité plus haut) où la zone terrifiante est « personnifiée » par le ciel recouvert de nuages noirs et lourds.

Tandis que dans CIELS 1020, ce côté « maudit » est symbolisé par la forêt, exprimant ainsi une opposition ciel/terre, terre/ciel par chromatisme interposé. Ceci est dû au fait que les dimensions ne sont pas les mêmes entre les deux tableaux : CIELS 1020 est plus haut que IMAGE DE PAYSAGE 978. L’artiste peut donc se permettre ce genre d’audaces. 

La mémoire est un bloc de granit! On s’y désintègre à l’impact. On ne peut donc que la contourner pour en déceler les atomes. L’artiste la saisit dans l’interprétation personnelle en recherchant l’instant perdu.

LUDOVIC BROQUART, qui a étudié le dessin, la photographie et les Beaux Arts à Dunkerque, peint les paysages depuis environ trente ans. Il évolue dans l’abstraction et le dessin.

Il est aujourd’hui non plus dans le message mais dans l’émotion à travers ce qui pourrait sembler être, à première vue, une symbolique des couleurs mais qui en fait, répond à une démarche non réfléchie. Ce qu’il en ressort, c’est l’éclosion des couleurs essentielles destinées à traduire par le traitement sombre d’un ciel aimé, le sentiment selon lequel l’artiste ne le reverra jamais. Les paysages, l’artiste les emmagasine dans sa Mémoire pour les réinterpréter à l’infini, une fois seul dans son studio et en traduire l’émotion.  

Une fois dépassée la réalité du contact immédiat, le besoin irrépressible du sentiment se manifeste dans la recherche de l’éphémère qui souligne le temps (qui passe).  

LUDOVIC BROQUART traque la Mémoire comme l’on traque l’ombre d’un fantôme assourdi. Dans le dépassement de la réalité, il nous parle infiniment du temps dans des réinterprétations de l’interprété. L’artiste le saisit dans des couleurs douces et simples, issues d’une encre éphémère. L’encre du temps (qui passe). 

François L. Speranza.

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Collection "Belles signatures" © 2020 Robert Paul

N.B. : Ce billet est publié à l'initiative exclusive de ROBERT PAUL, fondateur et administrateur général d'Arts et Lettres. Il ne peut être reproduit qu'avec son expresse autorisation, toujours accordée gratuitement. Mentionner le lien d'origine de l'article est expressément requis. 

Robert Paul, éditeur responsable

A voir:

Focus sur les précieux billets d'Art de François Speranza

Collection "Belles signatures" © 2020 Robert Paul

L'artiste LUDOVIC BROQUART et François L. Speranza : interview et prise de notes sur le déjà réputé carnet de notes Moleskine du critique d'art dans la tradition des avant-gardes artistiques et littéraires au cours des deux derniers siècles

Au bout du compte, savoir si peu de chose

Devrait c'est sûr, nous rendre un peu morose!

De cette science qui inonde la terre

Vient pourtant l'envie d'un jour… la faire taire!

Trop de connaissance mène au précipice

Et porte en son sein un paquet de vices!

Alors, se consoler de l'ignorance

Et la prendre finalement, comme une chance...

Je ne désire pas
être ailleurs qu’ici
à l’intérieur
de ce jardin
qui s’éveille
dans une inspiration
de poète
aux battements
du jour

..................................
Martine Rouhart

Avez-vous déjà envisagé de lire « Le Petit Prince » de Saint-Exupéry … en brussels vloms ?

Aujourd’hui, c’est possible, grâce aux éditions Tintenfass, au CROMBEL / micRomania ^(*), et à la traduction de Jean-Jacques De Gheyndt.

« Le Petit Prince », alliance de charme, de poésie et de profondeur humaniste, connu dans le monde entier, fait l’objet d’une incroyable collection de traductions ; le catalogue, tous éditeurs confondus, dépasse les 300 variantes !

En ces temps de confinement, le message central du « Petit Prince » prend toute son ampleur : l’amitié, l’amour, l’humain, le moment partagé sont plus importants que l’argent, le pouvoir et l’obéissance sans réflexion. Un message fondamental que l’on relaie aujourd’hui et que l’on oubliera peut-être un peu vite par après.

La poésie de St-Exupéry alliée à la zwanze bruxelloise !

Chapitre 1

As ek min of mier zes joêr aad was, veel ‘k op nen dag op e schuun billeke, in den boek “Echte Veroêle”: da goenk ouver et oorwoud, allei la forêt vierge vè de puriste, en da billeke tundege nen boa constrictor dee ‘n wulle biest on ‘t inslikke was. Da zag er à peu près zu ôit. 

En er stond geschreive: “Den boa constrictor slikt zaainen diner giel binne, zonder zëlfs iene ki te knabbele. Après ça kan em ne mi boezjeire en moot ‘m al sloêpend verteire, zes moind on e stuk”. ‘k Em er nog dikkes op gepaaisd op dat avontuur in de jungle, en mè ne krejong (ne kluirekrejong) main ieste tiekeningske gemokt: 

Ik tundege da pronkstuk on gruute mense en vreeg uilen of da z’er schrik van aan.

z’Antwoudege: “Woeroem zoê‘k na benaat moote zaain va nen ood?”

Mo maainen desseng, da was gienen ood… mo wel nen boa constrictor dee nen oulefant on t’ verteire was! Dan emmek mo ‘t binnenste van daan boa geteikend, vè da de gruute mense da zon kunne verstoên; ge moet uile ècht alles explikeire! Main twidde tiekening was dus:

‘t Ienegst encouragement da’k kreig was va ma te zegge da’k main dessengskes van boas, vanbinnen of vanbôite, mocht loête valle, en da’k ma beiter zoê occupeire mè géographie, gescheedenis, calcul en toêle! Kunt et geluuve? Oem zes joêr was maain carrièreas artist al no de vontsjes! Tiekening nummero 1 en nummero 2, da was vè uile krot en compagnie. De gruute mense, dee verstoên naa toch echt nikske, newo; kadeie mooten uilen altaaid alles en vanêr mo ôitleggen en erôitlegge, en da’s fatigant…

‘k Zaain dan mo nen anderen avenir goên zeuke: ik ben pilote de ligne gewëdde. Zu zaain ek wat ouveral goên vleege, en géographie dat ei ma wel vuil gëlpe: ‘t verschil kunne moêke tusse Cheena en Arizona, da was ketsjespel vè mai, en da kan goo va pas kommen as ge verloore lupt in de doenkere. En zu emmek dan van alle serieuze mense liere kenne. ‘k Em langen taaid tusse volwassene mense geleifd en vuil importante zoêkes van uile gelied. Mo zegge da’k z’interessant vond, da’s wat anders!

A’k er ienen teigekwam dee d’er wa minder stoem ôitzag as Monsieur Toulmonde, tundege ‘k em main ieste tiekening, da‘k altaaid op zak aa. Ik waa weite of da daan gust da zoê kunne verstoên. Mo ‘k en aa nuut gien sjâns, ‘t was altaaid ‘t zëlfde leeke: “Awel, da’s toch nen ood!”. Dan leet ek et mo leever valle, main istourekes ouver boas constrictors, jungleof steire. Ik sprak dan nog allien ouver bridge, golf, poleteek of cravatte. En daan gruute mens vond ‘t presees tof mè zu ne verstandege kadei as ‘k ik, te kunne raisonneire.

Chapitre 21 

“Bonjour, zaa de vos.

–  Bonjour, zaa de Klaaine Prins beleifd. Ei drôiden em oem mo zag niks.

–  Ee ben ‘k, onder den appelêr, zaa de stem.

–  Wee zaaije gaa? vreeg le Petit Prince. Ge zeet er zu magnefeek ôit...

–  Ik zaain ne vos, zaa de vos.

–  Komde mè maai mei speile? proposeidege de Klaaine Prins, ik veul ma zu tristeg...

–  Oe kan ek ik naa meispeile, zaa de vos? Ik zaain ni gapprivoiseid.

–  Oh, pardon”, zaa de Klaaine Prins.

Mo ei erpakten em:

“Wa betiekend da «gapprivoiseid»?

–  Gaai komt ee presees ni van achter ‘t krôispunt, zaa de vos; wa zukt ee?

–  Ik probeir mense te vinne, zaa de Klaaine Prins. Wa betiekend da «gapprivoiseid»?

–  De mense, zaa de vos, dee emme geweire en ze joêge. Da’s vriedeg ambetant! Z’emmen uuk keekene; da’s ‘t ienegsten interessant bè uile. Zeie gaai uuk op zeuk no kikskes?

–  Neie, zaa de Klaaine Prins. Ik zaain op zeuk no kameroête. Wa betiekend da «gapprivoiseid»?

–  Da’s en al lang vergeite woud, explikeidege de vos. Da betiekent «ne link creëre».

–  Ne link creëre...?

–  Exactement, zaa de vos. Gaai zaai vè maai mo ne klaaine ket, zjust gelak al d’andere kadeie. En ik em aa ni vandoon. En ik zaain, vè aa, nen duudgewuune vos gelak er deuzende rondluupe. Mo as ge ma apprivoiseit, dan kunne me ne mi den iene zonder den andere. Dan wëdde gaa, vè maa, unique op de weireld en ikke, unique vè aa...

–  Ik paais da’k et vast em, zaa de Klaaine Prins. Doê es ’n bloem dee ma serieus gapprivoiseid moot emme...

–  Da kan, zaa de vos. Ge zee vanalles op de weireld den dag va vandoêg...

–  Oh, mo da’s ee ni, ni op d’Eirde” zaa de Klaaine Prins.

De vos bezag mè boluuge:

“Op ‘n ander planeit?

–  Juste!

–  Zaain er doê uuk chasseurs, op dei planeit?

–  Neie.

–  Da’s tof! En kikskes?

–  Uuk ni.

–  Lap, ‘k em weial praais”, zuchtte de vos.

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Disponible à partir de fin juin 2020, chez l’auteur: jjdgh01@live.com -   www.science-zwanze.be